INSERT INTO `proposals` (`id`, `content`, `title_exhibition`, `project_id`, `initialized`, `created_at`, `updated_at`) VALUES
(283, 'Kopacabana is an experimental short film for exhibition in projection or monitor, according to the interest of the curatorship, and the availability of devices and spaces. Besides English, the film has also, under request, subtitles in different languages, which gives the possibility of an expanded reach to some larger audiences, without the idiom barrier.\r\n\r\nIn this short film, the artists aim for a poetic investigation driven by a sensorial proposal in the use of language, sound and moving images. Building different relationships and layers of signs that awaken multimodal perceptions and the critical view of the spectator. Therefore, releasing propositions and issues that go beyond the aesthetics.\r\n\r\nThe neighborhood of Copacabana in Rio de Janeiro is presented as an epicenter of social experiences, a fragmented melting pot of cultures and desires. The film resignifies terms and ideas, proposing other possible readings about this neighborhood-world called Copacabana.\r\n\r\nThe film is narrated in Portuguese, with the significant speech-verve of the poet, Fausto Fawcett, who was born and raised in the neighborhood. The piece was built with current footage and archival images in Super 8 and digital media. The experimental short film Kopacabana was made with hard work and passion over two years by the artists, Marcos Bonisson and Khalil Charif. \r\n\r\nThank you for your kind attention.', NULL, 7313, 1, '2020-08-31 15:58:36', '2020-08-31 15:58:36'),
(284, 'Con un tono de fantasía Foliat convoca a la audiencia a reflexionar sobre la construcción de la historia así como sobre su tensa relación con la naturaleza, a la vez que invita a la Bienal a “adoptar” a un monstruo que vive a través de plantas en uno de sus espacios al aire libre. Se trata de una instalación compuesta por una mano y una cabeza (de ojos cerrados y boca abierta, exhalando su último aliento) de gran tamaño y recubiertas de plantas suculentas.\r\nLa pieza oscila entre la vida y la muerte al presentar un personaje que pareciera haber muerto épicamente hace miles de años, pero que hoy vive a través de la naturaleza. Con ese gesto, Foliat plantea que podemos salvarnos y aún hay esperanza si cuidamos la tierra que tenemos a nuestro alrededor. Asimismo, desafía al público a preguntarse: ¿cuantas historias  viven a través del cuidado de la sociedad? ¿Quién elige como contar la vida e historia de nuestros héroes? ¿Cómo regamos esos mitos para que crezcan en los anales de la historia?\r\nFoliat, como pieza viva, es acompañada y afectada por el tiempo, y como la Historia, cambia, muere, crece y florece. Conforme las estaciones avanzan, la obra muta, dejando en claro su insistencia en adaptarse al entorno, como lo hacen tantos relatos, y nuestra querida naturaleza. ¿Cuántas veces hemos visto flores crecer hacia direcciones impensadas para tener un poco de sol? ¿Cuántos mitos se volvieron realidad cuando el juglar correcto tomó las riendas de la palabra?', NULL, 20181, 1, '2020-08-31 16:38:45', '2020-08-31 16:38:45'),
(285, '“Forma do Desassossego/Form der Unruhe’ is a transnational, two-part exhibition between Germany and in Brazil. The project not only includes two exhibitions in which different media like performance, installation and sculpture will be show; as well as counts with artist talks, workshops and lectures in both countries. The topics of those already in exchange artists involve the critical examination of colonial, social and gender differences.\r\n\r\n By focusing on the exchange between Europe and South America, we intend to analyse the western, ambivalent view of Brazil and the equally ambivalent view of Germany. Through the emerging dialogue with the help of art, the artists will approach political and aesthetic conditions of the respective \'foreign\' countries. \r\n\r\nIn current times of political and global social unrest, we trust in personal dialogue and would like to encourage it, by creating debates, art, and collaborating together. Since the political situation in Brazil is currently not in favour of women and minorities, and the general cultural landscape there has very little support and is struggling with oppression, we believe supporting this project between artists from Hamburg and São Paulo is extremely important and relevant to the current scenario.', NULL, 6172, 1, '2020-08-31 17:15:12', '2020-08-31 17:15:12'),
(287, 'The video “Abandoned” (2020) is three minutes and 40 seconds long.  The video performance was created in 2019, as part of Marina Abramović’s Master Class, with twelve selected participants, organized during her retrospective exhibition at the Museum of Contemporary Art in Belgrade. The work is based on the negotiation of autobiographical traumatic content in relation to the memory. Remembering traumatic event requires a cue, like Proust’s madeleine - mechanism to retrieve memory. In this video cues are sugar cubes, as a way to neutralize bitter and traumatic experience. Artist stares into the camera, while jamming sugar cubes into her mouth. At one point Latinović is trying to cry out the words “I am abandoned” in Serbian. Therefore this approach can be described as transactive rather than communicative. It provokes strong empathy, as the capacity to think and feel oneself into the inner life of other, but it does not necessarily communicate the secret of personal experience.In this visually and compositionally reduced video performance, artist focuses on her own psycho-physical experience, intimacies of her personal life, addressing the subtleties of psychological and bodily experiences. Transference of a traumatic experience today seems more important than ever, operating as an apparatus for experiential viewing. \r\nIf feelings and emotions are a key component of the human condition itself, then they should not be denied as a methodological tool for critical interpretation.', NULL, 7659, 1, '2020-08-31 18:15:15', '2020-08-31 18:15:15'),
(288, 'Gómez recuerda a Di Vincenzo en aquel pacto que tuvieron esa tarde primaveral tormentosa, cuando Carlos debía zafar salirse hasta de él mismo por el año 77, existen unas anotaciones a modo de lista que indican entre tantas cosas, descripciones cotidianas como  son; pagar el gas, reparar la filtración de la chapa izquierda junto al pasillo, visitar a la vieja por la tarde, pensar en los chicos y ver como decirles, pagar el fiado del almacén, pasar por el royo de Alfredo. Sabemos que en el trayecto a mex, G tuvo que guardarse unos 3 meses en Colombia, casi como una preparación, un letargo donde  su destino,  se encontraría amigos, camaradería que lo modificaría por el resto de su vida, el Exilio. El rollo de Alfredo era un encargo, una posta que debía llegar en manos de una nieta, aparentemente desconocida, del gran muralista J. C. Orozco, implicada en una célula muy especifica del PC, ¿Como vuelven estas obras de Alfredo a Buenos Aires? Deberían ser parte de un mural? Tenían que llegar al partido con urgencia para ser presentados?Existía alguna clave o  código dentro de estos dibujos que juntos al resto de las representaciones en México arrojarían un camino esperanzador para Latino América.Preguntas que Gómez no dejo de hacerse por mucho tiempo hasta la desaparición de Alfredo. A partir de ese momento inicia la tarea de cortar y pegar los engranajes de una maquinaria muy compleja casi metafísica, que lo sumergirá por una década en un proceso que por momentos rozará la locura.', NULL, 31909, 1, '2020-08-31 18:47:14', '2020-08-31 18:47:14'),
(289, 'El proyecto aborda la representación del encuentro y vinculación con Lo Otro, extraño, extranjero, a través de una instalación escultórica que se activa performativa y sonoramente, en un espacio que funciona como un laboratorio que permite experimentos de interacción y transformación.\r\nIntenta recuperar de manera activa una historia específica generando una relectura de la misma, que pueda construir nuevas interpretaciones, referencias y posibles desenlaces que cuestionen las estructuras existentes que mantienen las cosas en su lugar, intentando que se vuelvan más maleables. \r\n \r\nEntiendo este proyecto como una practica de animismo experimental que implica un proceso de investigación en movimiento que es afectado por los elementos de la instalación, su materialidad, el movimientos de los cuerpos y su interaccion con cosas y personas, el sonido y la investigación histórica/antropológica y su relación con el presente y el contexto específico.\r\n \r\nEl proyecto cuenta con tres elementos que se interrelacionan: \r\n1-Instalación. Compuesta por elementos extraídos de la obra de teatro: títeres de látex, prótesis corporales modificadas para usos indefinidos, partes corporales de arcilla que pueden tener movilidad, etc). \r\n2-Perfomance/activación. Se trabajará con 2 performers que se relacionarán entre sí, con los objetos que manipularán y el sonido.\r\n3-Pieza gráfica del guion de la obra “Petul y el diablo extranjero” con anotaciones de mi investigación sobre la misma y comentarios.', NULL, 571, 1, '2020-08-31 18:54:00', '2020-08-31 18:54:00'),
(290, 'Trabajo a partir de la investigación de Diana Lenton y Jorge Sosa,”De la mapu a los ingenios”, que aborda el derrotero de los indígenas  denominados “pampas”, desde la frontera sur a sus lugares de explotación en algunos ingenios azucareros de Tucumán y Misiones.                         \r\nQueda allí de manifiesto que el poder político y los proyectos empresariales coexisten en la colonización de  frontera.  Un sustrato colonial persistente.                                                                      \r\nEl proyecto presentado articulas dos obras.                                                           \r\nEstas piezas han tenido algunas variaciones respecto de su materialidad.  La primera obra es un mural de azúcar carbonizada sobre chapa negra  y la segunda obra, un video que trabaja documentos de época, en reemplazo del listón negro propuesto.\r\nEl mural está constituido por 72  piezas de 20x20 cm yuxtapuestas.\r\nEl video articula fragmentos de  documentos de época que dan cuenta de  las discusiones planteadas en distintos ámbitos estatales y privados, acerca  del destino de las poblaciones indígenas. \r\nSon registros de las sesiones del Senado y de la cámara de Diputados, y  publicaciones en periódicos  (La Razón y La Nación).\r\nEl video será  proyectado en la sala en diálogo con el mural,   con la intención de generar una tensión a partir de sus materialidades diversas.', NULL, 26486, 1, '2020-08-31 18:56:47', '2020-08-31 18:56:47'),
(291, 'Con esta propuesta deseamos proponer un nuevo montaje de la pieza textil de pequeño formato, colocando las piezas textiles a modo de pañuelos ancladas en la pared con soportes de tipo gancho o clavo, en una disposición de grilla o retícula. También se propone crear una publicación (libro de artista) que  compile en un ensayo metodológico:  las estrategias de recolección de data y análisis,  la data recopilada y las imágenes, gráficos y diagramas intermedios.', NULL, 26426, 1, '2020-08-31 19:02:07', '2020-08-31 19:02:07'),
(292, 'Cada obra que conforma la exposición “ECOS”, se articula en base a dos núcleos temáticos y emblemáticos, por un lado, los agentes que fueron cruciales en el movimiento estudiantil, por ejemplo, la obra “CNH” (Consejo Nacional de Huelga) o “Libertad presos políticos”. Por otro, los personajes que fueron cómplices del trágico suceso, por ejemplo, la obra “El odio no ha nacido en mí”, el cual es la imagen de Gustavo Díaz Ordaz, expresidente de México que avaló la masacre del 2 de octubre de 1968, o la obra “Permanecieron en silencio”, donde se representa al periodista mexicano Jacobo Zabludovsky, que tacho el acontecimiento del 2 de octubre como “zafarrancho” de simples huelguistas. \r\n\r\nEn la construcción de cada obra, se utilizan elementos tanto icónicos, tipográficos y cromáticos para detonar una doble lectura en el espectador. \r\n\r\nEn el aspecto icónico se utilizó imágenes y signos puntuales que contextualizan el movimiento estudiantil y el ambiente político. La tipografía utilizada es sans serif, la cual es idónea para facilitar la lectura del público y también para jerarquizar los textos utilizados, los caracteres en blanco dicen un mensaje y los de color rojo otro. Por último, en la parte cromática se utilizaron principalmente el alto contraste, con el blanco y el negro, el color rojo se utilizó para resaltar elementos tanto icónicos como tipográficos. La estética resultante, connota el ámbito de la lucha social y la resistencia civil en la historia de América Latina.', NULL, 5683, 1, '2020-08-31 19:09:26', '2020-08-31 19:09:26'),
(293, 'En los noventa los procesos de globalización permeaban múltiples espacios de la vida cotidiana, en el imaginario de muchos colombianos las marcas y ciertos estilos de vida asociados a la “american life” eran la aspiración. Hoy seguimos participando de la economía global, pero las aspiraciones y necesidades han mutado hacia otras formas culturales que se traducen en variadas formas de consumo ―de información, de tiempo, de ocio, de placer, de conciencia, etc.― que llegan a la esfera privada de forma refinada, invadiendo todos los espacios de la vida cotidiana y, convirtiéndose en uno de los rasgos característicos de las sociedades contemporáneas. Este proceso de corte global, trae consigo una nueva manera para la sociedad de organizarse y orientarse, un nuevo modo de gestionar comportamientos, no ya a través de la coerción sino de la seducción.    \r\nEl consumo es más que simple acumulación o espectáculo, se identifica con la sobremultiplicación de elecciones que la globalización hace posible, no se trata solo de productos también es un consumo de símbolos. Lo que explica muchos fenómenos que parecen no tener relación pero que analizados detenidamente están vinculados:  desde la flexibilización laboral; el auge de las tecnologías de la información; la consolidación de plataformas como Netflix o redes sociales como Facebook, Instagram, Twiter; hasta el auge de industrias como el porno o redes como Tinder; la masificación de la información y su rápida banalización, solo por mencionar algunos de los fenómenos visibles. Frente a este contexto, el arte contemporáneo ha sido especialmente sensible respondiendo con obras que de forma incisiva dan cuenta de esta situación. Las obras reunidas dan cuenta de una generación con otras preguntas, una visualidad renovada y una nueva estética. En su conjunto evidencian como estos fenómenos que empiezan con la apertura económica, se han refinado, transformado la forma de relacionarnos y de consumir, pero también la forma de hacer arte.', 'GRANDE SUPERFICIE  (de la apertura económica al mercado del deseo)', 12727, 1, '2020-08-31 19:51:06', '2020-08-31 19:51:06'),
(296, 'Dinámica Monstruosa, es una serie de performances online. Donde 14 personajes divertidos y oscuros, creados de manera colectiva, se alimentan del público. \r\nLos encuentros se realizan por alguna plataforma de videochat gratuita, como ZOOM o Google Meet, con un grupo  reducido de participantes, hasta 10 personas. Los encuentros son grabados y luego subidos a Youtube donde más personas pueden participar del chat en vivo de la transmisión. En estos videos solo se escuchan las voces de los participantes, preservando así, la privacidad de los mismos. \r\n¿Quienes son los participantes? Me gustaría trabajar junto a la Bienal Sur para priorizar la participación de comunidades vulnerables de cualquier lugar del mundo.', NULL, 28667, 1, '2020-08-31 20:07:42', '2020-08-31 20:07:42'),
(297, '“The Old and Wrong Way of Seeing Things” was a derogatory term used by Westerners to describe shamanism in North Asia, and which I use as a point of departure for my new project that utilizes Korean shamanism as a means for decolonizing Asian queer identity. By examining binary relationships like good and evil, cause and effect, the project investigates how homosexuality was persecuted in Western religious practices and explores how shamanism remains relevant today as a force of transformative liberation. \r\n\r\nThe project is divided into two narratives. “Fire and Faggot” (2019), an installation with a massive chimney adorned with laser-cut sci-fi designs, depicts the birth of a new human being through a Korean shamanic ritual of fire. In shamanism, fire is transformational. A large burning talisman of a human body composed of queer terms written in archaic Chinese, transports the posthuman queer to a new space that exists outside heteronormative systems of power. \"Kiss of Chaos,” (2020) is a video about a present-day shaman (HornyHoneydew) who encounters Nature (drag monster Hoso). By using the visual language of K-pop, the work both comments on the tragic commercialization of shamans in today’s Korea, while also questioning the hetero dichotomies of the K-pop industry. Through dance and song, the shaman embraces the disorder of the world, and thus dissolve the categories that divide us from each other.', NULL, 32538, 1, '2020-08-31 20:13:51', '2020-08-31 20:13:51'),
(298, 'Treatise tells what it is like to manipulate sounds in composition. Sounds-ideas; reading Treatise is a twilight experience where the two cannot be clearly distinguished (1). \r\nStorytelling is an exchange of breaths produced by the sounds resulting from the resonating air with our body acoustics. These sound impressions are then passed on repeatedly in ever-changing shapes. Sound renders these stories visible. It animates their enactment and allows their transmission. But no sound can be repeated exactly. Sounding is active and generative. Sounds are verbs(2).\r\nThis exhibition thus departs from the experience of sound towards alternative uses of language and narration, taking as its basis the homonymous work by the composer Cornelius Cardew, in which he challenged the performative, the aural, and the visual, based on the dislocation of notation in his score. In his Treatise, Cardew created a network of symbols that encompassed diverse possibilities of access, giving rise to alternative interpretations by questioning the normative use of language. This score is then suggested, as a latent tool awaiting myriad forms of action. Treatise: What is it? Well, it’s a vertebrate...(3)\r\nFollowing this notion is that this exhibition explores the narrative possibilities of various natural and aural phenomena through an ensemble of works that reinterpret the established codes and scales to describe these happenings(4), rewriting them into notations that privilege the use of sound as an action and as an equivocal material open to casualties.\r\nThrough this exploration, the exhibition sets passive and active moments between the works and other external actors, which unfold complex interrelations. Hence the works function as a network that interacts as an intertwined polyphony, affecting and contaminating one another, but also as individual compositions that relate an event and demand its intimate encounter.\r\n1, 3 & 4 - Cardew, C. (1970). Treatise: Working Notes / 2 -Schafer R. M. (2009)', 'Treatise', 10645, 1, '2020-08-31 20:27:02', '2020-08-31 20:27:02'),
(299, 'Dentro de la oficialidad colombiana, en las cédulas expedidas desde el año 1952 hasta el año 1993,  más conocida como cédula blanca laminada, una gran parte de colombianos fueron identificados y posteriormente clasificados como trigueños por medio de un ítem de color que contenía aquella cédula. Esta nueva identificación colombiana abarcó parte de mi árbol genealógico siendo mis abuelos y algunos tíos clasificados oficialmente con dicho color trigueño. \r\nSegún la Real Academia Española (2019), trigueño es un adjetivo que se usa para referirse a las personas que tienen un color de piel similar al del trigo maduro.  Por tanto, las obras de este proyecto como la mimesis de la cédula, las pieles colgantes, los retratos actuales y la paleta de color trigueño, ponen en tensión la dicótoma  que se desenvuelve entre los imaginarios sociales establecidos desde el poder oficial que apuntan a una sociedad homogeneizada ( a partir de este modelo de cédula con el ítem específico de color de piel) y la heterogeneidad existente en cada una de las pieles de quienes en este caso fueron clasificados como trigueños. Por tanto la oficialidad colombiana, toma esta nueva identidad trigueña como una solución al problema de raza colombiana  convirtiendo el color trigueño en un color socialmente aceptado y permitido sin importar la autoidentidad construida por cada persona.', NULL, 12694, 1, '2020-08-31 20:41:11', '2020-08-31 20:41:11'),
(303, 'Los azulejos que forman parte de la obra, han sido seleccionados por mí en un taller de cerámica de Triana, Sevilla, tras haber sido descartados por sus creadores en su proceso de aprender las técnicas cerámicas tradicionales de decoración de azulejos. En este caso la “técnica de pintura sobre cubierta o Pisano”. Los “errores” se producen al transferir los diseños tradicionales al azulejo o en la aplicación del color, dado que en esta técnica similar a la acuarela, no se puede “borrar”, algunos azulejos son descartados. Durante mi experiencia en el taller, me encontré con pilas de estos azulejos almacenados de a pares “cara con cara”, lo cual significó que, por ese roce “cara a cara” antes de ser horneados los pigmentos de un azulejo contaminaran y se mezclaran con su par, dando lugar a composiciones abstractas, y formaciones cromáticas que a mi entender se parecían a pinturas que veo colgadas en espacios de arte contemporáneo. Esta similitud llamó mi atención y me llevó a leerlos como pinturas, aislándolos provisoriamente se su materialidad cerámica y su funcionalidad arquitectónica.\r\nEste proyecto intenta ir y venir en la lectura de los azulejos como pinturas y recuperar su tradición pictórica, introducida por Niculoso Pisano en el SXV, tanto como en su concepción como piezas aliadas a la Arquitectura con fines específicos de manejo de las temperaturas y ornamentación de interiores y exteriores de edificios.', NULL, 8792, 1, '2020-08-31 21:37:45', '2020-08-31 21:37:45'),
(305, 'For more than 30 years our work has been based on open and collaborative projects. Processes that, perhaps, are born out of compulsive reactions to being immersed in an urban “landscape of words”…\r\nChoose a day, pick a street close to home and start walking, in the meantime record everything that you read around you. After a while you will have enough words; signs, advertising on billboards, garbage, graffiti, brands, posters… For the most part they are commercial advertising that change with the seasons and the turnover of the shops. With all these words, gathered over the course of many months, we create visualizations inspired by the labyrinths of C. Castoriadis. Recording and transcribing everything is a slow and long process; it is the result of a precise choice; this piece is part of the series we call “Decelerations”. In December of 2019 we held a workshop at the Academy of Fine Arts in Bergamo and we asked the students to go around recording all the writings they could find on the streets. These writings will become a great painted mural in an open space in the city. It will be a participatory monument that will restitute a moment in the life of Bergamo as it was seized by the young people who collaborated in its creation. It is a contingent and contradictory monument, as it was dedicated to the ephemeral, yet it is able to gather other claims, tags and messages that people will write spontaneously on the accessible surfaces of the mural, expanding it further over time', NULL, 13199, 1, '2020-08-31 22:25:16', '2020-08-31 22:25:16'),
(306, 'El proyecto El sonido de los pájaros debió hacerse eco de los últimos acontecimientos de notoriedad pública: el incendio en las islas, su amenaza constante y su incierto final. El archivo visual de estas nuevas imágenes lamentablemente coincide con la narrativa y la búsqueda de sentido central de la propuesta.\r\nEvidentemente la construcción de la concepción del mundo no podemos pensarla bajo el dualismo naturaleza/humano como entidades opuestas entre sí, sino que deberíamos acercarnos a la naturaleza como un concepto dinámico y en construcción constante por nuestra interacción con ella y no como un ente independiente de la experiencia humana; los modos en que habitamos el mundo son los que reconstruyen la idea de naturaleza. ¿Es posible establecer hoy en día una separación contundente entre la naturaleza y la humanidad?\r\n¿O actúan como seres vivos que se que cruzan, para reinventarse y reconstruirse constantemente? El sonido de los pájaros apunta a una experiencia inmersiva, donde ambos paisajes; sonoro y visual, dejan esta problemática en evidencia.\r\nLa tarima central, que ubica al espectador como testigo protagónico, emula a los muelles; lugar de llegada, de partida y de espera, y construye el punto clave desde donde contemplar, reaccionar (y quizás gritar)\r\nLa instalación nos sumerge en una amenaza continua. No somos inocentes si seguimos perpetuando estos modelos de dominación. Somos parte del problema, deberíamos entender como ser parte, también, de la solución.', NULL, 22194, 1, '2020-08-31 22:29:59', '2020-08-31 22:29:59'),
(307, 'El vídeo Arquitectura desplazada. Enterramiento, muestra cómo una máquina excavadora realiza un agujero en la pista de carreras del Canódromo Meridiana de Barcelona para enterrar una maqueta que reproduce la Casa de Estudios para Artistas. Esta arquitectura fue construida en Buenos Aires en 1939 por el arquitecto español Antonio Bonet Castellana junto a sus socios argentinos López Chas y Vera Barros con el fin de albergar a artistas y arquitectos. El Canódromo, construido en 1963 para celebrar carreras de galgos, fue remodelado en 2010 como un centro de arte. Desde entonces ambos edificios además de estar hermanados por el arte, comparten con Bonet otro vínculo: la Casa de Estudios para Artistas fue su primera arquitectura realizada en su exilio en Argentina y el Canódromo su primera arquitectura tras su regreso a España.\r\nCon el enterramiento de esta maqueta, se pretende, además de retornar simbólicamente a Barcelona una arquitectura que fue “desterrada” por los avatares de la guerra civil española, evidenciar la cruel invisibilidad y el silencio sufrido por los exiliados republicanos durante la dictadura franquista y primeros años de democracia. Por ello, Arquitectura desplazada se constituye como un monumento a la inversa –del que no existe ninguna señal o marca– pero también como un acto de metamorfosis entrópico donde los restos de aquella arquitectura utópica, que ponía el arte en el centro, pudieran contener en su interior un nuevo futuro.', NULL, 19729, 1, '2020-08-31 23:18:56', '2020-08-31 23:18:56'),
(308, 'Durante el período de confinamiento por el covid pude profundizar y reflexionar más en mi propuesta. Los insectos, las diminutas criaturas que nos precedieron como especie en varios millones de años y que forman parte de mi memoria sensorial y cultural (los ardientes veranos de mi Córdoba natal), son imágenes y metáforas de una vida ajena y misteriosa, que ignoramos o rechazamos y acorde a nuestros parámetros culturales occidentales, valoramos negativamente. La búsqueda en el contexto cultural de la antigua China y Japón ofrece la posiblidad de reflexionar sobre el tema desde otra perspectiva. En chino el término medio ambiente („huanjing“) no es idéntico al de naturaleza („ziran“); el primero apela más bien a lo que nosotros comprendemos como paisaje y el segundo a lo que somos. El proyecto parte de esta reflexión. Estos tiempos del covid nos plantean la pregunta del significado del término vida. ¿Es vida, conciencia? ¿Cuántas dimensiones tiene el mundo? ¿Es posible una nueva solidaridad social sin una solidaridad con todo lo que vive? Con la serie Los insectos y nosotros  reflexiono sobre esto. El trabajo con la tinta china y el papel me acerca a la dimensión sensorial, atenta y humana. Los objetos de asfalto denotan la dimensión temporal de la evolución. La intervención de los espacios con textiles apela al tema del ornamento en la arquitectura, significativo tanto en oriente como en occidente y me permite también expresar la idea de la dimensión numérica de los insectos.', NULL, 289, 1, '2020-08-31 23:31:41', '2020-08-31 23:31:41'),
(309, 'Mi trabajo tiene que ver con una investigación en torno a las plantas tintóreas y medicinales, me interesan los “yuyos”, plantas que crecen caprichosamente entre las construcciones de la ciudad, baldosas y cordones. \r\nEllas tienen capacidades medicinales y tintóreas, se encuentran accesibles a cualquier persona pero son invisibles porque culturalmente han pertenecido al conjunto de plantas denominadas malezas, entre ellas el “diente de león, palan-palan, llantén, bolsa de pastor, kalanchoe”. \r\n\r\nEsta investigación la estoy realizando en colaboración con una curandera Eloisa Castellanos y un médico homeópata Esteban Liberczuk, para conocer toda la cosmogonía de la planta, es decir como actuaria sobre las personas en el plano físico y emocional, sabiendo que las plantas poseen “todo el potencial del universo dentro”. \r\n\r\nMe interesa abordar la fuente tintórea (la planta) para desplegar todas sus cualidades esenciales y simbólicas, pensarla más allá de su tonalidad.  La obra es el devenir de la búsqueda del color y será materializada en una instalación y una publicación.\r\n\r\n1- Realizar tomas junto con el médico homeópata y la curandera para conocer sus efectos medicinales (físicos y emocionales). Esta experiencia será materializada en una publicación.\r\n3-Exhibir 50 fuentes tintóreas y sus resultados en color: Planta, tierra, maceta, estante de madera y prueba sobre fieltro, 150 x 40 x 30 cm cada una. Ver bocetos adjuntos.', NULL, 16309, 1, '2020-08-31 23:33:49', '2020-08-31 23:33:49'),
(310, 'TOP project (Ljubljana, ‘19) is an artistic intervention in public space, commenting on the invasion of so-called “temporary parking lots”. The artist ironically created his own parking lot on a location inaccessible to vehicles and displayed it as a recognizable grid of white lines with a colorful cabin made from recycled advertising banners of actual parking lots on top. He promoted the new “TOP parking lot” by transforming the existing advertising posters into his own, thus relating the issue of parking to an even more invasive problem of visual pollution, using a strategy of aggressive, competitive advertising.\r\nThe project was entirely post-produced by Aksioma–Institute of Contemporary Art, Ljubljana with the support of the Ministry of Culture of Slovenia and the Municipality of Ljubljana. \r\nThe exhibition of the project includes: 8 ready-made Slovenian media articles about the topic, 5 videos (1. Documentation of existing parking lots, 2. Interviews with their employees, 3. Creation of the cabin, 4. Promotion of the TOP through hacking city-light displays, 5. Creation of the TOP parking lot), the authentic cabin, a framed authentic TOP poster displayed as a wall light installation (the original poster visible when the light is on, TOP poster when off), a city map showing intervention spots & TOP parking lot floor plan, both printed on banner, and a real size drawing of a single parking lot on the floor.Detailed description and more exhibition photos: www.aksioma.org/top', NULL, 24830, 1, '2020-08-31 23:41:59', '2020-08-31 23:41:59'),
(312, 'TALLER ABIERTO EN LA ISLA MARTÍN GARCÍA es un proyecto performático territorial que tiene como propósito habitar, interpretar y representar colectivamente el territorio de esta isla, a partir de experiencias compartidas entre artistas, la comunidad local y el público de la Bienal Sur.\r\nEl ciclo  propone caminar el paisaje histórico y natural de la isla, a partir de ejercicios reflexivos, talleres y charlas situadas en distintos puntos, que puedan dar cuenta de las diversas tramas y enigmas que atraviesan este paisaje.\r\nEstas experiencias estéticas proponen concebir e imaginar un porvenir compartido, desde esta isla que fue una emblemática prisión y lugar de destierro. \r\nEl material de registro de todos estos talleres y charlas conformará una exposición en el Museo Histórico de la isla que inaugurará en la última jornada, y estará organizada en torno a una línea de tiempo. \r\nEsta propuesta colectiva está conformada por un equipo curatorial y de producción, talleristas, conferencistas, y varias instituciones aliadas que trabajan en el territorio de la isla, con las cuales venimos trabajando desde 2017: la Escuela Cacique Pincen, el Museo histórico, la OPDS y la Dirección Provincial de islas.\r\nLa participación del público en los talleres y las charlas será gratuita pero con inscripción previa, con cupo limitado, debido a la capacidad turística de la isla. \r\nCronograma: sábados de septiembre y octubre de 2021, cada 15 días, de 11 a 17hs (horarios turísticos)', NULL, 26946, 1, '2020-08-31 23:48:53', '2020-08-31 23:48:53'),
(314, '\"Was all that money I made last year for Whitey on the moon? How come there ain\'t no money here? Hm! Whitey\'s on the moon!\"- was a line in one of Gil Scott Heron\'s 1970\'s spoken-word classics. It criticized the discrepancy between the heroically celebrated moon landings of 1969 and the reality of life of the poor population, especially the African Americans. Civil rights activists such as Ralph Abernathy protested to save the vast costs of such projects and instead use them for social projects. These protests have not only gone largely unnoticed, but have been forgotten today, at a time when utopian dreams have turned again to space.\r\nWould it not be a good time to talk again about fair distribution of wealth, in an era of technology that has not kept its promises? Instead, the eyes of private companies are directed towards aims such as Mars, the neighboring planet which, with its conditions, is far less suitable for human life than the deadly zone in the immediate vicinity of the crashed nuclear reactor Tchernobyl, shortly after its explosion. Wouldn\'t today be the time to slightly change the sense of the famous speech of John F Kennedy: \"We choose to [end poverty] in this décade and do the other things, not because they are easy, but because they are hard, because that goal will serve to organize and measure the best of our energies and skills, because that challenge is one that we are willing to accept, one we are unwilling to postpone, and one which we intend to win[...]\"?', NULL, 20527, 1, '2020-09-01 00:00:02', '2020-09-01 00:00:02'),
(315, 'This video installation was originally presented at Elektra Gallery in Montreal in 2019. For Bienalsur, I will select its main components, to create a new and refined viewing experience. Because of it, some elements of the first registration were dismissed.\r\nThe work was produced through an extensive research that became a series of video performances. Every piece is based on an archive of body images that I collected through my research. I visited several museums, galleries, art venues, and archives in Italy in 2018, documenting artworks from the Antiquity, Renaissance and Neoclassical periods. Later, I combined these items with body images from digital platforms. The hashtag #pose, on Instagram, provided an endless update of worldwide users posting pictures where their bodies are purposely arranged for viewing. I also made web searches of anatomy, porn, advertising and pop culture. \r\nThis repertory of images reiterates throughout the video-performances. The different universes are juxtaposed and dissolve into one another by the body that reenacts them. A body whose performativity contrasts ideas of automation, human agency and technology.\r\nI would like to suggest that the installation be presented in a historical venue, which would foreground the dialogue between history and the present. The proposed set up consists of 4 video pieces displayed through screens and projections in 2 separate rooms. Finally, a sculptural object composed of a reflective sheet hanging from a stand.', NULL, 11711, 1, '2020-09-01 00:07:42', '2020-09-01 00:07:42'),
(316, 'Retiro es un proyecto multimediático que reconstruye memorias de la madre de la artista a través de entrevistas, pietaje “behind the scenes” y actuaciones interpretadas por la artista misma, permitiendo una exploración íntima de la herencia ancestral y las percepciones de la verdad y la memoria. \r\n\r\nEl proyecto se enfoca en una colaboración entre la artista y su madre, Gloria Morillo. Luego de la muerte de su abuela, Lassalle-Morillo decide entrevistar a su madre acerca de su proceso de duelo, sus memorias de Puerto Rico en su juventud , la transformación de su cuerpo en esta edad y su perspectiva hacia el futuro. Lassalle-Morillo y su madre deciden entonces hacer un cortometraje basado en un recuerdo de Gloria. Ella tenía control narrativo del libreto ya que el propósito del mismo no era su veracidad, sino como Gloria decidía recordar su pasado. Gloria también tenía autoría acerca del estilo y el “casting”. Dicho esto, decide seleccionar a su hija para que la interpretase a ella en el libreto inédito de su pasado. \r\n\r\nRetiro encarna el intento de hacer esta película,  las múltiples experiencias que acompañaron el proceso de producción de cinco años, y  la colaboración entre Gloria y Lassalle-Morillo hacia la modificación de la historia ancestral de su familia. \r\nLos tres canales de video con sonido son proyectados simultáneamente en tres cortinas verticales que aluden al espacio doméstico de Gloria, donde muchas de las escenas que forman parte de este film se llevaron a cabo.', NULL, 8677, 1, '2020-09-01 00:12:25', '2020-09-01 00:12:25'),
(317, 'Um filme para Ehuana es un trabajo realizado con mujeres yanomami, en la frontera entre Brasil y Venezuela. La película transcurre en Watorik, en una comunidad que vive fuera del mundo del capital y que desde hace muchos años trabaja activamente para protegerse, para mantenerse lo más lejos posible del hombre blanco y del Estado. La película trata sobre las relaciones femeninas de cuidado y trabajo, pero también sobre la relación de intercambio con la directora que filma. Pasamos tiempo con Ehuana y su familia en el dorso del corazón del bosque más grande del mundo.  \r\nMi propuesta es que este universo fuera de la normatividad del mundo del hombre blanco colonizado colonizador esté presente en la Bienal Sur con la participación de esta película.', NULL, 31416, 1, '2020-09-01 00:27:44', '2020-09-01 00:27:44'),
(320, 'Durante los días 19,20,21 y 22 de septiembre Bogotá-Colombia se convertía en el escenario de una de las muestras expositivas más importantes del arte contemporáneo en Latinoamérica. La feria de arte internacional de Bogotá (ARTBO) concentró, bajo una cuidadosa selección, artistas y galeristas nacionales e internacionales cuyas propuestas y trayectorias convertían a la ciudad en uno de los puntos más importantes del circuito artístico global. La idea de hacer de Bogotá toda una experiencia artística se complementa con el evento tradicional de arte más importante del país, el 45 Salón nacional de artistas, “El revés de la trama”, y con el X premio Luis Caballero cuyas 8 propuestas transforman y resignifican viejos y nuevos espacios de exposición en la ciudad. Sin embargo, la ciudad, y el país, se convertían paralelamente en un espacio de lucha política donde el grueso de la población inundaba las calles en una fuerte manifestación de reclamo ante las nuevas políticas estatales que retroceden el proceso de pacificación que el país viene teniendo durante los últimos años. \r\n\r\nDe la mano de investigadores, curadores y artistas el documental investiga, contrapone y analiza las diferentes prácticas artísticas que en un mismo momento inundaron la ciudad de Bogotá. En este sentido, se busca encontrar las maneras como cada espacio utiliza las prácticas contemporáneas artísticas para hablar de la coyuntura actual que atraviesa el país y como dichos espacios se llegan a relacionar.', NULL, 27374, 1, '2020-09-01 00:41:13', '2020-09-01 00:41:13'),
(322, '“La soledad en tiempos de Netflix” cuestiona el impacto que tiene el desarrollo tecnológico en las relaciones afectivas, buscando conexiones profundas entre la necesidad de afecto y nociones inherentes a la vida humana, como el nacimiento, el deseo y la muerte. Este proyecto consiste en tres videos en formato YouTuber que muestran: (1) un producto que promete ayudar a superar la soledad simulando compañía, (2) un servicio que propone un nuevo modelo de familia a través de nuevas tecnologías reproductivas, y (3) una organización que asiste a personas cuyo deseo de vivir ha culminado. \r\n\r\nEn un mundo de afectos prefabricados, empaquetados y listos para la venta, la compañía deja de ser una necesidad vital para convertirse en un objeto de consumo. Las empresas entran a suplir esas necesidades afectivas, ofreciendo productos y servicios diseñados para un individuo cuyo tiempo debe ser optimizado con alternativas que se acomoden a su existencia individual. La soledad pierde su poder transformador, implícito en el profundo deseo de trascender —dejar de ser uno para derramarse en otro—, y se convierte en un pretexto para sumirse en las ambiciones propias y consumir aún más.\r\n\r\nEn estos tiempos de confinamiento, “La soledad en tiempos de Netflix” expone la importancia que cobra la tecnología en este momento de aislamiento físico y reflexiona sobre la forma en que nuestros afectos pasaron de depender en un alto nivel de la conectividad a instalarse completamente en nuestros dispositivos.', NULL, 9180, 1, '2020-09-01 00:45:52', '2020-09-01 00:45:52'),
(323, 'MONUMENTAL se inicia en el 2017. La primera etapa consistió en la realización de un Concurso público que -luego del traslado del monumento a Juana Azurduy, que a su vez había reemplazado a Colón- interpelaba a la comunidad en general a presentar proyectos de monumentos a instalarse en aquel sitio polémico, en el eje cívico de CABA.\r\nLuego de la convocatoria, un jurado eligió varios proyectos que fueron invitados a hacer una presentación pública y a debatir entre ellos. De ese debate surgió un monumento ganador: monumento al contrabandista del artista Lux Lindner. \r\nEn la actualidad, dicho monumento, está siendo impulsado por MONUMENTAL y la Oficina de Monumentos Consensuados/OMC para ser debatido en la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires en vistas a su eventual emplazamiento.\r\nProponemos durante BIENALSUR, realizar una instalación y una serie de performances breves que den cuenta de los resultados obtenidos, las conversaciones con los diversos referentes políticos, las implicancias de emplazar un monumento al contrabandista, los obstáculos con los cuales nos vemos confrontadas, el apoyo popular a través de las firmas y declaraciones, entre otros temas que se desprenden de la gestión de la OMC.\r\nLa radicalidad de nuestra apuesta consiste en ejercitar abiertamente la práctica artística como gestión política, minada de estrategias ficcionales que aplicamos al campo de la realidad con el objetivo de transformarla, creando una obra inédita que obliga a repensar el arte.', NULL, 7579, 1, '2020-09-01 01:02:45', '2020-09-01 01:02:45'),
(325, 'Digital Atmosphere is a Mixed Reality sculpture combining air pollution data and Augmented Reality to give the environment a voice. It is one of the first sculptures worldwide combining a physical sculpture and an Augmented Reality system including live data to drive digital art in a novel way. \r\n\r\nThe physical shape and digital behaviour of the artwork is inspired by research into early air pollution devices, such as Canary birds, and computational flocking systems. Mimicking bird behaviour, the virtual living form senses and reacts to changes of local air quality in a poetic way. Underlined by spatial sound, the audience experiences 6 different states of dynamic form and motion through headset based Augmented Reality. \r\n\r\nAir Pollution is still a problem that connects the planet. This installation is an attempt of experiencing pollutants in a poetic way with the aim to help to behave, breathe and share air differently in the future. How would you feel if we wear Augmentation Glasses on an everyday basis, picturing the immediate change of air and its origin – would this change the way we behave, move and navigate through future cities? Research during the current Covid 19 pandemic showed the link between air pollution to our bodies, this is why this sculpture is an attempt to bring the invisible closer to people, rather than to larger governmental bodies. \r\n\r\nDigital Atmosphere is part of the art and tech fellowship at Near Now 2019-2020, fully funded by Arts Council England.', NULL, 16673, 1, '2020-09-01 01:17:23', '2020-09-01 01:17:23'),
(330, 'La exposición está planeada para que pueda trasladarse en una casa rodante y exhibir diferentes posibilidades de curaduría en cada destino, reaccionando a los encuentros con el público y transformando su dispositivo modular en cada parada. Con este proyecto buscamos experimentar con formas orgánicas de exponer y curar que incorporen a su paso las experiencias recogidas, proponiendo nuevos textos y narrativas en cada itinerancia, esto será posible ya que serán lxs curadorxs quienes conduzcan el vehículo, instalen la exposición, inviten al público y brinden visitas guiadas. La casa rodante es una analogía poética y concreta de la premisa central del proyecto: ampliar el contexto de acceso y discusión de las artes visuales, que nuevas comunidades alimenten las prácticas artísticas y sus modos de presentación a partir de espacios de debate y de socialización públicos, y que el arte aporte desde la ficción y la imaginación nuevos modos de ver y modificar la realidad. Asimismo, bajo la premisa de adaptarnos a la convivencia con el COVID-19 el proyecto repiensa a las instituciones artísticas y su relación con la sociedad, se propone salir al encuentro con lxs ciudadanxs en espacios públicos, al aire libre, en lugares abiertos y cuidados, sin aglomeraciones. De esta manera, buscamos entablar una relación de cercanía y cotidianeidad con la gente, ya sea en el club, la plaza o el mercado, y que esa relación provoque un un corrimiento de los sentidos establecidos, para que juntxs podamos reflexionar sobre la propia historia e identidad colectiva e individual, y así comenzar a abordar problemas estructurales de nuestro país como la discriminación racial, de género y clase. Invasión recorrerá ciudades y pueblos en diversas provincias, procurando entablar relaciones de colaboración con instituciones locales como museos, institutos y universidades, todos ellos potenciales socios de la exposición móvil.', 'Invasión: Primera Exposición Universal de las Bondades y Virtudes del Gobierno del Inca', 5702, 1, '2020-09-01 01:53:32', '2020-09-01 01:53:32'),
(331, '\"Uma Casa Portuguesa\" es un proceso fotográfico, narrativo, personal, íntimo que resulta público. La artista fotografia, durante una semana, a su abuela de forma espontánea e instintiva, en su vida diaria: en la mañana, durante el almuerzo, en sus paseos, en la noche y en el momento de despedida. Se capturan detalles, que a menudo escapan de miradas menos atentas: los objetos, lo inmediato, lo fortuito y lo instantáneo. El desarrollo de la tecnología modificó la cultura visual y, sobretodo, el estatuto de la imagen fotográfica entendida como objeto, por una nueva concepción de la imagen desmaterializada. Las imágenes pierden la necesidad del soporte, evolucionando hacia una materia que no ocupa espacio físico, y que circula a gran velocidad. Así, se siente la necesidad imperiosa de volver a las herramientas analógicas, reflexionando sobre el valor del medio fotográfico, así como la obsolescencia del material y la relación física con las fotografías. Es una narrativa fotográfica biográfica, pero también autobiográfica ya que la investigación se centra en aspectos familiares reveladores. La artista utiliza su cuerpo y se deja llevar por el flujo de la experiencia, permitiendo una concentración en la dimensión poética de lo real como agente de activación de la memoria y descubrimiento. El proyecto reflexiona sobre cuestiones como la percepción del tiempo, la memoria, el hogar, la historia y los lazos familiares.', NULL, 20979, 1, '2020-09-01 02:05:53', '2020-09-01 02:05:53');
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(334, 'Entendemos que la industria audiovisual es un medio muy poderoso e influyente en la construcción de la identidad cultural y que los mensajes que recibimos a través de los contenidos audiovisuales no son inocentes. Las decisiones de poder en la industria son consecuencia de intereses regidos por el mercado y no por el bien de las grandes mayorías.  \r\nConsideramos, también ,que el arte es político, en ese sentido  pensamos Las Otras como una obra artística, no sólo audiovisual, ya que se complementa de la retroalimentación del debate con el público espectador, que ocurre luego de su proyección. Las Otras en tanto obra artística intenta interactuar con la comunidad.\r\nBienal Sur es una oportunidad ideal para poder realizar dos exhibiciones del documental con charla debate: una en Buenos Aires y otra en Madrid, donde residen actualmente sus directoras, y a través del registro audiovisual de estos debates, analizar desde distintas perspectivas socio culturales y económicas, una problemática que habita en los más diversos territorios.\r\nComo autoras proponemos una obra, que tiene la intención de expandir la discusión de la desigualdad de géneros, desde la universidad pública y en diálogo con la comunidad, para pensar futuros posibles en un contexto donde cada vez hay más motivos para construir, deconstruir y reconstruir con un pensamiento crítico y más inclusivo la industria audiovisual.', NULL, 32838, 1, '2020-09-01 02:49:40', '2020-09-01 02:49:40'),
(338, 'La normalización de monocultivos mejorados y transgénicos imponen un régimen estético con sus dinámicas económicas y políticas en una clausura biopolítica que ponen en riesgo la biodiversidad, las variedades de plantas nativas y tradicionales así como las practicas ancestrales agrícolas y espirituales. Especialmente para pueblos originarios como los Mayas, pues según su libro sagrado, el Popol Wuj los winaq (humanos) fueron hechos con maíz ¿Cómo son afectadas por los monocultivos transgénicos y mejorados las practicas relacionadas con el maíz? ¿Qué historias de resistencias se fugan de la lógica del mercado preservando la diversidad de vidas y las relaciones entre ellas? \r\nPara acercarse a estas problemáticas se proponen 3 videoartes breves (2-5 min.)  para que dialoguen las perspectivas agroindustriales, tradicionales y religiosas-ceremoniales del maíz (en Guatemala) en una instalación que genere un horizonte de significación a partir de la incorporación de elementos relativos a su producción. La presencia, física o virtual (dependiendo de las circunstancias) de las mazorcas mejoradas y transgénicas tan grandes y robustas que parecen perfectas me parece pueden, dentro de esta instalación, mostrar la monstruosidad de la perfección a la que aspira la producción de una naturaleza artificial, mientras lo videoartes muestran como otras eticoestéticas se posicionan y relacionan con ensambles de cosas vivas, no-vivas y sus sentidos de los mundos', NULL, 25051, 1, '2020-09-01 03:36:17', '2020-09-01 03:36:17'),
(339, 'Mi propuesta sufrió una modificación a causa de la pandemia; en un primer momento comencé a realizar retratos de artistas matanceras y ante la imposibilidad del encuentro frontal, establecí concentrarme en la idea de destacar la corporalidad, la sensualidad de estos cuerpos, los cuales suelen pensarse, desde una mirada estigmatizante, como cuerpos desprovistos de belleza. \r\nAmplié mi convocatoria a 18 feminidades y las guié en una producción fotográfica de autorretrato, cada una desde sus hogares. Cabe destacar que no contaban con una cámara profesional, por lo tanto, fueron producidos con sus celulares y elementos accesibles de acuerdo a las posibilidades de cada una.\r\nEstas feminidades han trabado una relación estrecha que las involucró de un modo especial con el proyecto, al punto de confiar sus historias personales de las que son sobrevivientes. Es, en este sentido, un proyecto integral que nos permite abordar no sólo la superficie de sus cuerpos, sino también las fibras que los componen y que los proveyó de toda su belleza.\r\nLa obra cuenta así con fotografías y textos biográficos. El material permite reflexionar sobre los estereotipos, la violencia, la disidencia corporal y sexual y, desde luego, todo ello bajo este contexto de encierro. \r\nCreo que este proyecto, más allá de las dificultades, dará cuenta que bajo cualquier contexto existe la posibilidad de resiliencia, que en La Matanza con recursos mínimos se puede hablar de belleza, de sensualialidad, de resistencia.', NULL, 7607, 1, '2020-09-01 03:53:10', '2020-09-01 03:53:10'),
(340, 'Dadas las circunstancias actuales resulta complejo predecir un escenario para el desenvolvimiento de la obra en modo presencial. Partiendo del espíritu original del proyecto, nos proponemos abarcar dos instancias: Una presencial ejecutada con autonomía por los habitantes del barrio y otra remota de acceso público, que podría manifestarse tanto en un formato expositivo como virtual en el marco de la Bienal.\r\nPara la instancia presencial se conformará un grupo de cinco vecinxs habitantes del barrio de diversas edades, retomando los vínculos iniciados desde 2018 a raíz de la investigación y documentación ya realizada (el video adjunto funciona como breve tráiler de aquella etapa). Este nuevo grupo será el encargado de instalar y monitorear una estación meteorológica en la nueva urbanización del barrio, deviniendo performers de la obra. Con ese fin, el Taller del Clima organizará una capacitación con meteorólogxs invitadxs para hacer un entrenamiento específico del manejo de la Estación Meteorológica y sus posibilidades. Asimismo, se realizarán grupalmente una serie de piezas con pintura termocrómica (que cambia de color según la temperatura). El taller motivará la recolección de datos, videos de reporte y narraciones vinculadas a los fenómenos del clima durante el proceso de urbanización. Los resultados podrán ser visualizados en la segunda instancia de acceso público, ya sea en un formato expositivo como virtual (a través de un sitio web) en el marco de la Bienal.', NULL, 28756, 1, '2020-09-01 03:54:27', '2020-09-01 03:54:27'),
(341, 'Durante el período de confinamiento por el covid pude profundizar y reflexionar más en mi propuesta. Los insectos, las diminutas criaturas que nos precedieron como especie en varios millones de años y que forman parte de mi memoria sensorial y cultural (los ardientes veranos de mi Córdoba natal), son imágenes y metáforas de una vida ajena y misteriosa, que ignoramos o rechazamos y acorde a nuestros parámetros culturales occidentales, valoramos negativamente. La búsqueda en el contexto cultural de la antigua China y Japón ofrece la posiblidad de reflexionar sobre el tema desde otra perspectiva. En chino el término medio ambiente („huanjing“) no es idéntico al de naturaleza („ziran“); el primero apela más bien a lo que nosotros comprendemos como paisaje y el segundo a lo que somos. El proyecto parte de esta reflexión. Estos tiempos del covid nos plantean la pregunta del significado del término vida. ¿Es vida, conciencia? ¿Cuántas dimensiones tiene el mundo? ¿Es posible una nueva solidaridad social sin una solidaridad con todo lo que vive? Con la serie Los insectos y nosotros  reflexiono sobre esto. El trabajo con la tinta china y el papel me acerca a la dimensión sensorial, atenta y humana. Los objetos de asfalto denotan la dimensión temporal de la evolución. La intervención de los espacios con textiles apela al tema del ornamento en la arquitectura, significativo tanto en oriente como en occidente y me permite también expresar la idea de la dimensión numérica de los insectos.', NULL, 289, 1, '2020-09-01 03:55:18', '2020-09-01 03:55:18'),
(342, 'The Naked feast, taking place in a colonial art deco venue, addresses the postcolonial condition. This performative installation, I propose, affirms a twofold politics and poetics of resistance that is antithetical to patriarchy\'s hold on the body as a commodity. \r\nFurthermore, the use of intersectionality complicates the mode of analysis of a “feminist art” and shows the intricacies of gender, marginality and cultural hybridity, markers that I consciously embody. Explicit in the representation is the understanding that indigenous traditions entail the core of what counter-cultural subversion and dissidence could potentially represent in the contemporary “global southern society”. Drawing from Judith Chicago’s last supper, The Naked Feast adds the intersectional twist of bringing to the dinner table the colonial control over women\'s bodies and reproductive rights through acculturation. With the possibility of contextualizing The Naked Feast and involving Argentinian female artisans in an in-situ approach, we propose to go beyond explicit reflexivity and discourse aimed at disrupting established status quos. The opportunity to bridge between Moroccan and Buenos Aires-centric craftsmanship and indigenous traditions in a single installation would add another layer of South-South cultural intersections to enrich and complicate The Naked Feast, thus illuminating the resistance of the “subaltern”.', NULL, 31707, 1, '2020-09-01 04:05:54', '2020-09-01 04:05:54'),
(344, 'COREOGRAFÍA URBANA  es un proyecto que reúne un conjunto de piezas que dialogan entre sí reflexionando sobre el diseño de límites en el espacio público.\r\nSe presenta en una única instalación que tiene la capacidad de adaptarse a diferentes espacios expositivos y puede realizarse en cualquier ciudad sin mayor dificultad para conseguir los elementos necesarios, por ejemplo vallas de seguridad.\r\n\r\nTodas las piezas (desarrolladas en el documento enviado para la inscripción) están parcial o totalmente producidas salvo A la voz de ¡Aura! que debe ser producida en su totalidad.\r\nEl proceso de producción de esta última consiste en la preparación y realización de la performance en Montevideo, su registro y posterior edición del material audiovisual.\r\n\r\nA la voz de ¡Aura! es una video-performance que reflexiona sobre algunas tradiciones que son transmitidas a través de la danza y que suelen realizarse en el espacio público.\r\n“¡Aura!” significa “Ahora”, me pregunto qué representa hoy El Pericón Nacional, y si somos capaces de observar nuestras tradiciones con una mirada crítica y situada en las problemáticas que atraviesa la sociedad hoy, ahora.\r\n\r\nLas 5 piezas que conforman la instalación se disponen espacialmente generando ciertos recorridos que serán diseñados según las características del espacio expositivo, pudiendo variar en su forma o dimensiones si fuera necesario.', NULL, 19547, 1, '2020-09-01 04:55:07', '2020-09-01 04:55:07'),
(345, 'Los puentes cruzan empinadas montañas, libran prolongados ríos, conectan fronteras, y acortan distancias. Comunican, construyen redes, abren espacios. Desde una perspectiva histórica y simbólica, encuentro una analogía entre lo que representa un puente y la función que cumplieron las antiguas embarcaciones en épocas históricas. Con el uso de los navíos se enlazaron culturas y unieron continentes, permitieron el acceso y el intercambio comercial entre diversas civilizaciones que coexistían al mismo tiempo. En el contexto histórico iberoamericano, con la navegación fue posible que se diera el encuentro de dos culturas que se desenvolvían en diferentes continentes. Este descubrimiento trajo consigo un intercambio comercial, cultural, religioso y nuevas formas de gobernar.\r\n\r\nTengo interés de intervenir el Puente de San Pablo (1533-1589), para convertirlo en forma de “Galera”, con la participación de la gente y el movimiento sincronizado de las palas con las telas. En su origen la plataforma fue construida en fechas cercanas a la fundación de la capital del virreinato de la Nueva España, también por esa época la navegación se fortalece y se mejora el diseño de los barcos.\r\n\r\nCon tiempo de anticipación se coordinará un grupo de trabajo que apunte al tema del intercambio cultural que aconteció en esos periodos de la historia. Antes de la acción en el puente, los documentos y elementos que se reúnan referentes a esta investigación serán colocados y distribuidos en el andén.', NULL, 20866, 1, '2020-09-01 05:03:01', '2020-09-01 05:03:01'),
(346, '“En la casa, el exilio” propone una mirada sobre el desplazamiento forzado, desde la perspectiva de una casa abandonada. En sus paredes, el exilio es un reflejo de quienes eran sus miembros. Los desplazados tenían un hogar, un lugar. La obra propone, que sea la casa misma, quien se levante y se sostenga sobre sus cimientos y salga a caminar en busca de quienes la habitaron. En su recorrido la casa no encontrará a sus miembros, pero hará nuevas familias, nuevos recuerdos. Estos se recopilarán en un álbum de fotos y videos, que irán conteniendo estas historias, camino a la Bienal. La propuesta tiene dos etapas: Etapa uno consiste en el registro audiovisual de la casa, recorriendo algunos municipios de Colombia. Se socializará el proyecto, para que sean las personas en su camino, quienes, de manera voluntaria, aporten también videos, fotos, cartas, etc. para el nuevo álbum familiar de la casa. La meta es restituir la familia exiliada que la casa abandonada busca, esto es, crear comunidad. La etapa dos, nace de la idea que la casa abandonada, nunca llegará físicamente a la Bienal, porque el propósito de este proyecto, es que la casa permanezca en un desplazamiento continuo, sin morada final. La exhibición final será la recopilación audiovisual, compuesta por tres videos, dos álbumes y un piso en mosaico, que simbolizará la ausencia de la casa. Según la agencia de la ONU para los refugiados, ACNUR, desde 1985, Colombia suma mas de 6 millones desplazados, el 85% de origen rural.', NULL, 26446, 1, '2020-09-01 05:48:53', '2020-09-01 05:48:53'),
(349, 'I have been working in collaboration with my partner, Abigail De Kosnik, on a long duration project called alpha60 that tracks the distribution of media files on the internet. For the last two and a half years I’ve architected software and systems to record and visualize media flows from the United States across the globe, administered a cloud swarm of servers, and interpreted network traffic. We categorize this as an arts research project with outcomes that include academic research papers, works on paper, multi-channel video art, artists books, software systems, and a United States Patent and Trademark Office methods patent filing that includes 3D printed gun distribution data and rendered figures.\r\n\r\nWe use the data collected to theorize about non-colonial and anti-colonial media distribution, protocols for sharing in times of collapse, to challenge and debunk media industry disinformation, to shine a light on North American gun trafficking, and to demystify the current status of the ongoing struggle of drugs vs. guns vs. capital (indexed by computing power). Given the current concurrent economic, climate, and coronavirus crises, an urgent re-think to the rules of engagement between the personal, the collective, and contemporary media distribution technology is essential. \r\n\r\nReferences\r\nMark Lombardi, Nugan Hand Bank Sydney Australia (Version 2)\r\nLouise Drulhe, The Critical Atlas of the Internet', NULL, 33561, 1, '2020-09-01 06:35:25', '2020-09-01 06:35:25'),
(351, 'Souvenirs are something that is being kept for memory, particularly as objects and photographs of certain travels or events. It is being kept personally, in the house, in our homes, the value is intimate rather than formal.  The house becomes the micro-ecology especially during this pandemic as we were restricted to go out and public gatherings are limited. Looking inside in our own locality- the family, the household in this time of lockdown, and social distancing, we are bordered to slow down, travels, and migration is confined, and being productive is reduced to being futile. The family and the extended community (neighbors) become our immediate world, re-exploring and discovering new connections and interactions. The work “Souvenirs” of found photographs of my uncle become a perfect reflection of this time of global crisis. The pressure of the capital and movement of people and goods was minimized.  The photographs of cargo ships and ports revealed how human’s thirst for global labor and capital but when the pandemic happened, all the movements were halted. But “looking in” of being idle, looking at photographs, one can reveal the world through several souvenirs.', NULL, 30534, 1, '2020-09-01 06:49:17', '2020-09-01 06:49:17'),
(352, 'La llegada inconclusa es parte de una serie de obras sobre el trabajo de exploradores y artistas viajeros que llegaron a Venezuela entre los siglos XVIII y XIX. Personajes como Alexander Von Humboldt, Ferdinand Bellermann y Anton Goering, por nombrar algunos, han contribuido significativamente a la historia del paisaje venezolano. En este caso el viajero es un inglés llamado James Mudie Spence cuyo objetivo principal era conseguir permisos gubernamentales para la explotación minera, y que sólo regreso a Inglaterra tras conseguir su propósito año y medio después.\r\n\r\nEn el video no hay imágenes referenciales por varias razones. Principalmente es una negación a la representación romántica del paisaje realizada por esos viajeros. También porque las imágenes descritas en el relato son tan detalladas que permiten establecer un viaje personal en quienes lo escuchan. La llegada inconclusa potencia esta idea y las voces de los venezolanos que leen el relato nos invitan a trasladarnos junto a ellos. \r\n\r\nEl desplazamiento de venezolanos debido a la crisis económica que vive Venezuela es considerado la mayor diáspora de la región en el último siglo. Esto incluye también al sector culturar quienes aún en la distancia se encuentran pensando y trabajando con el imaginario venezolano. La llegada inconclusa gestiona simbólicamente su retorno al país a través de un testimonio que les permite conectarse con su propia historia.', NULL, 20026, 1, '2020-09-01 06:50:33', '2020-09-01 06:50:33'),
(353, 'Radio Tabú es un programa radial realizado por Tótem Tabú pensado para BIENALSUR. \r\nCon el fin de adaptar el proyecto a esta segunda etapa tuvimos en consideración que Radio Tabú sea grabado y emitido desde un estudio de radio. Esta opción cambia la idea original de grabar los programas en alguna de las sedes sugeridas y propone que el programa sea anunciado a través de las redes que BIENALSUR utilice.\r\nRadio Tabú se transmitirá en vivo a través de una emisora de radio online y será luego distribuido mediante las plataformas digitales existentes (Spotify, email, páginas web, etc) de modo tal que los oyentes puedan escucharlo en cualquier momento a través de sus dispositivos digitales.\r\nEn cada encuentro habrá un intercambio con un invitadx en relación a los temas ya mencionados en la propuesta inicial. Algunos invitados posibles son: Esther Diaz, Rafael Cippolini, Alan Robinson, Marcelo Luis Wagner, Diana Aisenberg, Marcela Sinclair y Alejo Ponce de Leon. \r\nRadio Tabú tendrá una cortina musical propia y estará estructurado en base a la  conversación del grupo con el invitadx y a una serie de canciones seleccionadas especialmente para cada emisión.\r\nEl estudio de radio cuenta con los equipos y con el personal técnico necesarios para la  grabación del programa. Será alquilado una vez por semana durante seis semanas en la fecha que considere BIENALSUR, que  tendrá la misión de difundir cada programa como parte de su programación en las plataformas digitales de que disponga.', NULL, 22177, 1, '2020-09-01 07:00:30', '2020-09-01 07:00:30'),
(354, 'Mientras Amazon—una corporación que programa algoritmos que violan protocolos de privacidad para predecir el comportamiento de los usuarios, que también provee a cuerpos de fuerza policiaca con softwares de identificación facial racializada, además de operar una constelación de 3000 satélites alrededor del planeta que promete reafirmar su dominio en el campo de la Tecnología de la Información, y que aparte representa un monopolio del comercio on-line sin precedentes—se expande; el Amazonas se contrae debido a prácticas extractivistas propias del capitalismo.\r\n\r\n‘Islands of Conscious Power in an Ocean of Unconscious Cooperation’ es una instalación efímera compuesta en su totalidad por artículos adquiridos en Amazon. Su lapso de vida está sujeto a la temporalidad establecida por sus políticas de devolución, abriendo así un espacio para pensar en metodologías de producción alternas que exploren los limites de un sistema que ha sobrepasado su capacidad, y en el cual, la linea entre la incitativa privada y el Estado es cada vez más borrosa. \r\n\r\nMediante su calidad efímera, ‘Islands of Conscious Power in an Ocean of Unconscious Cooperation’ busca ejercitar un eje de acción con la capacidad de operar de manera parasita, y así, enfatizar la necesidad de una reconfiguración sistémica que ponga en cuestión la esencia acumulativa y los imperativos de desarrollo, progreso, expansion que dan forma al proyecto de la Modernidad Occidental.', NULL, 10750, 1, '2020-09-01 07:29:37', '2020-09-01 07:29:37'),
(355, 'Se intervendrá un aprox. de 5 monumentos del Centro Histórico de Lima, aquellos monumentos inaugurados en los inicios del siglo XX en el marco de las celebraciones del primer centenario de la independencia y fundación de la República peruana y que recuerdan aquellos personajes que han contribuido con la constitución de los fundamentos políticos, científicos, religiosos y estéticos del Estado nación, constituyéndola en la institución moderna/colonial por excelencia con la clara intención de renovar los sentimientos patrióticos y su orden civilizatorio que supuso el nacimiento de la nación peruana. A través de rituales ancestrales, se busca sanar el mal del Estado-nación y recuperar memorias que han sido violentadas y excluidas sistemáticamente de la vida social y política de la nueva nación. Se contará con representantes de comunidades originarias, se cubrirán los rostros de monumentos seleccionados con una bolsa de tela prendidas de semillas de huayruros usados tradicionalmente para el mal de ojo. Las bolsas serán confeccionadas por una comunidad amazónica, cada bolsa cubrirá la totalidad de la cabeza y se le colgaran diferentes ofrendas/atados, enviados por comunidades indígenas invitadas. Esto constituye un acto ritual/sagrado dirigido por los chamanes. El ritual buscará suspender los principios epistemológicos que fundamentan la razón del Estado-nación y en su lugar, fluyan las sabidurías ancestrales de los pueblos andino-amazónicos que han sido históricamente cancelados.', NULL, 32900, 1, '2020-09-01 07:40:24', '2020-09-01 07:40:24'),
(359, 'Eyecubes explores the relationship between our sense of reality and human perception of the world. Our reality is reconstructed on the inputs harvested by our organic sensors. As technologies advance, we are surely expected to push forward the boundary of our reality. \r\nIt focuses on the visual organ—eye—as vision plays a most important role in perceiving and understanding the world around us. It asks the question, what if our visual quality changes, how differently will our reality become? Are we still humans the way we think we are? To demonstrate this question, I need to alienate eye from its normal form—eyeball. I made the eyes into cubes. Cubes are artificial. To make eyes cubic is to defy the law of nature, and then try to make sense of it. \r\nWhen creating the cubes, the word “Cubism” crossed my mind. Cubism revolutionized the way we perceive and represent objects, from through a fixed viewpoint to multiple viewpoints. I want to take that thinking down to the biological level. Through this \"Biological Cubism\" I explore other possibilities that serve as “viewpoints” for us to look at the world and humanity. \r\nAt first glimpse, Eyecubes seems not to be made for humans, or for this world. But in essence, everything is about understanding ourselves. In order to dig deeper into ourselves, sometimes we need to look away, to see how radically different things could be. Only when we see what we are not, can we be more clearly aware of what we truly are as humans.', NULL, 27923, 1, '2020-09-01 09:47:20', '2020-09-01 09:47:20'),
(362, 'Violence against women is one of the most widespread violations of human rights.Women are exposed to different forms of violence at home, at work,on online platforms as well as in public spaces.COVID-19 pandemic has only worsened the situation for many women around the globe, where all forms of violence have seen a spike and continue to happen as a shadow pandemic.On the occasion of 16 Days of Activism against Gender-Based Violence in 2019,UN Women collaborated with contemporary artists and created the Light the Dark exhibition which featured the creative use of light, activism and art.Opened in a well-known public park in the Capital City of Turkey, Ankara in partnership with local municipalities and the Swedish International Development Cooperation Agency, the exhibition was the country’s first lighting exhibition opened in a public space.Each work located on the walking path of the park reflected the individual artist’s attitude,discourse,and approach to a particular issue.The exhibition encouraged visitors to act against violence against women in public spaces, which happens in parks,on streets,buses,and trains,near schools etc. and violate women’s rights to the city.Through the QR codes spread around the park,visitors were directed to the exhibition site,where they could pin the unsafe spots of the city on an interactive map,which combined art with activism.Light the Dark approaches the theme of ending violence against women with the interdisciplinary and free language of contemporary art.By attending BienalSur, Light the Dark team will apply its art to raise awareness and galvanize action to combat violence against women in another part of the world.With the technical support of UN Women,the project targets to bring local authorities,art lovers,and citizens together to act against violence against women and create solidarity to recover from the societal impacts of gender based violence with a specific focus on COVID which has disproportionately affected women.', 'Light the Dark', 30020, 1, '2020-09-01 11:33:11', '2020-09-01 11:33:11'),
(363, 'The exhibition presents ideas of mitigation, adaptation, collective action and togetherness. Also planetary hyper-connectivity, social injustice and violations of indigenous populations rights arguing for the need of a universal approach. Biemann’s film reveals the devastated indigenous populations lands caused by uncontrolled extraction of fossil fuel in Northern Canada and its correlation to the rising sea levels in the Bangladeshi Delta. Jan’s work directly connects the individuals’ everyday actions to global climate change, contemplating empathy and long-term thinking. Balkin’s Archive is a growing collection of items contributed by people living in places in danger of disappearing due to climate change impacts. Orta’s Antarctica World Passport offers a universal citizenship against nations, race, and identities. Almond’s film presents an Antarctic world where temperatures increase and sea levels rising all around the world, affecting land across latitudes and disconnected geographies. MAP Office imagine the limits of human adaptation under increasingly adverse climate conditions, disseminating indigenous knowledge that encourages ecological strategies of coexistence. LABVERDE is a multidisciplinary platform creating new ways of co-existing with the natural environment, speculate on possible futures: biophysical transformation, life extinction and mobility. Modelling Kivalina documents Kivalina’s failed legal action against 24 of the world’s largest oil and gas companies, seeking compensation for the current and future costs of relocating. Forensic Architecture investigated a Mapuche community’s claim that the oil and gas industry has irreversibly damaged their ancestral homeland and eroded their traditional ways of life enforcing displacement. Nazareth’s durational performance of walking from Belo Horizonte to NYC is a narrative of a universal citizen. His materials collected reflect a reciprocal relationship with social and ecological systems.', 'Meteorological Mobilities', 13533, 1, '2020-09-01 12:23:15', '2020-09-01 12:23:15'),
(364, '“A Fragile Chorus of Voices (Buenos Aires)” will comprise between 30 to 60 different recordings criss-crossing age groups, genders, social classes, national or linguistic communities. Seeing the demographic composition of the city, I expect the work to feature songs in various Argentinian dialects, Andean Spanish, Paraguayan Spanish, Brazilian Portuguese, Mandarrin, Hokkien dialects, Korean, English, Yiddish, or Plautdietsch.\r\n\r\nThe work will be presented outside, as a single-channel sound installation. The recordings will be broadcasted from a single loudspeaker mounted either on a wall, a post, or a pole. The installation will be designed as a “soft” monument. It will alternate between moments of silence and moments of singing to give listeners the possibility to encounter each voice on its own terms, and not as a (sound) object to consume.\r\n\r\nSet in a public space, the singings delineate a space of listening, a place where the voices of all Porteños can be heard and encountered beyond any prejudices. A meeting point.\r\n\r\nTaking into account the possibility that the pandemic will not be under control before end 2021, I have budgeted two production scenarios: one that assumes I will be able to come to Buenos Aires; and another that will allow for the project to be conducted from afar, by commissioning one or two local sound recordists. As agreed with BIENALSUR, I have provided a complimentary PDF file detailing both budgets scenarios.', NULL, 30013, 1, '2020-09-01 12:25:56', '2020-09-01 12:25:56'),
(365, 'Museums Through Artists surge en el mes de febrero del 2020 a partir de una convocatoria abierta que realizó la curadora Maylin Pérez Parrado. El presente proyecto tiene como objetivo reflexionar sobre el rol del museo a partir de la experiencia individual de cada artista. Dicha relación se visibiliza mediante la creación de una obra de libre formato, técnica o estilo motivada por el museo como objeto de estudio y las conexiones emocionales derivadas. Teniendo en cuenta la débil comunicación entre la comunidad artística de la región, se ha creado una plataforma virtual (cuenta de Instagram @museums_through_artists) que contiene las obras del proyecto y propicia la promoción del trabajo de los artistas. Es de gran interés también motivar en el público la reflexión sobre los museos y su función actual. Es por ello que se considera relevante la utilización de ambos medios, el virtual y el físico, para diseñar estrategias de participación entre los espectadores, las obras, los artistas y el tema. La presencia del proyecto online facilita que el visitante interactúe doble al mismo tiempo: visita presencialmente la exhibición y accede a la cuenta de Instagram a través de una conexión a internet. Ambas participaciones poseen características distintas y generan experiencias y lecturas diversas. Específicamente para la Bienal del Sur 2021, se ha decidido realizar el primer cierre de convocatoria y presentar las obras de 14 artistas participantes de distintos países como Panamá, Colombia, Venezuela, Suiza y España. De ser aceptados, luego de realizar la exhibición al culminar la Bienal, el proyecto propone publicar un estudio de los resultados alcanzados en las redes sociales con un enfoque curatorial académico; sea en formato digital o impreso, en medios especializados. De tal forma que la publicación se convierta en un contenido de análisis que incentive el pensamiento crítico, conforme la memoria visual y la producción intelectual.', 'Museums Through Artists', 26984, 1, '2020-09-01 12:56:39', '2020-09-01 12:56:39'),
(366, 'San Borondón tiene una larguísima historia cultural que arranca en el siglo V d.C. en la que se hibridan también otros mitos y leyendas. Todo ello tiene, además, efectos performativos en diferentes épocas: existen incluso documentos notariales referidos a una posible exploración y “conquista” de la mítica isla. San Borondón era, para los europeos de entonces, una porción de América aún por “descubrir” y un revelador de la carga fantasmática de tal “descubrimiento”.  Todo ello ha sido ya objeto de unas primeras investigaciones por nuestra parte. Con motivo de la Bienal Sur nos proponemos profundizar y ampliar la investigación a otros dos campos:\r\n-	Por una parte, el rol cultural e identitario que juega San Borondón en la cultura canaria popular actual, siendo las Islas Canarias un territorio particularmente significativo en el Sur Global por su condición cultural tricontinental (América-África-Europa). \r\n-	Por otra parte, su conexión con la pervivencia en la cultura popular global del mito de la isla perdida, y en particular su recepción en el Sur Global.  \r\nComo en trabajos anteriores, de la investigación llevada a cabo surgirá una cosmología iconográfico-discursiva que formalizaré junto con mi equipo en una producción audiovisual que combine medios ficcionales y medios documentales. El rodaje tendrá por lo tanto momentos de agarre en la realidad de la isla La Palma (Islas Canarias) y momentos de dramatización, integrados después con materiales de archivo en la fase de montaje.', NULL, 12053, 1, '2020-09-01 14:13:12', '2020-09-01 14:13:12'),
(367, 'Release is the act of releasing, a metaphorical release preceded by a succession of propitiatory acts, which will see the three Italian artists and filmmakers Francesca Fini, Francesca Leoni and Francesca Lolli engaged in unison in another live streaming performance that will take place on Friday 1 May at 5 pm live on Facebook in the cycle of events that mark the program of the virtual exhibition My name is Francesca of which they are the protagonists.\r\nEspecially in this period of isolation, visual art offers the possibility of exploring human behavior and does not miss an opportunity here, in line with a project that saw its sudden debut online as an active response to the crisis of contact and contagion. That we are all living on our skin due to the Coronavirus SARS-CoV-2 emergency, to investigate the individual\'s need to perceive himself as the main subject of common living and his need to project himself outside, especially after a long period of confinement , to put oneself in dialogical and physical relationship with the other.\r\n\r\nHere then is that the actions of the artists, even through the objects of living, those of daily care such as the hairbrush or lipstick, become elements of a score that does not intend to exclude the public from the performance, but on the contrary wants make him an active protagonist so as to undermine the dualism work / spectator, action / contemplation.', NULL, 28417, 1, '2020-09-01 14:29:52', '2020-09-01 14:29:52'),
(368, 'La posibilidad de realizar la acción de desplazarse de un lugar a otro está determinada por las condiciones físicas individuales y por factores externos como las dinámicas del entorno. Ciudades Invisibles propone relaciones con el espacio público desde la diversidad funcional. En este sentido, Rampa es un proyecto escultórico que se instala sobre el piso, en un punto donde se da un cambio de nivel por medio de escalones. Es en esa intersección, donde una porción del suelo se levanta entre los niveles del piso y los conecta. Esta estructura toma características formales como ancho, radio, pasamanos e inclinación, del modelo normativo establecido para vencer desniveles y permitir el desplazamiento de personas con diversidad funcional. Sin embargo, su longitud y pendiente están por fuera de dichos parámetros, generando áreas inaccesibles, lo que conlleva a que NO se dé un desplazamiento continuo a través de ella, tanto así que, para recorrerla se deba entrar y salir desde diferentes puntos y niveles. Otro componente del proyecto, Dispositivo de Movilidad 1 plantea el desplazamiento mediado por un artefacto que expande el volumen del cuerpo y que se activa con el movimiento del cuerpo en bipedestación. Los dispositivos (3) se instalarán en varios puntos aprovechando la red de bicicletas públicas de la ciudad. Por último, la exposición colectiva en el Museo, aprox 10 artistas, establecerá dinámicas y trabajo en equipo para que las piezas individuales y la muestra sean incluyentes', NULL, 4598, 1, '2020-09-01 15:17:49', '2020-09-01 15:17:49'),
(370, 'KOMOREBI, as an aesthetic presence, is the interstice, the sum and the set of the artistic work of five artists in one immersive, performative and sentient installation. As an artistic research project, it deals with investigating the long relationship between art and nature from the critical perspective of contemporary artistic practices and their techniques, and cultural discourses in the age of the Neganthropocene. \r\nFollowing the ideas of Bernard Stiegler and Theodor W. Adorno, today\'s pressing question, which is also an urgent call to action, is no longer how do we enter the Anthropocene, no. It is, first, how do we could get out of it again, and second, how artistic practices and cultural discourses are promoting both static identities and the again division between society and nature to the detriment of the dynamism required in their relationship, leading to a return of enlightened thinking of domination by mythologizing and naturalizing nature.\r\nThe selected artists and works allow the generation of an ensemble beyond their individuality. Likewise, the fact that each piece corresponds to a different artistic practice allows us to speak from the multidisciplinarity of art and the variety of discourses and techniques that make it up. Last but not least, we cannot fail to highlight the multinational character of the group of artists and curators that make up this body of work.\r\nKOMOREBI, thus, doesn’t seek to imitate nature, no, here nature is represented and staged artificially and from the distance: 3D projections, drone footage, field recordings and digital cacophonies of the Amazon Rainforest in the north of Brazil and Colombia combined with a light installation, site specific sculptures and live performance create shapes and shadows in symbiotic games where the performative body, both of the dancer and spectators, embody the animalistic and anthropocentric elements of the dialectic relation between nature and humans, unfolding time, body and nature.', 'KOMOREBI', 9766, 1, '2020-09-01 15:28:49', '2020-09-01 15:28:49'),
(371, 'Bosque Antropomorfo\r\nDurante el transcurso de esta cuarentena, aquí en Neuquén (Argentina), hemos sido atravesados todos y cada uno de los individuos de diferente modo. Cambiamos de fases e indefectiblemente de ánimos en cada uno de estos pasajes. Me toca vivir a 5km del centro y de mi lugar de trabajo. Soy peatón casi empedernido con lo cual todos los días me traslado a pie a mi Estudio, utilizo esta senda y bici senda para llegar a destino. Me cruzo con el predio elegido para este proyecto a diario. Hemos observado con mucha atención, en este periodo,  como las personas vienen saliendo a recrearse y despejarse. Es fuerte esta problemática. Es aquí donde toma más fuerza aun este proyecto. Sumar esta imperiosa necesidad de recreación familiar o individual a la de transformación y revalorización de lugares abandonados-peligrosos en espacios nuevos de esparcimiento y reflexionar al respecto. El Bosque Antropomorfo podrá ser visualizado a cientos de metros en ambas direcciones sumando un hermoso impacto visual al barrio así como a la ciudad. Es transitado por aproximadamente 35 mil personas por día, estimando que se multiplicaran. Se generara un nuevo punto de atención y turismo en la ciudad. No se necesita construir ni reconstruir, solo se limpiara completamente de escombros y basura y policromaran las columnas, cambiando su aspecto en figuras antropomorfas.', NULL, 30338, 1, '2020-09-01 15:30:36', '2020-09-01 15:30:36'),
(373, 'En época de pandemia, ¿qué lugar toma el arte? Sabemos, sin duda, que el arte, a lo largo de la historia, ha sido relevante en momentos de tensión, y la situación actual parece un buen punto de partida para nuevas creaciones. El impulso creador pasó del estupor de los primeros días, a la adecuación a una nueva forma de relacionarse y seguir. También en estos tiempos hemos visto la articulación y el establecimiento de nuevas conductas, relatos artísticos y movimientos inesperados que todavía están en proceso. PANDEMIA Convoca a 50 artistas y 4 curadores de 10 países latinoamericanos a responder este desafío, en tiempo presente y que culminará en agosto con su exhibición en el Pabellón de Las Bellas Artes de la Pontificia Universidad Católica de Argentina, en Buenos Aires. Y cada Artista presenta una obra virtual o en en  formato máximo 60x60 cm mas una bitácora personal de este proceso. \r\nEsta muestra cuenta con el patrocinio de Sala Matta, dependiente de Embajada Chile en B.Aires, donde se expondrán videos, fotografías y documentales a modo complementarios. Ademas se organizarán conversatorios a través de la plataforma de instagram de PANDEMIA formulando preguntas y repensando las artes visuales en el contexto de lo que viene. Esperamos que las diferentes respuestas nos abran a nuevas direcciones, modos de creación, y que se vean reflejadas en obras que respondan a un nuevo imaginario latinoamericano.', NULL, 10626, 1, '2020-09-01 15:48:57', '2020-09-01 15:48:57'),
(374, 'MAGNUNA means madwoman in Arabic\r\n\r\nMany hebephrenics were accepted as ’majdhubs’, even abnormal motor behaviour was tolerated as long as there was no extreme catatonic excitement. For example, Safi-D-Din Ibn Zafir (d. AD 1283) in his biography, wrote of a holy woman in Giza, Egypt, who stood for a long period in a field without any protection from the sun or the wind. She was fed from time to time, eating whatever was given to her.\r\n\r\n—Hanafy A. Youssef, Fatman A. Youssef, T.R. Dening, “Evidence for the existence of schizophrenia in medieval Islamic Society,” History of Psychiatry , vii, 1996, p. 59\r\n\r\nMAGNUNA is a public performance for fifty performers, dedicated to the descriptions of female madness in medieval Arabo-Islamic literature. \r\n\r\nIt focuses on literature from the beginning of Islam in 610 AD, to the end of the Mamluk Sultanate in Egypt, in 1517 AD. Madness is observed and described in various sources, including Islam’s religious narratives (Quran, Hadiths and Sira), legal and medical literature, hospital monographs, encyclopedias, travel writing, poetry and Belles Lettres. \r\n\r\nChoreographies are based on descriptions of behaviors associated with madness: stupor, physical tics, repetitive speech, imitative acts and mannerisms. Appropriating them, potentially recuperating and rewriting these movements in first person narratives, imagining new meanings and associations, new forms of disruption; to give Islamic madwomen, then and now, a voice.', NULL, 24688, 1, '2020-09-01 15:54:47', '2020-09-01 15:54:47'),
(375, 'Al tomar una postura estética, histórica y crítica que sigue a Jamaica Kincaid cuando dice que «la manera en la que piensas y te sientes al respecto de las plantas depende de dónde vienes,» THE INNER LIFE OF EXTERIOR PLANTS (LA VIDA INTERIOR DE LAS PLANTAS DE EXTERIOR) expone las muchas maneras en las que la colonialidad sigue definiendo las condiciones de vivir para muchísimas personas, en todos los rincones del mundo.\r\n\r\nAl escudriñar la historia de ciertas especies botánicas, THE INNER LIFE OF EXTERIOR PLANTS voltea hacia la intersección de las taxonomías científicas y las técnicas de documentación, las políticas del lenguaje, y la hiper-movilidad (de seres humanos y no-humanos), para explorar esta pregunta: ¿Es posible que los discursos nativistas de la política contemporánea hayan sido fermentados por el lenguaje ‘objetivo’ de la ciencia moderna? \r\n–\r\nFormalmente propongo una proyección inmersiva, que empuje al observador a una posición donde deje de ver desde ‘fuera’ las imágenes de la naturaleza y sea confrontado corporalmente por el discurso visual y por el lenguaje del Experto. \r\n\r\nAquí se subraya la intención de usar una proyección de piso a techo, de lado a lado en un muro largo, que permita crear una sola imagen súper wide que sobrepase el campo visual del visitante. De esta forma, el film no se vuelve una ventana hacia el paisaje, sino que se vuelve el paisaje mismo.', NULL, 13398, 1, '2020-09-01 16:03:49', '2020-09-01 16:03:49'),
(378, 'The concepts of borders, forced migration, and homelessness constitute the main theme of the Project.\r\nEdward Said describes the century as the \"age of mass migration\" in his \"Spirit of Winter\". Nowadays, we live within borders and geographies that can change every year, maybe every month. For example, the anti-regime demonstrations that started as a peaceful people\'s movement in Syria in 2011, turned into a brutal civil war in a short time with the harsh intervention of the regime, causing hundreds of thousands of people to lose their lives and a large part of the population to migrate out of the country. For this reason, hundreds of thousands of Syrians have become refugees with this crisis.\r\nThe negative effects of global migration have profound effects on individuals and societies. This flow of human population, which increases rapidly from East to West from North to South, and to all regions where there is democracy and welfare, naturally causes the deterioration of social balances.\r\nThis study proposed for came about as a result of my visits to refugee camps where Syrian refugees live. The human landscape and challenges related to their everyday life which I came across in Nizip camp located in the southern part of Turkey has been a source of inspiration in these visits. Surrounded by wire fences, the camp looks like an extremely emotional environment and the wire fences have almost become a part of their lives.', NULL, 19286, 1, '2020-09-01 16:50:44', '2020-09-01 16:50:44'),
(379, 'El juego del dibujo es un juego diario que conecta personas para quienes dibujar se ha convertido en un recreo dentro del cotidiano atravesado por la pandemia y confinamiento.\r\nEl juego surge entre mi hermana de San Fernando, Gran Buenos Aires y yo del  del barrio de Caballito, CABA. De ahí se fue viralizando atravesando fronteras. Hay participantes de Puerto Rico, Australia, Chile, etc. Todos estos sitios están marcados en un mapamundi que vamos actualizando en Google Maps. La permanencia en el juego depende de la disponibilidad  de cada uno y su realidad, imprimiéndole una dinámica fluida y abierta.\r\nA partir de la elección de una obra de arte, el grupo recibe la tarea de re interpretarla en 24 hrs. Al final del día yo subo todas las versiones a una página de Facebook “El juego del dibujo” para compartirlas con el resto de la comunidad. No hay membresías para ser parte, sólo querer dibujar, no hablar de Covid, compartir aquello que una obra moviliza. Mantenemos las reglas que nos hacen sostener el juego desde el 30 de marzo, siendo hoy, 30 de agosto.\r\nLa elección del CCK, está fundamentada con el origen de dicho edificio como Palacio de Correos y Telecomunicaciones de CABA.\r\nExhibirlo en un espacio público es darle visibilidad y convidar a otros esta experiencia que nos resulta sanadora, divertida, enriquecedora y que nos permite seguir socializando a pesar del confinamiento.', NULL, 26008, 1, '2020-09-01 16:53:06', '2020-09-01 16:53:06'),
(381, 'The Food of War collective have been researching and responding to contemporary and historic narratives where food encapsulates the complexity of different conflicts, presenting their work in the form of multimedia exhibitions. These conflicts are not  just political, they stretch from the familial to the societal and encompass the collective and the individual, they portray conflicts of belief, of dogma, of personal identity, of contradicting narratives, they are the fabric of human life. \r\nThe exhibition title Peace at the Table? conjures a multitude of images and as a phrase often evokes its antithesis, it speaks also of the chaos beyond the table. It suggests a moment in which the domestic setting acts as an island safeguarded from the turbulent surrounding oceans, the storms and tsunamis beyond. It implies to achieve peace we must be willing to share intimacy, to eat together, to use the same utensils, to breath the same air, to be in the same place at the same time. This is a beautiful idea but in order to eat together, first we must know where the meal is taking place, we must be able to access transport to reach that location, we must understand each other’s languages to share stories, we must be tolerant to the same foods, to share the flavours, we must be equally able-bodied to sit beside each other at a level and we must not be intimated by our neighbours, to feel we can sit beside them.\r\nColombia’s internal conflict is like an enormous knot, furiously tied together with strings stretching to countries, corporations and individuals all over the world, reaching from deep history to the present. Colombia’s history is probably one of the most complex and misunderstood in the world, glamorised by some, demonised by others, it is a country defined by both blood feuds and blood promises, a nation of passion, love, fear and pain driven by food and conflict.', 'Peace at the tables  ?', 28760, 1, '2020-09-01 17:11:38', '2020-09-01 17:11:38');
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(382, 'Our contemporary critique of Capitalism connects Henry Ford’s ‘Fordlândia’ and Jacques Tati’s ‘Tativille’ and will be realised as two artworks that form an overall installation exhibited in a Brazilian gallery.\r\nThe first piece will materialise as a series of recut versions of Tati’s iconic film ‘Playtime’. Each day custom software developed by WH will gather data on the current stock price of rubber, the Ford Motor Company and Hollywood film studios to connect the two sites of interest. The same software will then use this data to reconfigure Tati’s film on a daily basis resulting in a totally different visual outcome every time. This piece will be accompanied by a seating area fabricated from reflective surfaces to mirror Tati’s heavy use of glass, and rubber, to reference the primary exported product of Fordlândia.\r\nThe second artwork will comprise a large sculpture constructed from basic building materials prevalent at both sites. Based in our studios in the UK we will use social media to contact local people from Fordlândia to help us gather the physical dimensions of the water tower that remains there, meanwhile fostering cross-cultural connections as we ‘stay at home to keep creating’. WH will develop a second software programme that will use this information and data extracted directly from ‘Playtime’ to determine the physicality of this sculpture.\r\nWH will code the custom software while AG will lead on the concept development, management and exhibition design.', NULL, 27993, 1, '2020-09-01 17:18:23', '2020-09-01 17:18:23'),
(383, 'A partir de la noción de crisis como colapso y recomposición simultánea, planteo una intervención en el espacio público que pone de manifiesto e intensifica esa noción. La escultura estará situada en el acceso principal del museo, transformando la entrada en una experiencia interactiva por la cual el espectador deberá transitar la obra y experimentará física y simbólicamente el recorrido por adentro de una estructura que propone una paradoja constructiva. \r\n\r\nEl tejido que compone la obra es un sistema constructivo generado a partir de la destrucción de los elementos que lo constituyen. Para que la estructura funcione y se pueda erguir, necesariamente cada una de sus partes deben estar quebradas, debilitadas y a punto de colapsar.\r\nSin embargo, los tirantes quebrados, por la manera en que están ensamblados entre sí generarán una trama resistente donde la fractura no incide en la inestabilidad del conjunto, permitiendo una estructura sólida y resistente a la interacció', NULL, 32891, 1, '2020-09-01 17:21:56', '2020-09-01 17:21:56'),
(386, 'Exhibicion del proyecto performances de encierro .\r\nSe desarrolla en 2 salas \r\nSALA 1- Proyeccion gigante sobre pared de un video largo que contiene videos de los 94 artistas de encierro en loop.\r\nSALA 2- puede ser mucho mas pequeña.\r\nProyección en pantalla LSD del video presentacion de los artistas, con un pendrive.\r\nY una impresión de 150 x 110 cm,  con la codigo QR de cada video y sitios de las  distintas plataformas donde se aloja el proyecto, para que la gente pueda entrar con su telefono  a ver el proyecto en su totalidad.\r\ncompletamos con afiches  del diseño de la gigantografia, \r\nLugares sugeridos\r\nParque de la memoria- hotel de los inmigrantes', NULL, 2841, 1, '2020-09-01 17:44:59', '2020-09-01 17:44:59'),
(387, 'Link a un texto sobre el proyecto (PDF):\r\nhttps://www.dropbox.com/s/nluaho47mjpkeve/ENTANGLED_essay_pablosanz.pdf?dl=0\r\n\r\nLink al dossier técnico de la obra (PDF):\r\nhttps://www.dropbox.com/s/22bjc7y7zznqvxm/ENTANGLED_BIENALSUR_dossier_tecnico.pdf?dl=0\r\n\r\nPor favor, contacten para ampliar o aclarar cualquier información sobre la propuesta. Gracias.', NULL, 11094, 1, '2020-09-01 17:48:27', '2020-09-01 17:48:27'),
(388, 'Negación es una serie de acciones fotográficas en torno a la bandera, problematizándola como objeto, concepto y noción. La obra se centra específicamente en la bandera negra, entendiendo esta como un símbolo que niega el concepto de la bandera en sí misma. \r\nLa bandera negra es un estandarte apátrida, que no reconoce fronteras y se levanta como un gesto antinacionalista, antifascista y a la vez como un ejercicio de memoria histórica de experiencias, territorios y cuerpos.  Es la unión de todos los colores en uno para la abolición de la jerarquía. Se entiende la bandera negra como una posición de tránsito, como un pensamiento que trae consigo la liberación de los emblemas existentes. \r\nLas acciones llevadas a cabo plantean distintas maneras de cuestionar y problematizar la bandera. Son gestos efímeros y transitorios que vinculan la poética y la política. Acercar el cuerpo a la sombra de una bandera proyectada en la calle y hacer coincidir esta misma con la cabeza del cuerpo, construir una bandera hecha a partir de pan quemado y sobreponer un espacio negro a la bandera nacional ubicada en el palacio de gobierno (La Moneda). Los gestos son momentáneos, pero en su insistencia se proyectan como una postura-problema que persiste y se mantiene. Negación es una pregunta abierta sobre la subordinación, el entendimiento y el carácter representativo de los símbolos.', NULL, 30971, 1, '2020-09-01 17:50:05', '2020-09-01 17:50:05'),
(389, '...segundo Eduardo Viveiros de Castro em “Involuntários da Pátria”;\r\n“Ser brasileiro é pensar e agir e se considerar (e talvez ser considerado) como “cidadão”, isto é, como uma pessoa definida, registrada, vigiada, controlada, assistida — em suma, pesada, contada e medida por um Estado-nação territorial, o “Brasil”. Ser brasileiro é ser (ou dever-ser) cidadão, em outras palavras, súdito de um Estado soberano. Ser indígena é ter como referência primordial a relação com a terra em que nasceu ou onde se estabeleceu para fazer sua vida, seja ela uma aldeia na floresta, um vilarejo no sertão, uma comunidade de beira-rio ou uma favela nas periferias metropolitanas. É ser parte de uma comunidade ligada a um lugar específico, ou seja, é integrar um povo. Ser cidadão, ao contrário, é ser parte de uma população controlada (ao mesmo tempo “defendida” e atacada) por um Estado. O indígena olha para baixo, para a Terra a que é imanente; ele tira sua força do chão. O cidadão olha para cima, para o Espírito encarnado sob a forma de um Estado transcendente; ele recebe seus direitos do alto. \r\nPertencer à terra, em lugar de ser proprietário dela, é o que define o indígena. E nesse sentido, muitos povos e comunidades no Brasil, além dos índios, podem se dizer, porque se sentem, indígenas muito mais que cidadãos. Não se reconhecem no Estado, não se sentem representados”\r\nTerra se males – Brasileiro #1, procura articular o conflito entre o estado-nação brasileiro e seu “cidadão” desterritorializado.', NULL, 31332, 1, '2020-09-01 18:05:48', '2020-09-01 18:05:48'),
(390, 'En esta etapa de nuestro proyecto proponemos instalar in situ, en México, la continuidad de la actividad desarrollada en Buenos Aires.  \r\nTenemos acuerdos con Galeria Ginocchio en DF.  Gracias a la colaboración de N. Zonana, que gestiona en Buenos Aires, Pabellón 4. \r\nSumamos a Bienal Sur la presentación del librillo mencionado, editado en la Facultad de Artes y diseño de la UNAM. Producto de una gestión anterior al vínculo con Bienal Sur. Librillo diseñado, armado y editado por los estudiantes de la Facultad.  Estudiantes homenajean a estudiantes. No necesita financiación.\r\nPabellón 4, cuyo director es mexicano, nos ofrece replicar  las  actividades del DF en Buenos Aires.  Están interesados en el montaje de los registros de las intervenciones en sala y en la presentación del librillo.\r\nSi a Bienal Sur le interesa más trabajar  con instituciones, universidades, etc, Edén, mi colega en este proyecto, está en una residencia post doctorado en la Universidad Autónoma de Nueva León, en Monterrey, esta ciudad forma parte del circuito artístico en México, existe la posibilidad de desarrollar allí toda la actividad. Y en el caso de Buenos Aires, yo puedo presentar el proyecto en Espacio H Conti (Esma).  Podemos considerar que estas posibilidades se conectan con el espíritu de la actividad realizada, es decir, estudiantes y DDHH.\r\nCuanto de la memoria puede incitar in situ una imagen?\r\nEdén Bastida y Hugo Vidal', NULL, 29791, 1, '2020-09-01 18:14:27', '2020-09-01 18:14:27'),
(391, 'Grand Tour takes us on an exotic journey from Egypt to Thailand. We see the landscape from the point of view of an Italian tourist couple of the 70s. The dreamy and fluid montage is composed entirely from archival footage from Home Movies Archive in Bologna. The selection shows just camera car views, from buses, cars, boats and any means of transport taken by the couple, giving us a surface touch of the worlds they encounter. The unwitting eye of the two is often meeting various goods, manufactures, and commodities, that are traveling aside those pioneer tourists, suggesting a coming future of free (and not) movement of people and goods. \r\nThe video needs to be installed next to imported goods form Thailand and Egypt that you can find in Argentina: rice, coconut water, peanuts, mango juice, papaya sirup, and any other goods available in loco.\r\nThe space is semi dark and the sound is surrounding the visitor.\r\nThe video has two options of screenings: \r\nopt.1: Gallery space. The video is rear projected on a rear projection screen, all around it the products from Thailand and Egypt.\r\nopt.2: Grocery deli shop. The video is installed in a grocery shop, preferably a deli. The video in showed on a screen (pref. block monitor like Hantarex MGG 28). the screen is positioned next to the food and goods from Thailand and Egypt. \r\nFor both options the sound is surrounding the visitor, stereo sound on external speakers.', NULL, 11105, 1, '2020-09-01 18:20:58', '2020-09-01 18:20:58'),
(392, 'Diálogos\r\nEste proyecto se compone de 135 fotografías realizadas en Buenos Aires, durante la 31º Marcha de la Resistencia el 29 de noviembre de 2019. \r\nDurante la misma fotografié los carteles alrededor de la Pirámide de Mayo. Cada uno incluía una de las tantas reproducciones de las fotos de los desaparecidos y un pensamiento en diálogo con el ser ausente, resumiendo consignas políticas, deseos o expresando el vacio y el dolor de la ausencia.\r\nDice Ana Longoni del trabajo. “…como se enciman capas de la memoria, fotocopias  borrosas hechas sobre otra fotocopia de otra fotocopia de alguna vieja y desgastada foto ampliada, enfundadas en bolsas enmohecidas de plástico, en las que se inscriben preciosas caligrafías…”.\r\nEsta conjunción de fotografías y textos nos pone Ante el tiempo, bordando un entramado de memoria  que la sobredetermina dialécticamente en un presente que no puede permitirse el olvido. \r\nQuise, también, dar testimonio de todas esas rondas, ya indelebles, de las Madres, haciendo las fotografías al ritmo de mis pasos acompañándolas. Con el celular y despreocupándome por la precisión del encuadre. Un registro performático, automatizado y sistemático.\r\nEste trabajo es una continuación de mis documentaciones de las primeras Marchas de la Resistencia (desde 1982), El Siluetazo ( 1983), el mural Ojos (1997), Tafí Viejo (2018) y la acción colectiva “Repensando El Siluetazo” (Bienal de Tucumán 2018)', NULL, 28752, 1, '2020-09-01 18:28:57', '2020-09-01 18:28:57'),
(393, '“Cuadernos de titulares: Elecciones presidenciales de Argentina 2019”\r\nEsta instalación se compone de una selección de titulares de los principales diarios argentinos, desde  los días previos a las elecciones presidenciales hasta el día de la asunción  del  candidato ganador (16 de octubre al 10 de diciembre de 2019).\r\nEl resultado son 100 pinturas sobre cuadernos realizadas  a partir de  dichos titulares, formando un mosaico de veinticinco hileras verticales y  cuatro horizontales, cuya lectura de izquierda a derecha describe el orden cronológico de la aparición de las noticias  en los diarios. \r\nLa residencia en Génova me permitió realizar esta obra con la distancia necesaria para trabajar con los titulares sobre el proceso eleccionario como única fuente de información. \r\nLa instalación será acompañada por una ficha técnica con una breve descripción del proyecto y una mención a la Fundación Bogliasco donde fue realizada.', NULL, 30606, 1, '2020-09-01 18:39:50', '2020-09-01 18:39:50'),
(394, 'Desde la neo-modernidad mencionada antes como una visión distópica de un futuro que es más bien un presente, y abarcando casi todas las disciplinas artísticas, el objetivo del proyecto es crear una instalación con esculturas cinético-sonoras que pinten de manera automática, retratando nuestra sociedad a través de una relación irónicamente creativa entre maquina y ser humano. Posicionando al espectador frente a la pregunta ¿Es la obra de arte el aparato? ¿O es la obra de arte el rastro que deja el mismo? Por consiguiente ¿Es el artista el creador de la maquina?¿O pertenece el rol de artista a la máquina? Desde esta controversia y con la escultura en constante funcionamiento (como si de una fábrica de productos seriados se tratase), la instalación proyecta la regresión paradójica que nos traen los avances tecnológicos y las consecuencias políticas de la automatización en la sociedad. En Tapar el sol con el Dedo distintas voces (sonidos/mecanismos) de un mismo sistema dejan un rastro que luego es congelado en un lienzo. Al cambiar las superficies a pintar, se acaricia el grabado, creando una serie de pinturas realizadas por la máquina. La acción performática de ir cambiando las superficies a ser intervenidas, refleja el rol de producción masiva que el automatismo trajo consigo y al mismo tiempo emerge la relevancia efímera del tiempo invertido en cada lienzo y cómo la intervención del cuerpo dirige el resultado decidiendo cuando cambiar las superficies.', NULL, 7724, 1, '2020-09-01 18:45:39', '2020-09-01 18:45:39'),
(395, 'PLATAFORMA ACTIVA ES UNA PLATAFORMA HORIZONTAL DE EXPRESIÓN Y PARTICIPACION CREATIVA por medio de una instalación conformada por una serie de esculturas de yeso con pigmentos naturales y estructuras de muros pintados de negro. \r\nEl público podrá participar de manera directa mediante la manipulación de las esculturas dejando un registro en los muros y pisos de la instalación. El espacio será así un lugar de expresión gráfica mediante el dibujo y los rastros y evidencias de la activación de las esculturas de yeso, las cuales se irán transformando en el proceso. Las esculturas de yeso serán producidas previo a la exhibición, mediante el vaciado en yeso con pigmentos naturales en distintos tamaños, para que puedan ser manipulados por público adulto e infantil. Se prevé que las esculturas sean reemplazadas durante el tiempo de la exhibición, para que siempre estén a disposición del público participante.\r\nUna de las grandes lecciones de la actual pandemia, es que el arte debe transformarse y buscar nuevas formas de acercamiento al público que permitan generar experiencias y conocimiento a través de la práctica artística. La actual crisis económica global demuestra también un punto de quiebre en la producción del objeto artístico, sin galerías o museos como podrá sobrevivir el arte si sólo se limita a la simple producción objetual, por esto la necesidad de generar nuevos espacios de interacción entre el público y la obra.\r\n\r\nLink Proyecto completo: https://convocatoria2021.bienalsur.org/upload/application-pdf/2020-09-36/PLATAFORMAACTIVA.pdf\r\n', NULL, 29699, 1, '2020-09-01 18:50:39', '2020-09-01 18:50:39'),
(397, 'The inside out of the history, the cross lines behind the celebrated images, is what interests me to investigate and put into action in my films. The need to emphasize the presence of the past at the present moment is a creative impulse in my film practice. In the present world we remain separated from the knowledge of our past. In this film, researching memory is looking for statements that can disturb the despotic machine that serves this logic of forgetting.\r\nCinema is itself a practice of enchantment of life. What appears in the small rectangle of the film is the result of a ritualized practice of daily reframing. The unforeseen and the mysterious are always present in the movie. I shoot with 16mm equipment to activate this kind of inebriate state that the materiality of the film, in its permanent rotation through the camera\'s sprocket, communicates directly to the brain. The cinema is capable of shaking the spirit, regardless of any representation.\r\nIn the film “The Iguaçu Hydra” I turn myself to the past, not in search of an origin, but in search of a never-ending historicity, unfinished and always open. I question the colonial triangle in search of the hidden vertices, the places of refuge where the heart of the memory of a non-homogeneous experience of humanity beats. What is at work in this film is the breath of history, its affections and moods, which is never said, but is always present and we can perceive in the odor that comes with silence.', NULL, 3610, 1, '2020-09-01 19:40:37', '2020-09-01 19:40:37'),
(402, 'Vanessa Baird is a leading figure in contemporary Norwegian Art, however this recognition is not matched outside of her home country which inclusion in Bienalsur and her work with curator Gilian Fox would continue to address\r\n\r\nVanessa’s haunting works in pastel and watercolour range from room-size murals to intimate self-portraits and it is proposed that a mixture of mural and large scale watercolours (arranged in grid formation) would be shown at Bienalsur, that draw on a wide range of references from the artist\'s own lived experiences, as well as from Scandinavian folklore which draw comparisons with folk drawing and techniques from the host country. \r\n\r\nVanessa’s varied deployment of drawing modes and scale of paper as the ground of her inventive visual language - simultaneously beautiful and brutal and a unique form for a woman to own - are features that would excite the programme team and audiences of Bienalsur as an introduction to the richness of the Norwegian art ecology. The universal yet highly personal themes in Vanessa’s work - whether depicting the domestic chaos of caring for her elderly mother and teenage children, or commenting on the wider political and social landscape - show her imagery as provocatively raw in its exploration of motherhood, sex, shame, illness, exhaustion and the ageing female body. They are global themes which make sense in every location exhibited and chime with the ideas and provocations of Bienalsur. \r\n\r\nVanessa’s subjects recall those of Hieronymous Bosch’s ‘Garden of Earthly Delights’ as well as those of contemporary artists, including Paula Rego’s family trauma and ominous folktales and the comics of Robert Crumb and Paul McCarthy, among others. Her works invite rich and varied interpretations and encourage critical thinking. The exhibition will have a detailed programme of events surrounding the presentations that will explore the themes within and spread her work to new audiences at Bienalsur in this significant presentation.', 'Vanessa Baird: Red Check, Check Red', 13520, 1, '2020-09-01 20:06:38', '2020-09-01 20:06:38'),
(404, 'ffgbh5ny5eue5n7', NULL, 27350, 1, '2020-09-01 20:11:39', '2020-09-01 20:11:39'),
(405, 'La memoria es la función cognitiva más importante que tenemos. En ella radica la posibilidad de recrearnos a nosotros mismos dentro de la infinidad de espacios que habitamos de forma colectiva, preservando -aunque no sin ambigüedades- una identidad desde la que somos capaces de reconocernos y reconocer al otro u otra. Por ello es un error considerar que la memoria es capaz de poseerse de forma individual. La memoria es compartida o no lo es. \r\n     Desde las neurociencias sociales se sabe que la memoria es emocionalidad. Lo que evocamos como testimonio del pasado es el recuerdo de experiencias emocionales que la interacción social ha dejado en nosotros. En este sentido, la memoria colectiva se compone de una serie de eventos que abrazamos de forma conjunta, todos ellos dotados de una emocionalidad particular que termina estableciendo nuestra identidad como sociedad en un gran ejercicio de “re-construcción de significados\'\'. ¿Cómo reconstruir la imagen y la memoria de los desaparecidos desde la dignidad? ¿Cómo evidenciar la magnitud de la ruptura que este fenómeno ha dejado en miles de familias? Esto es el propósito detrás de “Anatomía de sus ausencias”. \r\n   Esta muestra exhibe obras que han abordado el tema de las desapariciones en México, organizándose en torno a cuatro ejes temáticos que hemos nombrado “los cuatro ejes emocionales de la desaparición”: la ausencia, la búsqueda, la memoria y la resiliencia. Estos representan momentos que resignifican, desde la vivencia personal, lo que miles de personas atraviesan tras la desaparición de un ser querido. Sus historias encarnan las repercusiones que este fenómeno deja tras de sí; evidencias de la precariedad del estado de derecho; impunidad como principio de acción institucional; estigmatización social; pérdida de vínculos familiares y sociales; planes de vida arrebatados;fracturas psicoemocionales que a nivel individual y comunitario requieren de un esfuerzo para alcanzar, tras un largo recorrido, la resiliencia.', 'Anatomía de sus ausencias.', 30303, 1, '2020-09-01 20:14:08', '2020-09-01 20:14:08'),
(406, 'El Museo de Patologia (UBA), dónde está planteada esta intervención-instalación, obliga a un montaje preciso. Al estar la sala llena de documentos que se organizan en estanterías, el diseño pasa por trabajar la luz. Oscurecer el espacio, usando tubos en el piso, lo que produce un ambiente espectral de luz puntual y dirigida. Tiene sentido en la medida en que favorece la sensación de estar en un pliegue espacio temporal, sin más referencias que las obras, los objetos de la sala y un relato reproducido por altoparlantes.\r\n\r\nDado que no queremos usar las paredes, donde hay información que es parte del proyecto, la obra colgará del techo. Generando una constelación de ritmos de color y tamaño que remiten al lado oscuro de la vanguardia del siglo XX y sus efectos en la historia de la subjetividad, queremos forzar encuentros entre objetos, imágenes y planos de sentido. Del instrumental médico a las fotografías se arma una haz de fugas que reproducen el movimiento que recorre la expresión de los síntomas en su dimensión somática. El itinerario de una abstracción que determina nuestro principio de realidad, desde la conversión en mercancía de las relaciones humanas hasta la inmaterialidad de las finanzas.\r\n\r\nUna hipótesis en forma de relato ciencia-ficción acompaña a la experiencia. Intervenido con sintetizadores, el texto será reproducido por un sistema de altoparlantes y arduino, que moverá el sonido por la sala, produciendo efectos que refuerzan el tono distópico del proyecto.', NULL, 12961, 1, '2020-09-01 20:20:48', '2020-09-01 20:20:48'),
(407, 'La Tierra Más Ajena, consiste en una instalación mecánica, cinética e interactiva que reproduce o nos remite a la idea de una pradera cubierta de vegetación movida por la brisa.\r\nConsta básicamente de dos estructuras de madera  en donde se alojan los mecanismos colocadas en los extremos unidos por un “sembrado de pastizales”.\r\n  Al mover una palanca, el espectador acciona el motor por un lapso de tiempo. Una serie de levas, pesos  y palancas conectadas a sogas con contrapesos que posibilitarán un movimiento de vaivén de distintos paquetes de vegetación, conformando por acumulación y repetición la noción de una porción de prado un movimiento similar al del viento.\r\n Puede decirse que la obra consta con dos “puntos de vista”. Por un lado, la parte de la maquinaria, todos los elementos técnicos y mecánicos que componen el sistema de locomoción. Por otra parte, si uno accede a los muelles centrales mediante las escalinatas, se introduce en el interior del paisaje, ocultando al menos por instantes, el artificio.\r\nLa naturaleza artificializada, buscando mecanizar algunos de los elementos naturales. En el ir y venir de los pastos, el viento parece estar presente aunque no corra un solo soplo de aire.\r\n Partiendo del concepto personal de que la belleza es escasa, ajena y efímera, surgen estas acciones, buscando (imposible y absurdamente) poder reproducir un momento poético para siempre, a voluntad.', NULL, 29185, 1, '2020-09-01 20:34:04', '2020-09-01 20:34:04'),
(409, 'Entendiendo la facilidad de conexión y comunicación que nos brindan las redes sociales, pero percibiendo la falta de contacto físico de las mismas como una carencia o un vacío, Recetas para la distancia se piensa como una obra de carácter colectivo que investiga nuevos formatos para vincularnos.\r\nAl conectar la dedicación de amor que implica la cocina con la sorpresa de recibir correo postal de un ser querido, el deseo es que la obra se manifieste como un abrazo a la distancia. Ambos conllevan un tiempo de espera y de creación propio del mundo material, el cual puede brindarnos otras lecturas a la hora de entender los ciclos de la vida y de los vínculos.\r\nLa imagen de la alacena con las cartas exhibidas en formato fideos, se presenta como una metáfora de los vínculos que nos alimentan emocionalmente de forma similar a la cual preservamos alimentos para consumir en un futuro.\r\n\r\nLa obra consta de tres etapas:\r\nExpositiva: Se exhibe la alacena con los paquetes de fideos próximos a enviarse, los instrumentos utilizados en su realización y el buzón que recibe cartas de aquelles que deseen participar de la obra.\r\nColectiva: Comenzando en simultáneo pero excediendo en tiempo y espacio la etapa anterior, se traducirán a formato fideos las cartas recibidas y se enviaran los paquetes.\r\nVirtual: El sitio web del proyecto expondrá el registro audiovisual de quienes deseen compartir su experiencia al recibir las cartas. También detallará las instrucciones para enviar cartas al buzón.', NULL, 30089, 1, '2020-09-01 20:46:24', '2020-09-01 20:46:24'),
(410, 'I am a Turkish artist based in Beirut as a fellow in Ashkal Alwan. In 2019, I took the first steps of a queer archive related to the Turkish re-interpretation of the Arabic word “حزن - hüzün”. “Hüzün” is a word that came into the Turkish language with the help of early Ottoman poetry, with the verses referring to “ بيت الأحزان - Beit el ahzan”, the house of sadness that Jacob poured his grief after the loss of his beloved son Joseph.\r\n\r\nThis study led to the video work that I proposed for BIENALSUR, “Hüzün is a tranny name”. “Hüzün is a tranny name” is the first iteration of a series of videos that I have been working on as part of these series. The video, shot in collaboration with a trans-activist and sex-worker Gani_met, aimed to tackle the mourning and melancholia in the queer community in the Middle-East. With this approach, I hoped to subvert the meaning of “hüzün” and attest it with a reparative meaning. \r\n\r\nAs an artist and a cultural agent, I believe it is necessary to contemplate collective manners of mourning while we are facing a tremendous loss in the aftermath of Covid-19. I hope that the resilient nature of Gani_met will resonate with the jury and be offered a platform for the extraordinary activist voices from the Middle-East. It is also good to note that the work has not been exhibited anywhere in the world and premiering the work in Buenos Aires, a city that influenced queer-rights movements in South America, would be an exceptional honor.', NULL, 30592, 1, '2020-09-01 20:46:24', '2020-09-01 20:46:24'),
(411, 'Es un proyecto multidisciplinario donde se fusiona el imaginario personal, la literatura y la psicodelia. A través de personajes creados por medio de la escultura, la danza, el dibujo, el teatro, entre otras disciplinas, a modo de cine en vivo. Esta performance experimenta la simultaneidad de diferentes expresiones artísticas consiguiendo dar vida a escenas extrañas y siniestras, creadas a partir de una estética pánica, irónica y surreal con tintes de universo cinematográfico articulándose mediante tres performances .\r\nLos diversos personajes surgen a partir de hechos reales, ficcionados y violentos como: la historia de Marino López, El campesino con cuya cabeza jugaron fútbol los paramilitares. Un agricultor de la región de Cacarica, que tuvo una vida anónima y ahora ocupa un lugar en la historia de Colombia por el acto de crueldad del que fue víctima (2015)\r\nLa temática abordada se centra en la memoria histórica e imaginada de Colombia, La violencia, lo sagrado, el humor y la sexualidad serán los ejes principales.\r\nEn la historia del arte colombiano algunos artistas sean interesado por mostrarnos la  la violencia recurrente en la que  Colombia ha estado inmiscuida, la cual se ha convertido en una preocupación recurrente por medio de una \"conciencia crítica\" o una “conciencia de reconocimiento” a través de diversos medios artísticos. Esta propuesta es un viaje a la memoria sórdida, fragmentos, historias y testimonios que parten de hechos reales, imaginados y ficcionados.', NULL, 22510, 1, '2020-09-01 20:47:35', '2020-09-01 20:47:35'),
(412, 'Gradual Acceptance\r\nAlternative 1 doing the project at site Bienalsur\r\nAlternative 2 doing the project in Bom Art Recidensy, Sweden\r\nWe are seven artists from Meteor working on the second stage of this ongoing project .\r\n1 Anna Wessman\r\nUses matches as a metaphor for humans, the forerunners,\r\nthose who make way for others, who’s destiny is to light the fire and make way for a change.\r\n2 Kaur Chimuk\r\nMultidisciplinary project in combination with printed textiles, projected moving images, and a\r\nseries of archival photo prints( tentatively poster format) along with live-performance.\r\n3 PAF Kim Demåne\r\nHuman City Baby\r\nWill our children accept a broken society?\r\n4 PAF Isabel Theselius\r\nBurning Issues\r\nWorkshop and collaborative art project where female identifying\r\nparticipants, with or without an art background, are invited to create works of art\r\nreflecting current issues that they burn for.\r\n5 Marko Cesarec\r\nMovements in the last plant\r\nA complex site specific visual art work that want to comment the political situation and geopolitical\r\ndevelopments in a global and local perspective.\r\n6 PAF Ossian Theselius\r\nWhether he moves between utopia, loneliness or the mesmerizing force of nature you\r\nare compelled to stick out your tongue and taste that world the same way you did as a child when\r\nthe icicles were hanging low in wintertime.\r\n7 Tamara de Laval\r\nInspiration by theories of rhizomatic, nonhierarchical and nonchronological\r\nways of thinking.', 'Gradual Acceptance', 30195, 1, '2020-09-01 20:49:17', '2020-09-01 20:49:17'),
(413, 'Dialogar de comunidad, memoria colectiva, en una organización social y en un territorio determinado, a través del arte en la comunidad de Cherán se  está generando una contra-revolución en las nuevas generaciones que pone en crisis los valores culturales occidentales, al reconstruir el ideal de un movimiento político, social en defensa de los bosques y que marca una alternativa en torno a un gobierno comunal basado en sus “usos y costumbres” sistema alterno al político oficial en México un autogobierno con prácticas prehispánicas purhépechas de regresar al origen. \r\nLa obra busca reflexionar acciones y dinámicas de un pueblo con saberes, prácticas y creencias  relacionada con una matriz cultural vinculada al bosque. Es una propuesta  de instalación que genera una relación entre escultura y pintura a gran formato que engloba y sintetiza un ritual de sacrificio, una reivindicación de la virilidad en el marco de la fiesta de corpus, las katarakuas: tensadas sobre los troncos de los arboles a manera de culto y ofrenda a la tierra relacionada con la  lluvia y la fertilidad, los panales representan la colectividad social, una familia y una organización comunitaria. Las pieles de animales y textil como elemento ornamental entrelazado con lo cotidiano y el reconocimiento del territorio. La pintura será la fiesta, esa red que entreteje la vida social y el entorno natural, insertando al espectador en un trance ceremonial a ese territorio, que liga toda celebración comunitaria.', NULL, 30992, 1, '2020-09-01 21:04:26', '2020-09-01 21:04:26'),
(414, 'Durante la etapa de postproducción de Sueño (antes Verdes...), continué reflexionando sobre la relación de las imágenes de las noticias y la publicidad que consumimos durante el período de cuarentena; y lo que significó no poder habitar el espacio urbano. \r\nEn modo de tesis, pensé la obra para ser expuesta en la vía pública y extender el alcance más allá del público específico de la esfera del arte, sino a todo transeúnte. Se montarán pósters de avance del film, aprovechando los soportes publicitarios existentes en las veredas de las plazas, parques e instituciones culturales. También es posible enviar el archivo para imprimir in-situ a instituciones fuera de la C.A.B.A. El cortometraje se podrá ver in situ, desde el celular como dispositivo de pantalla personal, escaneando un código QR del póster que re-dirige a la plataforma Vimeo con acceso libre (no es necesario tener acceso a Internet, ya que el video queda linkeado y puede verse en otra ocasión). Este modo de intervención permite acercar una pieza de videoarte a un territorio masivo y popular. \r\nCitando la obra del artista Felix Gonzalez Torres, como el detournement que comprende la teoría del espectaculo de Guy Debord; el proyecto intenta revertir la información y la comunicación; Si las noticias oficiales y las publicidades invaden y se vuelven materia de nuestros sueños, los sueños toman los espacios publicitarios y públicos, devolviendo todo ese material resignificado desde la mirada menos condicionada de lxs niñxs.', NULL, 5701, 1, '2020-09-01 21:09:49', '2020-09-01 21:09:49'),
(415, 'Tierras-Vínculo es un proyecto “vivo y abierto” que va creciendo con el tiempo. \r\nMi propuesta es una invitación a recorrer todo el proceso. Ir atravesando las diferentes etapas desde el comienzo hasta llegar a los textiles transformados.\r\nEl recorrido comienza con un mapa conceptual, geográfico/vincular de Argentina, con los lugares donde ya enterré y los que aún no. \r\nLa proyección de videos, producto del registro de cada lugar y cada instancia, que dan cuenta del proceso “visible” y sonoro de la obra. Gran parte del sonido está compuesto con grabaciones de los diferentes lugares donde enterré.\r\nLas muestras de tierras que obtengo en cada enterramiento, exhibidas junto a su descripción edafológica y por último, las obras textiles. Hoy son tres y refieren a diferentes lugares de la Argentina y una cuarta obra que por la cuarentena no he desenterrado todavía que se encuentra en Salina Chica, Pla. Valdés, Chubut. \r\nLas piezas textiles colgadas, iluminadas desde atrás, develan el contacto íntimo  y transformador con la tierra, y ese “otro” tiempo del cual no somos testigos.\r\nMostrar este proyecto es compartir la certeza de recuperar el vínculo directo con la tierra, donde radica toda posibilidad de futuro. \r\nEl proyecto se despliega sobre la tierra y con la tierra, el espacio expositivo se extiende a todo el territorio del país. Dependiendo de los lugares posibles de exhibición, enterraría y desenterraría en un nuevo lugar durante la Bienal.', NULL, 32054, 1, '2020-09-01 21:11:37', '2020-09-01 21:11:37'),
(416, 'Walls Have Feelings delves into the ecology of objects and their appearance, in order to expose the links between socio-political events, which shape contemporary life and subjectivity. The film - partly developed during a residency at Rupert - opens onto the microcosm of dictators’ offices, presenting their architecture and interiors, including small desk accessories, which reappear in different scenarios. Newly-filmed scenes alternate with close-ups and landscapes views from sourced images and found footage, gradually unveiling the protagonists of the film: office rooms and walls, which contain, hide and reinforce invisible forms of power. Powers, which stemmed from industrial capitalism and political dictatorships, and which in turn influenced the current neoliberal-type of economic production. She exposes connections between subjects in a non-linear way, jumping vertiginously, with cunning editing techniques, to different historical moments, which she makes reverberate in our shared present. The film in fact references labour activities, echoing both present and past, corporeal and cognitive, forms of exploitation. It mixes familiar scenes of workers leaving the factory, laboratories producing all-too-human robots, and the works of artists themselves, which all together creates a navigable, hypnotic loop. Instead of adopting objects as devices ‘to think with’, like a cup of coffee, she is evoking their animist power, delving into something that is embedded in them.', NULL, 8046, 1, '2020-09-01 21:20:25', '2020-09-01 21:20:25'),
(420, 'O ponto de partida desse projeto foi o livro Ditadura e homossexualidades: Repressão, resistência e a busca da verdade, organizado por James Green e Renan Quinalha. Segundo os autores \"a obra se inscreve num contexto mais amplo de luta por verdade, justiça e reparação em relação aos crimes praticados durante a ditadura brasileira conferindo visibilidade e o devido reconhecimento para as experiências de vida dos homossexuais e para a atuação do movimento LGBT durante essa época histórica\".\r\nNum segundo momento eu começo a estabelecer conexões com o romance autobiográfico - Hotel Garni - a história da sensibilidade, de Hubert Fichte. O autor, um judeu homossexual, nascido na Alemanha pós-guerra, mistura ficção com experiências pessoais para falar sobre a vida e as implicações psicológicas de se posicionar de forma aberta com relação a sua conduta sexual, numa Alemanha nazista.  \r\nComo forma de integrar essas duas narrativas eu fiz uma pesquisa em revistas de moda, onde os ensaios fotográficos tinham como tema o universo militar e essas imagens foram transformadas em pinturas. Os nomes de algumas pinturas são frases retiradas do livro de Fichte e outros são frases utilizadas em faixas durante manifestações LBGT em diversos outros países. Há também um diálogo com os \"grafitos de banheiro\" que são uma prática histórica e podem revelar muitos aspectos da cultura em que se manifesta. \"Minha mina me come com vibrador\", estava escrita na porta de banheiro de uma universidade.', NULL, 32041, 1, '2020-09-01 21:53:56', '2020-09-01 21:53:56'),
(426, 'Cualquier viaje migratorio implica un cambio en el deseo de alcanzar una vida nueva. Esta experiencia compleja se convierte en un tránsito físico y existencial que se sitúa entre la pérdida y el desarraigo del origen y la búsqueda y la aceptación de una identidad nueva. El mar adquiere un valor simbólico en relación al tiempo presente, la travesía por lo que corresponde al desplazamiento y el barco actuando en cuanto figura alegórica, como “vehículo” para la transformación.\r\n\r\nEl proyecto propone dotar del tiempo, el espacio y los recursos para la gestación de proyectos artísticos en un contexto de navegación, en el océano Atlántico. Cada artista vivirá la experiencia de realizar una travesía entre las siguientes: \r\n\r\nVIGO I CANARIAS \r\nCANARIAS I CABO VERDE \r\nCABO VERDE I FERNANDO DE NOROÑA\r\nFERNANDO DE NOROÑA I USHUAIA\r\nUSHUAIA I PUERTO DESEADO \r\nPUERTO DESEADO I MAR DEL PLATA\r\nMAR DEL PLATA I PUNTA DEL ESTE\r\nPUNTA DEL ESTE I BUENOS AIRES\r\n\r\nTodos los proyectos girarán en torno a la memoria y la antropología del territorio, con respecto a los intercambios culturales, sociales, económicos y políticos entre Europa y Latinóamerica.\r\n\r\nEl mar será el espacio neutro para la reflexión que proporcionará las condiciones que fomenten la creatividad y la rememoración, facilitando el  desarrollo de la experiencia expansiva. Los artistas elegidos han vivido, en su mayoría, la experiencia cultural migrante y tienen la capacidad de utilizar una lógica relacional para volver sobre acontecimientos históricos, revisarlos y vincularlos con problemáticas recientes. \r\n\r\nLa duración de la navegación será de tres meses. Los ocho proyectos resultantes serán expuestos en MUNTREF junto con un documental que recogerá la experiencia. Durante toda la travesía se habilitará un Canal TV que retransmitirá las diferentes travesías en directo. En cada uno de los puertos se organizarán diferentes mesas de debate entre los artistas, críticos y curadores en las que se abordarán conceptos asociados al proyecto.', 'VIAJES DE  UNA GOTA  DE AGUA. Travesía atlántica', 27370, 1, '2020-09-01 22:18:44', '2020-09-01 22:18:44'),
(427, 'Extra-Territories is a project about the history of the Portuguese ex-colony of Mazagão and the Festas de São Tiago. The festivity celebrates the Moorish failed attempt to conquer Mazagão, Morocco, in 1769, prior to the order of the Marquês de Pombal to evacuate the territory in 1770 and to settle the colony in Brazil.\r\nExtra-Territories also intends to foster a discussion on the hegemony of Christianity, celebrated during the Festas de São Tiago, by contrasting the event with the festivities of the black and indigenous communities of Marabaixo and Sairé. Thus, Extra-Territories is a reflection on neo-colonialism, the supremacy of the Christian religiosity, and the subjectification of Amerindian identities (Viveiros de Castro, E. Exchanging Perspectives: The Transformation of Objects into Subjects in Amerindian Ontologies, 2004).\r\nThis proposal is socially, culturally, and historically relevant. Firstly, the danger of alt-right manifestations is a symptom of neo-colonialism. Hence, Extra-Territories uses a poetic counter-narrative to subvert aesthetics, symbols and concepts at stake during the 3 festivities previously mentioned. Migration, as a symptom of globalisation, is another focus of the project. What does it mean to be a migrant today as opposed to 1770? Lastly, what do we know about Mazagão, the Moors, and the population that first arrived in Brazil?\r\nVictor Leguy will produce a performance using a community-based archive of video and audio recordings, photographs, documents, and objects, by resorting to storytelling and interviewing techniques in the field. The findings will be organised on an online platform. The result of Extra-Territories is relevant because of the importance of the cultural manifestations produced by the Other as a (neo)colonial subject (Spivak, G. Can the Subaltern Speak?, 1988), and because it constructs an archive of memories and affections and researches the perception of power narratives in the local community of Mazagão, Brazil.', 'Extra-Territórios: do imaginário ao lugar performativo da memória / Extra-Territories: fiction and the performative memoir', 18041, 1, '2020-09-01 22:19:44', '2020-09-01 22:19:44'),
(430, '“The human physique can be regarded in two ways. We call it ‘a body,’ so long as it is tied to the soul. When that tie is broken, it is no longer called a body, but ‘a corpse.’” — Avicenna \r\nIn the absence of the contained (soul), the container (body) turns into a corps. Apparently, a corps (date kernels) is the only thing left to me from the prisoners’ free will. \r\n-This installation is an archive consists of 35000 filed date kernels made by 18 prisoners imprisoned out of Tehran in six months. The prisoners were all condemned for imprisonment for life or execution. \r\nPrisoner’s file date kernels, usually used for making prayer beads. Why would the first prisoner think about such an idea? When sentenced to isolation, without the possibility of any artisanship, collecting date kernels and trying to make something out of it, is an attempt to leave a mark on the surroundings or being present in the outside world through whatever possible means. Even in the form of trading and making a living. \r\nThe desire to achieve “free will” comes down to “making” things, which does not necessarily have artistic results. Filing date kernels is an exercise in futility: they pile up in pursuit of retrieving “free will” in a hopeless situation. In this vain patience for making something, the result of which is not even known to the prisoners themselves, each bead represents a vain moment that has come and gone, as they are polished and heaped, containing nothing but emptiness and silence.', NULL, 11518, 1, '2020-09-01 22:47:51', '2020-09-01 22:47:51'),
(431, 'Dezplazamientos de la lengua es una instalación sonora in situ conformada por 3 obras, fruto del encuentro creativo entre Pablo Chimenti y Anne-Laure Pigache. A partir de la ausencia de idioma común entre ambos, desarrollaron una variedad de obras que subrayan la musicalidad en la lengua y por ende su universalidad. \r\nÁrabe, persa, hebrero, coreano, finlandés, español, ruso, chino …. y más, son algunos de los alfabetos que se escuchan en este laberinto de voces. En Dezplazamientos de la lengua, las voces se expanden, empujan los límites de los lenguajes y de la única verdad de un lenguaje. Abre el campo de las posibilidades: ¿lo sonoro es lenguaje o será una ilusión? ¿Hay una sola verdad del lenguaje? \r\nDezplazamientos de la lengua, montado en el espacio como un laberinto de voces, reflejos y transparencias, incluye algunos de los idiomas de los países donde se instalará Bienal Sur por una temporada y se completará a lo largo del evento con las voces de los países que serán sedes de la muestra. Gracias a la colaboración con artistas sonoros locales, que pensamos desarrollar con particular atención, la instalación actúa como una gran recopilación internacional de lo primitivo, de lo más pequeño y a su vez más elemental. El cuerpo fónico de la instalación, a la manera de un organismo vivo, suma voces y alfabetos a medida que Bienal Sur se inaugura. Pero este gran coral universal que se va construyendo con reflejos y transparencias no pretende plantear la idea de un idioma universal sino la pluralidad de algo intangible.\r\nLas complejidades, las ambigüedades del lenguaje, de su construcción, de las palabras, están en el centro del video performático \"J’utilise las palabras\" y de la performance \"Lo borroso en la lengua\" que se presentan y completan la instalación. ¿Cómo usamos la lengua para expresar nuestro pensamiento, ¿cómo logramos destrabar nuestro pensamiento y expresarlo en palabra? ¿Cómo se modifica el lenguaje y las voces con este proceso?', 'Dezplazamientos de la lengua/ Displacements of language', 7328, 1, '2020-09-01 22:49:49', '2020-09-01 22:49:49'),
(432, '\"24 x 108 x 41: c(h)ancelas\" é um projeto que compreende criação escultórica, performance e documentação em vídeo com narrativa em voz off. Com este trabalho, prossigo uma pesquisa iniciada em 2016 sobre a semelhante vitalidade linguística que possuem expressões populares e discursos de ódio. Desta vez, volto meu olhar para os números 24, 108 e 41, que são, respectivamente, enunciados no Brasil, no Paraguai e no México para discriminar e estigmatizar homossexuais. As origens desses discursos de ódio ocorreram em diferentes cenários de violência entre os séculos 19 e 20 e a persistência do uso dos números como xingamentos desvela a violência patriarcal ainda predominante nesses 3 países latino-americanos. Para este trabalho, planejo produzir uma escultura em metal, que será uma réplica de parte do meu tronco/abdome. Na escultura, fundirei 3 bandeiras vermelhas que terão os números serigrafados, apontando para diferentes direções. Vestirei essa escultura e, posicionado em praça pública por muitas horas, moverei as bandeiras com minha respiração, além de tentar caminhar com o peso do material. O subtítulo \"c(h)ancelas\" resguarda bem os paradoxos imbricados na ação, ressoando a violência que transpassa nesses territórios os corpos LGBT. Se \"Chancela\" é um termo que remete a oficialidade (as bandeiras estarão serigrafadas com tipografia de carimbo), \"cancela\" remete à obstrução/impedimento. Assim como operam os discursos de ódio: chancelam discriminações e cancelam vidas múltiplas', NULL, 28830, 1, '2020-09-01 22:58:21', '2020-09-01 22:58:21'),
(433, 'En el marco del proyecto Tapiar Buenos Aires, comentado en la primera etapa de selección, proponemos cubrir las fachadas de la sede principal del museo MARQ, la ex torre de agua, con telas mesh (microperforadas). Este tipo de lonas suelen aislar a los edificios históricos durante los procesos de restauración y en ellas se imprimen generalmente los dibujos de las mismas fachadas ya restauradas. En este caso planteamos imprimir los dibujos de las fachadas del MARQ contemplando que las aberturas (puertas y ventanas) se encuentren tapiadas. Las telas se instalarían sobre andamios ubicados por delante del museo, transformando el mismo en una pieza escultórica urbana que combina el dibujo de los ladrillos originales del museo y los de los ladrillos huecos de las aberturas tapiadas; dando la sensación de una edificación que se encuentra en desuso, impenetrable, deshabitada, hasta que el visitante termina por encontrar un ingreso para irrumpir en el interior del museo a modo de squatter y descubrir, entre escombros y restos, las piezas (esculturas, dibujos, etc.) que forman parte y narran la totalidad del proyecto. Asimismo, los visitantes podrán tomar guías de recorrido que promueven seguir un itinerario por el barrio de Recoleta, donde se encuentra situado el museo, para visitar todas sus edificaciones tapiadas. El relevamiento ya fue realizado y proyectamos invitar destacados interlocutores que acompañen una serie de recorridos para conocer, apreciar y valorar nuestra ciudad.', NULL, 29784, 1, '2020-09-01 22:59:48', '2020-09-01 22:59:48');
INSERT INTO `proposals` (`id`, `content`, `title_exhibition`, `project_id`, `initialized`, `created_at`, `updated_at`) VALUES
(434, 'We’re living in extraordinary times: a global pandemic and radical social justice movements have laid bare systemic inequalities in care, power and class. We’ve been unveiled and now is the time to interrogate how we position ourselves, and others, in the world. Artists are often cultural lighthouses that instantiate societal undercurrents and shifts. The artists here probe two social attitudes that have transpired: lifestyle minimalism and wellness culture. Highly polished, bourgeois, they seem so succinctly out of step with our times. Through a postcolonial lens, political acumen and humor, the artists dissect these trends to proffer a different kind of social contract.\r\nAmie Siegel traces the ownership history of chairs designed by Pierre Jeanneret from their present-day decoration for affluent owners back to the government buildings in India for which they were made. These spoils of modern design emblematise how objects are imbued with value and underscore differences in culture and use. Presenting a coded narrative of empire and colonialism as told through modernism, art history, ethnography, Stephanie Syjuco undermines the idea of cultural and political neutrality. Nathan Mabry explores the tension between identity and authorship, the authentic and the counterfeit, creating sculptures with an ethnographical pastiche that interrogate the works of his own making. Ana Navas’s accumulation of forms are in response to cultural appropriation and transformation, while Eduardo Sarabia explodes material culture in a book that spoofs the layout and function of a mail-order catalogue.\r\nMimicking aspirational-media formats, Ilana Harris-Babou addresses the relation between class, race and authenticity; Shana Moulton challenges those aspirations through feminist spirituality and the wellness industry. In a parody of colonial exploration, Alberto Baraya archives plants that are endowed by the wellness industry as essential ingredients in self-care and alternative medicines.', 'The Good Life', 30649, 1, '2020-09-01 23:01:12', '2020-09-01 23:01:12'),
(435, 'Confirmada la realización y fecha del proyecto me abocaré a la planificación que consistirá en:\r\n\r\na)Preproducción: \r\nConfirmación de la locación \r\nRelevamiento del lugar y ajuste técnico de la propuesta\r\nArmado de equipo de trabajo: 1 productor/a + 2 asistentes para la realización\r\nTrámite de permisos p/ locación (municipal/privado/otros)\r\nContacto proveedores\r\nCompra de materiales y alquiler de equipos necesarios\r\nContratación de seguros\r\n\r\nb) Realización:\r\nEjecutar la pintura mural (2 jornadas nocturnas)\r\nRegistro en foto y video + edición\r\nInauguración\r\n\r\nc) Postrealización:\r\nDivulgación en redes sociales\r\n\r\n\r\nOpcionalmente, transcurrido el lapso definido por la organización se podría volver  a pintar para restablecer el estado original de la pared (1 jornada)', NULL, 27921, 1, '2020-09-01 23:08:12', '2020-09-01 23:08:12'),
(437, 'The series can be printed on place, where the exhibition shall take place. The original works are to heavy and to expansive to have them shipped. Also the size is not fixed, there we can also do bigger wall installations. Usually I prefer 120x160 cm, but it\'s upto agreement with the final exhibition place. The series contains max. 70 works.', NULL, 14681, 1, '2020-09-01 23:11:43', '2020-09-01 23:11:43'),
(438, 'En base a una investigación sobre la irrupción de diversas acciones desarrolladas por colectivas de mujeres en el marco del estallido social chileno, surge un dispositivo que permite trasladar los materiales recopilados por diversos espacios culturales. Lo significativo del dispositivo es que, a la vez que se constituye como medio de difusión de trabajos artísticos, se cruza con algunos contenidos desplegados por la teoría contemporánea, permitiéndonos abordar performativamente el problema de la representación. A partir de la selección y exposición de los materiales audiovisuales más relevantes para abordar el despliegue callejero de una serie de revindicaciones feministas, el dispositivo cuestiona el concepto de verdad que suele asociarse a las interpretaciones producidas a nivel teórico y conceptual. Esto, porque en la medida en que la exposición cae en el juego de las interpretaciones, ésta se resquebraja hasta diluirse como dispositivo formal. De este modo, se abre paso a la dimensión testimonial, que pondrá en crisis el carácter objetivante del formato. La presentación de relatos en primera persona será dirigida al público activando el potencial propio del espacio performativo, de modo que se produzca la transformación de la exposición teórica en un acontecimiento colectivo. En este sentido, una de las particularidades de nuestra propuesta radica en usar al espacio institucional como una determinación a la cual la performance se acomoda toda vez en que ésta se presenta.', NULL, 20931, 1, '2020-09-01 23:20:11', '2020-09-01 23:20:11'),
(439, 'Hoy creamos en la virtualidad como en un nuevo espacio real.\r\nLa verdad es un tesoro irreconocible?\r\nLos límites se desdibujaron, quizás nos convencimos que la pantalla en nuestra mano es lo que nos comunica, dónde ubicamos la línea que separa la comunicación de la conexión?.\r\nNuestros cuerpos son armas, letales, manipulables.\r\nEn nuestro territorio interior la pantalla mental es la que en mayor número de personas está silenciada o apagada.\r\nComo en la balsa de la Medusa de Géricault nos aferramos a esos pocos maderos que son las estructuras fracturadas para intuir en el horizonte lejano ese punto que nos hace seguir. Ese punto de un inicio que nos salva.\r\nDía 157 de restricción de contacto físico. \r\nDes-Vínculo.', NULL, 29068, 1, '2020-09-01 23:24:09', '2020-09-01 23:24:09'),
(440, 'Phoebe’s Playground is a multisensory VR, interactive Installation inspired by ‘Lunar Gardening’. Participants will explore the relationship between the moisture in plants and the gravity of the moon through a lunar cycle.\r\n\r\nTwo viewers are invited to step barefoot into a traditional Japanese Zen Garden. The garden is lit by a slow creeping light representing the moon, which gradually illuminates rugged geometric rocks that extrude from groomed sand. Once participants are immersed into VR, the garden becomes alive. The black geometric shapes  transform into photorealistic boulders and lush greenery burgeons from the barren sand.\r\n\r\nAfter getting their bearings, a call to action will appear; VR footprints will guide them each to a rock. Whilst approaching, the moon begins to wane, and the moisture in the ground appears to dry out. Touching the rock they’ll feel the vibrations of the moisture being sucked from its pores.\r\n\r\nNext as the moon enters it’s waxing phase, more footprints lead them to a rotten tree stump. The participants, now reunited, stand by the shell of a fallen tree. Slowly a complex physics simulation begins to light up the darkness. A fan, mounted in the stump, heightens the experience by rushing air past them. The tree is ephemerally brought back to life through a detailed physics simulation of moisture drawn from the roots of the tree up to the leaves by the gravitational pull of the moon. Looking up, they will see a full moon above them.', NULL, 16851, 1, '2020-09-01 23:33:36', '2020-09-01 23:33:36'),
(441, 'Me interesa intervenir el espacio público que es donde se encuentra al espectador desprevenido, el paseante que va por las calles a hacer las compras o a hacer un trámite y aunque no va especialmente a ver una obra, se la encuentra en su camino . Creo que es una forma de democratización del arte y genera un tipo de participación que reflexiona sobre la vida caótica de los ciudadanos.\r\n En Intemperie está permitido tocar, sucede lo contrario de lo que pasa dentro de las salas de exhibición. \r\nLos cubos al exterior, al ubicarse en una relación con los edificios dentro  del entorno urbano la obra puede percibirse desde un afuera y un adentro. Tanto desde la expectación exterior o la inmersión en el recorrido, la obra adquiere una instancia social para estimular al espectador a contemplar o  a actuar . La posibilidad de participar crea nuevas formas de relación, al generar un vínculo espacio-temporal entre el público que allí transite.\r\nLa propuesta de las gotas en el interior de un edificio ensaya una construcción atmosférica al intentar que el espacio cerrado parezca a la intemperie y a la vez esto genere una experiencia inclusiva, a un punto protectora. La búsqueda de belleza como una instancia de la alegría a través  de la abundancia y la audacia del color, que se potencia por el trópico y la modernidad latinoamericana. \r\nLa obra intenta funcionar como integradora  en su carácter envolvente y en la propia sensación emotiva del espectador.', NULL, 5541, 1, '2020-09-01 23:34:30', '2020-09-01 23:34:30'),
(443, 'Las pantallas nos engulleron produciendo una nueva mutación en curso, la de los sujetos en el encierro digital participantes de la Babel colectiva. Para construir y habitar la casa ideal que nos reúna más allá de la pandemia, nos refugiamos en esta novedosa piel virtual que nos cobija detrás de un filtro. Desde ámbitos y tecnologías domésticas realizamos -durante el aislamiento social- los videos para la instalación performática. Cada pieza con música original genera particulares sinergias e interactúa en expansión con el entorno.\r\nAbordamos la dimensión poético/filosófica sobre tiempo real y virtual construyendo micro-escenas en vivo para promover variados alcances sensitivo-comunicativos acerca de las tensiones que se desprenden entre cuerpo-individuo, cuerpo-social y tecno-patriarcado. Creamos un entramado audiovisual circundante y multifocal, donde la trama onírico/conceptual entre cuerpo, imagen, objeto y sonido es protagonista. Los lenguajes se fusionan en un formato híbrido que habilita la acción en vivo en simultáneo con lo digital.\r\nLos videos reproducidos en loop conviven con Activaciones Performáticas en una dramaturgia ampliada que propone al espectador editar su propia versión. La atmósfera sonora de carácter envolvente crea una experiencia inmersiva. En interacción con la instalación el cuerpo real irrumpe y trae consigo la fuerza de lo humano. La repetición y la distorsión se presentan como el espejo de una realidad que no puede ser capturada.', NULL, 26434, 1, '2020-09-01 23:38:55', '2020-09-01 23:38:55'),
(444, 'Inscrita en la celebración del Bicentenario de La Gran Colombia, la tercera edición de juntos aparte abordará esta efeméride desde una perspectiva ampliada que incluye obras de artistas de los países que formaron tal nación (Colombia, Venezuela, Panamá y Ecuador), de toda Latinoamérica y de España, en clave decolonial. Dentro de esta línea destaca la tercera y última entrega de La Gran Colombia de Antonio Caro, que esta vez adquiere una dimensión colectiva a través de invitación a otros artistas para una intervención colectiva sobre la misma obra gráfica.\r\nPor su parte se amplían los procesos de participación ciudadana, pedagogía e intervención pública, se introducen por primera vez en la región formatos de realidad aumentada y acciones de performance, mientras Mental Border Control de Melle Smets continúa su investigación sobre fronteras mentales a partir del diálogo del arte y la cultura con el deporte como  experiencias públicas y cívicas. El artista invitado a desarrollar proyecto sitio específico con su metodología habitual será el rumano Dan Perjovschi en esta ocasión, mientras los artistas regionales (Norte de Santander y Táchira) participarán por invitación directa y también a través de convocatoria. \r\nEn consonancia con la línea establecida, varios artistas participantes en ediciones previas vuelven a ser parte del programa, interviniendo desde ángulos y dispositivos distintos a los de sus previas acciones en el proyecto.\r\nUn componente importante es la ampliación de los discursos asociados al género, abordando la figura de la mujer desde la gesta libertadora hasta la frontera hoy. Así mismo, se rendirá homenaje al mítico proyecto Mapa, antecedente histórico clave respecto a la unión binacional colombo-venezolana a través de la creación contemporánea.\r\nFinalmente, las sesiones audiovisuales al aire libre amplían su alcance y llegan a las zonas rurales de Cúcuta en jornadas de convivencia e integración que responden a la escalada de violencia en la frontera.', 'JUNTOS APARTE - Encuentro Internacional de Arte, Pensamiento y Fronteras', 32195, 1, '2020-09-01 23:40:49', '2020-09-01 23:40:49'),
(447, 'Esta instalación está planteada para ser emplazada en un espacio público al aire libre ya que tensiona la idea de la propuesta al contrastar lo constructivo con los aspectos dinámicos de un parque y del flujo del público urbano. Materialidad y ejecución son elegidos acordes a esta realidad, por eso los volúmenes serán realizados en aluminio, plegados, soldados y unidos a través de bisagras internas resistentes a las condiciones climáticas cambiantes. Es desarmable para facilitar el traslado en un transporte común. \r\nSin embargo quiero aclarar que hay una versión de esta obra que ya está realizada pero en hierro. Podría ser exhibida  en un espacio interior (sala, etc). Tengo imágenes disponibles si quisieran consultarlas. Adjunto un pdf con información.\r\nObservar la destrucción y la realidad que el evento-límite (Haraway) provoca como condiciones sociales caóticas sobre la vida cotidiana de las personas. La esperanza de humanizar la experiencia de la vida en consonancia con otras vidas del planeta es el motivo y la intención que anima a la reflexión y la intención que propone mi proyecto: abandonar viejas formas para imaginar nuevos mundos posibles.', NULL, 22380, 1, '2020-09-01 23:49:17', '2020-09-01 23:49:17'),
(448, 'Desde hace 30 años vivo, trabajo y milito en La Boca. Mi PROYECTO implica una muestra en el MUSEO Benito Quinquela Martín curada por Adriana Lestido donde propongo exhibir 8 cuadros de gran formato (aprox 2x3m). Estos dramatizan la intemperie nocturna. Relatos corales con protagonistas de la noche, de LA CALLE y de LO CALLADO. La idea es montar las obras en las paredes de la sala de forma que los ojos de los personajes retratados queden a la altura de los del espectador, con un diseño de luz dinámico, que reproduzca el ciclo de luz desde el amanecer a la penumbra, recreando la atmósfera nocturna de las obras.\r\nA esto se le suma una serie de intervenciones urbanas: fuera del MUSEO, en los MUROS a lo largo de la ribera del Riachuelo entre Rocha y Barraca Peña, reaparecen las obras en gigantografías vinílicas de 3x5 m. montadas en 3 fachadas de galpones sobre la avenida ribereña, donde se harán ollas populares y una radio abierta, que es una parte sustancial de la propuesta estética. La Instalación: las reproducciones de las obras que toman la escala del drama que interpretan. La Performance: los vecinos, gente de las organizaciones del barrio, cartoneros y artistas, cocinando, revolviendo, ingiriendo una obra viva, en una acción performática que alimente al arte. Una obra que se agranda a escala del drama que pinta, que se vuelve alimento en la miseria, y propala finalmente en una radio popular el hervor de ollas que ocupen el espacio escultórico y lo invadan de aroma y vapores', NULL, 32135, 1, '2020-09-01 23:50:18', '2020-09-01 23:50:18'),
(449, 'O trabalho surge a partir das relações entre os sinais do Antropoceno no tempo presente, suas possíveis causas e a imprevisibilidade quanto à amplitude de suas consequências.\r\n\r\nOs eventos catastróficos naturais, já considerados como resultantes desta nova era, se fazem muito mais sentidos quando são experienciados ou existe empatia suficiente para dimensionar a sua devastação. \r\n\r\nNeste contexto, a instalação \'Noite Azul\', apresentada sob a forma de imagens de uma tempestade assoladora, tem como ponto de partida as alterações climáticas causadas por agressões humanas ao meio ambiente e propõe ao visitante uma experiência imersiva, onde a ambientação concebida busca intensificar a sensação de desamparo diante de algo devastador, evocar memórias e tensionar realidade e ficção.\r\n\r\nO desenho de som, construído a partir de expressões sonoras que remetem ao desmatamento, às construções irregulares e a outros ataques à natureza, procura relações com os fatores causais destes distúrbios de grande magnitude ambiental, como um reflexo do porvir, registrado e experimentado nas imagens, e como interrogação para o futuro.\r\n\r\nPara  a imersão que o trabalho pretende alcançar seja completa, a estrutura ideal é a utilização de uma sala fechada e totalmente enegrecida, com a projeção das imagens em parede inteira, ao fundo, ajustada por mapping.', NULL, 24518, 1, '2020-09-01 23:54:08', '2020-09-01 23:54:08'),
(451, 'Pressupostos do recorte curatorial\r\n\r\nA proposta par/ÁGUA/çu: margeando grafias e texturas - Acervo Artistas\r\n\r\nA proposta contempla 9  obras. A linguagem escolhida é a Fotografia.\r\n\r\nÀs obras são sobre o itinerário do artista que reside na cidade de Cachoeira na Bahia.\r\n\r\nÉ nesta cidade que o Rio Paraguaçu banha e se aproxima para desaguar na  baía de Todos os Santos.\r\n\r\nA proposta investiga o percurso do rio  e às relações humanas construídas nas margens.\r\n\r\nEntão, o elemento Água é o vetor para a impressão e a ideia de escrita do lugar.\r\n\r\nA Água é a textura que imprime e fertiliza o imaginário no rio Paraguaçu.\r\n\r\nA proposta contempla imagens do povo brasileiro e sua conformação no recôncavo da Bahia.\r\n\r\nA Fotografia é o documento que registra os bens culturais humanos compartilhados.\r\n\r\nO artista visual e fotógrafo\r\nJoMAR Lima é baiano, fotógrafo, curador, museólogo. Suas fotos são das paisagens culturais da região histórica do Recôncavo Baiano. Atuou como Curador de exposições com acervos museológicos. Destaca-se na produção cultural de eventos artísticos e campo do patrimônio, museus, literatura e música. \r\n\r\nPoéticas de JoMAR Lima', NULL, 30919, 1, '2020-09-01 23:57:51', '2020-09-01 23:57:51'),
(452, 'Desobedientes es un proyecto audiovisual que busca documentar, reflexionar y generar memoria universal a través de la dramática experiencia de familiares de genocidas condenados por crímenes de lesa humanidad: ¿Cómo vivir sabiendo que un ser querido es un asesino? \r\n\r\nPorque la maldad no es un gen hereditario, pasar la barrera implica romper una línea de la que nunca se vuelve igual. Vergüenza y culpa es el síntoma en una primera etapa: elegir romper la negación y hablar es el camino de algunos valientes familiares que quieren aportar su punto de vista para trascender el desgarro, sanar y dejar memoria.\r\n\r\nEl objetivo del documental es desarrollar una narración de viaje en el que Analía Kalinec, protagonista central e hilo conductor, entreviste y acompañe la experiencia de víctimas, otros familiares y de diferentes profesionales que aborden el tema.\r\n\r\nA partir de la construcción de la protagonista y su historia personal iremos abriendo entrevistas y miradas con el foco puesto en distintas especialidades (historia, filosofía, sociología, etc) para poder ahondar y generar una mirada reflexiva y crítica en el espectador.\r\n\r\nCreemos que la búsqueda de la reflexión debe ser honesta, sin bajadas tendenciosas. La intención es evitar cualquier forma de “panfleto” o “documental militante”.  Deseamos aportar a un debate humano,  universal y de experiencias contrapuestas, para que el propio espectador, acabe por sacar sus propias conclusiones sobre un tema que no tiene respuestas absolutas.', NULL, 32884, 1, '2020-09-01 23:59:13', '2020-09-01 23:59:13'),
(453, 'El objetivo general de la propuesta es crear una célula local de operarios en la ciudad de Buenos Aires que construya sinergias con los nodos internacionales del sistema de transporte onírico y amplie el mapa global del proyecto. Los objetivos específicos son: Involucrar a la comunidad ajena al arte contemporáneo; fomentar el pensamiento crítico; tornar la reflexión en acción poética; promover la apropiación del espacio público, todo ello haciendo visibles problemáticas concretas en los nuevos nombres de las estaciones. Este planteamiento fortalece la identidad y la dignidad comunitaria.\r\nEstrategia: En la fase 1 establecemos un espacio de trabajo (Oficina de obra) ubicado en una zona periférica, conectamos con los habitantes de la ciudad y convocamos a participar.\r\nLa fase 2 son las reuniones reflexivas abiertas donde se introduce la teoría y praxis de la Redretro, se comparte el archivo histórico, se asignan roles de cada operario y se conforma el plan de acción.\r\nLa fase 3 es la subversión semiótica donde se aplican las ideas y los materiales producidos en la Oficina. Al final de cada acción el grupo se retroalimenta de la experiencia, para continuar la reflexión y adaptar el método a una nueva intervención. Las fases 2 y 3 pueden ocurrir simultáneamente.\r\nEn la fase 4 se procede al montaje del resultado de las acciones y de la documentación del proceso (mapa, fotos y video) al interior de la caseta para su exhibición durante el resto de la Bienal.', NULL, 27424, 1, '2020-09-01 23:59:17', '2020-09-01 23:59:17'),
(454, 'El objetivo general de la propuesta es crear una célula local de operarios en la ciudad de Buenos Aires que construya sinergias con los nodos internacionales del sistema de transporte onírico y amplie el mapa global del proyecto. Los objetivos específicos son: Involucrar a la comunidad ajena al arte contemporáneo; fomentar el pensamiento crítico; tornar la reflexión en acción poética; promover la apropiación del espacio público, todo ello haciendo visibles problemáticas concretas en los nuevos nombres de las estaciones. Este planteamiento fortalece la identidad y la dignidad comunitaria.\r\nEstrategia: En la fase 1 establecemos un espacio de trabajo (Oficina de obra) ubicado en una zona periférica, conectamos con los habitantes de la ciudad y convocamos a participar.\r\nLa fase 2 son las reuniones reflexivas abiertas donde se introduce la teoría y praxis de la Redretro, se comparte el archivo histórico, se asignan roles de cada operario y se conforma el plan de acción.\r\nLa fase 3 es la subversión semiótica donde se aplican las ideas y los materiales producidos en la Oficina. Al final de cada acción el grupo se retroalimenta de la experiencia, para continuar la reflexión y adaptar el método a una nueva intervención. Las fases 2 y 3 pueden ocurrir simultáneamente.\r\nEn la fase 4 se procede al montaje del resultado de las acciones y de la documentación del proceso (mapa, fotos y video) al interior de la caseta para su exhibición durante el resto de la Bienal.', NULL, 27424, 1, '2020-09-01 23:59:23', '2020-09-01 23:59:23'),
(455, 'Susan Sontang said:  “A capitalist society requires a culture based on images. [...] The last reason for the need to photograph everything is in the very logic of consumption. Consuming means burning, exhausting, and therefore postulates a necessary reintegration. As we make and consume images, we need more images and more. But images are not a treasure to get hold of which one needs to scour the world; they are exactly what we have available wherever our eye rests [...] \".\r\nOn these bulimic premises now the world is undergoing, separately, the first global moment of the 21st century. Amidst a pandemic that has brought commerce and culture to a halt, and against the backdrop of renewed mortality, heightened tension, and amorphous suspension, we wonder: what is this suspension?\r\nIn this conceptual  frame the VACUUM exhibition hosts the works of different artists: Joseph Beuys (Germany), Stanley Brouwn (Suriname), Gino de Dominicis (Italy), Mario Garcia Torres (Mexico), Erwin Wurm (Austria), Ger van Elk (Nederland), Francesco Matarrese (Italy). Different in attitudes, outcomes and creative approach, their intentions harmonize in a dramaturgy that is intentionally that of disappearance and that establishes new ways of relating and contact with the artwork to tell through absence, expectation and suspension. Telling, letting the imagination linger on every phantom form in which absence becomes a condition of presence and makes the work a container open to the multifaceted vision.\r\nA vision of subtraction, a change of imagination to get out of the dictatorship of the image. The attempt to design a space capable of providing material consistency to the non-material, of giving shape to the invisible, because if it is true that the proliferation of communication, in this pandemic scenario, has undergone an important acceleration in terms of production of images, it is equally true that from here we want to start again, through the absence, the waiting, the suspension.', 'VACUUM – an exhibition on ghost forms', 13404, 1, '2020-09-02 00:09:48', '2020-09-02 00:09:48'),
(456, 'To reverberate the exchange among many voices on which Lo Sai? is found, the artwork in addition to being installed in its wholeness (including videos, Kente fabrics, and drawings) and experienced physically, can also have a digital life. The videos can be shared on the web –into some specific platform that aggregate other works able to enter in a relationship with it– so to introduce a range of point of view on the Planet from a variety of traditions and entities, opening to perspectivism (reference goes to Gottfried Wilhelm Leibniz, Gilles Deleuze, Eduardo Viveiros De Castro).\r\nAlong with, it can stimulate public sessions of dialogue and in-depth knowledge of related different cultural elaborations, so to contribute to a postcolonial construction of aware citizenship or better a path to reach the generative consciousness as persons (human and other-than-human) inhabitants of the Planet. \r\nThis political common practice is aimed to give voice to anyone, recognizing how the right to culture is not only the access to Western culture and its institutions but the legitimacy of the other cultural traditions and learning practices. This aptitude was the starting point of Lo Sai?, born from the dialogue with people having different background and origin (topics at the centre of Franz Fanon, Antonio Gramsci, e Pier Paolo Pasolini). A process in which the site becomes discourse, or better counter-discourse, for “building community in diversity”.', NULL, 12418, 1, '2020-09-02 00:29:54', '2020-09-02 00:29:54'),
(461, 'INFRAESTRUCTURA ANIMAL, conceptualizada  en detalle en la primera etapa de la convocatoria, forma parte de un tríptico artístico de base ecológica sobre la pampa húmeda. Esta serie de intervenciones se completa con la videoinstalación sobre la industria de la carne THE CASE OF MEAT, comisionada por la 5ta Bienal de Diseño de Estambul (2020), y THE SHIFTING STONE, una exhibición física sobre las sierras de Tandilia en proceso de preproducción. Estos proyectos son reflexiones interdisciplinarias sobre el ecosistema rural argentino y las políticas extractivistas de la región a partir de la filosofía del medio ambiente. \r\nEL CASO DE LA CARNE es un relato audiovisual que reflexiona sobre la historia de la nación desde las relaciones humano-animal (Ver: Paso 2, Link a la obra). INFRAESTRUCTURA ANIMAL es la segunda iteración de esta práctica basada en la observación de cómo los animales de la industria lechera intervienen y modifican el paisaje rural. La investigación preliminar para este proyecto se realizó bajo la modalidad de etnografía colaborativa. A partir de narrativas orales reunidas, estamos desarrollando un texto poético que estructura el arco de la pieza. Los materiales audiovisuales acopiados hasta el momento combinan un video original filmado en tambos de la zona de Tandil y material del Archivo General de la Nación. El resultado final serán 4 videos de 8-10 minutos cada uno, que se proyectarán simultáneamente con un texto original y un soundscape ambiente común.', NULL, 26277, 1, '2020-09-02 01:29:33', '2020-09-02 01:29:33'),
(462, 'Una trama luminosa y sonora expande lo institucional hacia el afuera real y virtual.\r\nEntreteje sentidos complementarios desde lo sublime/banal, consagrado/emergente, tradicional/disruptivo, visible/elusivo hasta llevarlos a un desborde rizomático.\r\nConsideramos fundamental la elección conceptual del recurso de las preguntas retóricas y los espacios de emplazamiento, como asimismo una continuidad futura tanto en Instagram como con la participación cómplice de artistas y usuarixs.\r\nEn esta etapa, elegimos cuatro instituciones artísticas nacionales de memoria y acceso a la cultura, cuyo carácter público y federal los vuelve indispensables como lugares de pertenencia.\r\nLos señalamientos lumínicos serán ambientaciones e intervenciones, sonoras  audiovisuales y gráfica, que habiten los márgenes institucionales y apelen al encuentro con les transeúntes azarosos, les cibernautas y les visitantes conscientes.\r\nLos registros de todas las intervenciones irán conformando un archivo cartográfico virtual en @____lumen____.\r\nQueremos difuminar las fronteras y que dejen de ser muros; usamos la luz, las preguntas y el trabajo colectivo, para que se transformen en posibles puentes y puntos de encuentro.\r\nFormulamos este statement y el presupuesto en la oscuridad de la pandemia pensando en un futuro incierto pero utópico. Pendulamos entre lo deseable que nos libera y lo posible que nos excede.', NULL, 27031, 1, '2020-09-02 01:29:42', '2020-09-02 01:29:42'),
(463, 'Esta obra, compuesta por un libro-objeto y una videoinstalación, es el resultado de una investigación iniciada en el confinamiento provocado por la COVID-19, y aún en proceso.\r\n\r\nSomos dos artistas sudakas que se han encontrado cerrados en Europa, preguntándose sobre la tensión entre la naturaleza y la viabilidad del trabajo artístico en tiempos de pandemia, y más allá. Hermanados a todos los artistas-trabajadores del mundo, empezamos a enumerar decenas de convocatorias de ayuda emergencial, cargadas con la histeria y precariedad propias del arte contemporáneo.\r\n\r\nEn dado momento hicimos de esta práctica un proceso activo de reflexión y creación. Preferimos perder tiempo coleccionándolas en vez de intentando ganarlas, y ampliamos la selección basados en criterios. Tenemos hoy convocatorias en 15 idiomas, de instituciones de distintos tamaños de todos los continentes (60 países), y hemos creado un libro-objeto de más de 1.000 páginas, 5 kg de respuesta a toda esta palabrería legal, divididas en 12 capítulos y más de 80 mil incisos. También hay un video, hecho intencionalmente con una estética precaria a partir de de los botones del tipo “Apply Now” con los que tuvimos contacto durante este proceso. \r\n\r\nEn la instalación, se invita a los espectadores a hojear el libro mientras son capturadxs por la hipnotizante banda sonora del video, algo muy típico de la cultura del espectáculo que nosotros artistas experimentamos en la frontera entre el POR QUÉ producir y el CÓMO circular.', NULL, 28213, 1, '2020-09-02 01:38:19', '2020-09-02 01:38:19'),
(464, 'In 2018, was announced the auction of the so-called first painting created by an artificial intelligence (AI) which opens the debate of the status of such algorithms in art: could we talk about art without artists? Could an AI be an artist?\r\nThe solution is complex, and one possibility would be to consider these algorithms as procedural tools which is the main purpose of The Divine Anomaly.\r\nThese algorithms are autopoietic systems capable of producing and generating, by themselves, forms, figures and any artefacts that is immanent to their nature. However, none of its creations could be considered as an artwork, since the latter needs an external intention which would make it come under the techné that ancient Greeks consider to be the nature of art, unlike the praxis that refers to the simple production.\r\nThis implicates that the autopoietic system of AI should be part of a more complex system of poiesis that includes the artist. The artist should pervert the algorithm, which means that he distorts its primary function. He does so with full knowledge of the algorithm’s imperfections and its function to be the most accurate to its ‘learning library’ which is no longer forms and figures, but rather strings of code. The artist is thus capable of recognising the anomaly that occurs and place it in the heart of his art.\r\nTo recognise the anomaly amounts to recognise the transformation of norms and forms in the perspective of becoming extraordinary. To make the anomaly a monster, that is to say something to mostrare (in Latin), amounts to recognise the existence of new beings, of new types of sensitive… of proposing a new reality.\r\nThe Divine Anomaly aims to recognise such proposals of new, extraordinary realities either by artworks that redo ancient artefacts based on the beauty as the divine unity – which is the case of Egor Kraft’s Content Aware Studies and Quayola’s Unfinished Sculptures –, or by generating new organisms as Grégory Chatonsky does with his installations.', 'The Divine Anomaly', 73, 1, '2020-09-02 01:42:14', '2020-09-02 01:42:14'),
(465, 'El documental visibiliza la movilizaciones de las mujeres, trans y travestis que claman por el derecho al aborto frente al Congreso. Concentra una diversidad de visiones sobre este hecho histórico, en donde se aprecia la carga emotiva de esta lucha que sigue vigente. La obra se realiza a partir de experimentar con el fílmico, utilizando cartuchos de super 8, como una forma de otorgarle un cuerpo físico al suceso. Los límites del formato analógico condujo a la obra a un tipo de estética denominada “toma única”, en la que el montaje se produce al momento de filmar, sin oportunidad de una retoma. A su vez, al ser un film silente se produjo una propuesta sonora con la misma potencia que la imagen, un espacio sonoro que refuerce el significado de la fortaleza del conjunto de las feminidades. Se utilizaron elementos de percusión, sonidos de la naturaleza, animales y cánticos tribales que denotan un sentimiento de empoderamiento. Las voces parecen materializarse en el soporte, en cada grano de los fotogramas, y se consolida en una frase hablada, extracto de una canción del grupo Las Chanas.', NULL, 26076, 1, '2020-09-02 01:52:16', '2020-09-02 01:52:16'),
(467, 'La base operativa será en CDMX. Desde ese punto comienza el recorrido, finalizando en ese mismo sitio. ( ver cronograma RECORRIDO adjunto )\r\nLa producción ejecutiva sera similar a la de una película documental con equipo reducido y estará a cargo de una productora mexicana. El viaje será por ruta terrestre en un vehículo particular donde viajaré con dos asistentes locales y con todo el equipo técnico necesario. El tiempo físico que me llevará completar este proyecto es de 40 días. Una vez finalizado el recorrido por los 11 sitios mencionados el tiempo de edición del material será de 15 días.\r\n\r\nEl material resultado de este proyecto será:\r\nFotografías digitales de las acciones en cada uno de los 11 sitios a intervenir.\r\nVideos  de las acciones en cada uno de los 11 sitios a intervenir.\r\nEntrevistas a los familiares de los desaparecidos de cada lugar.\r\nUn sitio web en donde se podrá acceder a cada una de las acciones. Es posible ir subiendo al sitio durante toda la bienal un nuevo video hasta completar las 11 intervenciones. Se ubicaran en el mapa de México cada uno de los sitios intervenidos con toda la documentación correspondiente. ( ver de referencia http://www.interviewproject.de/en/videos/ )\r\nTodas las herramientas utilizadas en las excavaciones se revestiran de terciopelo en polvo.\r\nTodo el material resultado de las intervenciones podrá ser exhibido/presentado  en el formato y en el espacio disponible, a definir con los curadores correspondientes', NULL, 7738, 1, '2020-09-02 02:12:07', '2020-09-02 02:12:07'),
(469, 'El proyecto de expedición desde una perspectiva estética consiste en una concentrada convivencia entre artistas-exploradores durante una estadía de 6 días, atendiendo al hallazgo que se origina en la superficie de la corteza terrestre y al intercambio intersubjetivo. Asumimos la difusa materialidad de la propuesta por eso hemos trazado un norte de acciones, todas participativas y orientadas hacia un “tú”, que sacudan y sostengan el clima de trabajo y búsqueda. A saber: 1) “Bañado nocturno”, la acción se inicia con la construcción de una balsa para atravesar el Río Salado. Luego, se trata de una deriva desde el Fuerte Federación (Junín, centro) hasta un cementerio inacabado del otro lado de la orilla del río, motivada por la evocación al duelo y al rito de paso. 2) “Memoria del agua”: el emblemático cruce a nado de la Laguna de Gómez es reificado a través de una acción colaborativa que lo recrea sin fines deportivos, sino más bien urgida por la hazaña estética de entrelazar en postas los 5000 metros del segmento salida-llegada.  3) “Resonancia Federación” y 4) “El cielo al revés” son dos marchas coreográfica; la primera se centra en caminar el contorno del Fuerte Federación, motivados por la resonancia arquitectónica de su trazado en la retícula urbana. La segunda se centra en el paisaje y la cultura bajo la forma de una caminata de 10 km, recorriendo tres círculos concéntricos, en una curva que va de la soledad y la intemperie al cobijo y la comunidad.', NULL, 19498, 1, '2020-09-02 02:14:34', '2020-09-02 02:14:34'),
(470, 'La serie “entre precios y valores” es un proceso investigativo y experimental  iniciado en el año 2018; toma como referencia la devaluación de la moneda venezolana, facilitándome el uso de billetes como material de trabajo, cimentado en el cuestionamiento sobre la diferencia entre el costo y el valor de lo que nos rodea. \r\nSimultáneamente “Metatrafico” (del prefijo meta \"más allá\", indica una abstracción detrás de otro concepto, y tráfico como el paso de vehículos, personas o mercancías por un lugar) término acuñado que define la “marca” de la muerte como producto y en complemento del término “Crash” (quiebra financiera) evocando las cajas de alimentos CLAP (Comités Locales de Abastecimiento y Producción) de Venezuela. \r\nPor ende la obra se sustenta en noticias que registran el hallazgo de cabezas humanas en la frontera colombo-venezolana, dejando en evidencia el uso del terror como arma de influencia y definición de fronteras invisibles, tráfico de divisas, productos, armas, y sustancias de toda índole.\r\nIndudablemente la decapitación aporta herramientas formales y argumentativas al describir las historias desapercibidas en los territorios fronterizos; es por ello que el cráneo como símbolo, sintetiza cada caso en particular de la realidad sin distinción de nacionalidad, raza ni género. Por tanto la obra devela aconteceres cotidianos del intercambio de elementos de valor comercial por alimentos y medicina, que se repiten ahora a nivel global a causa de la pandemia covid-19.', NULL, 26193, 1, '2020-09-02 02:15:39', '2020-09-02 02:15:39'),
(473, 'Una planta enredadera, La Passifloraceae mollissima, que como estrategia de crecimiento escogió un cable urbano, frente a la Galería Santa Fe (espacio diseñado para las artes en Bogotá), es un acontecimiento. Su gesto inadvertido, nos invita a presenciar su insistencia. Pese a la separación triste que hemos hecho entre mundo cultural y mundo biológico, lo acorde es pensar solo un mundo. Un mundo que existe gracias a que insiste.\r\n \r\nPropongo, a partir del cuidado y buenas maneras de su cultivo, extender la enredadera existente hasta la fachada de la Galería, atravesando el colegio contiguo (CED La Concordia). En la vereda Chaverras, municipio de Sonsón, Antioquia, existe un pequeño cultivo de Curuba, donde mi familia aprendió los cuidados de la planta. La instalación propuesta para Bienal Sur, quiere repetir la gesta extensiva de la enredadera de curuba, y alojarla al entendimiento avizor del observador.\r\n\r\nUna operación in-situ, debe ser una operación de mediación con todos los agentes involucrados, humanos y no humanos. El cable que se estira desde el exterior de la calle y sostiene una enredadera de passiflora hoy, nos invita a su lugar de congregación, punto medio que une y acerca. Se ha hecho una invitación directa al colegio, sus directivas y profesores para organizar lugares de encuentro afectivos, teóricos y prácticos en torno al pensamiento y el sentir que pueda generarse, para luego ser compartido y vivenciado por los alumnos del plantel.', NULL, 30353, 1, '2020-09-02 02:40:10', '2020-09-02 02:40:10'),
(474, 'Tierra Prometida es el nombre del pueblo situado a la entrada del desierto de Ica fundado en 1998, donde los damnificados por el fenómeno de El Niño y del terremoto del 2007 fueron reubicados. Es así que, abordando conceptos como identidad, paisaje y naturaleza, este proyecto busca crear conciencia de los distintos modos de vida que existen en un territorio y de las maneras de relacionarse con la naturaleza como habitat, criticando la visión desigual de hacer ciudad por la mala distribución de recursos. Para ello se realizó un ritual que consiste en un llamado a la Lluvia como un ser que genera, transforma y da vida. A través de este ritual se busca hacer visible la cultura original de la zona y sus pobladores como habitantes del desierto.\r\nEl desierto es el escenario que contiene varios actores naturales - el viento, el sol, la luna, las dunas y el agua como ausente. El proyecto pretende así reaprender y decolonizar la noción de paisaje desde una nueva estética que subvierta el predominio de lo visual occidental, relacionado con el poder y la política, en pro de un acercamiento multi sensorial con el fin de entender de manera más amplia el concepto de naturaleza como ser, generador y transmisor de conocimiento.\r\nOpción1: Proyección de video usando un andamio de 3 cuerpos en un espacio abierto. El montaje invita a formar parte del ritual.\r\nOpción2: Proyección en un espacio abierto o cerrado de buena acústica, proyector de alta calidad, parlantes y asientos para los espectadores', NULL, 30249, 1, '2020-09-02 02:48:13', '2020-09-02 02:48:13'),
(475, 'Tierra Prometida es el nombre del pueblo situado a la entrada del desierto de Ica fundado en 1998, donde los damnificados por el fenómeno de El Niño y del terremoto del 2007 fueron reubicados. Es así que, abordando conceptos como identidad, paisaje y naturaleza, este proyecto busca crear conciencia de los distintos modos de vida que existen en un territorio y de las maneras de relacionarse con la naturaleza como habitat, criticando la visión desigual de hacer ciudad por la mala distribución de recursos. Para ello se realizó un ritual que consiste en un llamado a la Lluvia como un ser que genera, transforma y da vida. A través de este ritual se busca hacer visible la cultura original de la zona y sus pobladores como habitantes del desierto.\r\nEl desierto es el escenario que contiene varios actores naturales - el viento, el sol, la luna, las dunas y el agua como ausente. El proyecto pretende así reaprender y decolonizar la noción de paisaje desde una nueva estética que subvierta el predominio de lo visual occidental, relacionado con el poder y la política, en pro de un acercamiento multi sensorial con el fin de entender de manera más amplia el concepto de naturaleza como ser, generador y transmisor de conocimiento.\r\nOpción1: Proyección de video usando un andamio de 3 cuerpos en un espacio abierto. El montaje invita a formar parte del ritual.\r\nOpción2: Proyección en un espacio abierto o cerrado de buena acústica, proyector de alta calidad, parlantes y asientos para los espectadores', NULL, 30249, 1, '2020-09-02 02:48:41', '2020-09-02 02:48:41'),
(476, 'Having reflected on the content of our proposal in more detail, the project has evolved from following the routes of Vespucci to instead considering the itineraries shaped by the networks of colonial western imagery imported to South America.\r\n\r\nElaborating on routes that prints by engravers such as Bolswert, or icons like the Virgin of la Antigua, followed to reach their destination from Europe to the Spanish viceroyalties, this exhibition creates a platform for artists to re-claim past colonial routes of iconographic domination through a collaborative artistic project. It draws on the important heritage of viceregal art whilst challenging the long lasting effect of these imported images on Latin American culture. \r\n\r\nWe plan to invite 5 artists to develop their own ‘image route’ in the form of a mail art project. The artworks that emerge will make their way from the artists’ studios in South America to our exhibition space in Europe. The specific geographical routes of the parcels will be decided in collaboration with the artists.\r\n\r\nOur selected artists all deal with travel, exploration and colonial legacies in complementary ways. Baraya, in his long term project ‘Herbarium of Artificial Plants’, parodies the empirical objectivity of a botanical naturalist, by attempting to classify every artificial plant he can find. Likewise, Duville undertakes mental voyages as the basis of his drawings, such as the collective artists’ project, ‘Valise’, in which the suitcase of the German painter Rugendas, an associate of the explorer Humboldt, was reimagined. Weeks looks at forms and devices of travel, as well as South American nomadic existence. Similarly, Caycedo researches networks of rivers in her artistic process in order to create environmental historical memories. Finally, Araujo questions how architectural motifs circulate from Europe to South America. \r\nThe artists will reverse the imposed dissemination of imposed western iconography during the viceregal period.', 'Signed, Sealed, Delivered: Retracing the legacy of South American Visual Culture', 13340, 1, '2020-09-02 02:53:21', '2020-09-02 02:53:21'),
(477, 'Mi interés radica en la arquitectura como lugar simbólico, poético, como aquel espacio físico en donde el ser humano apoya su existencia, reconoce el mundo, traza límites. La arquitectura y las huellas del usufructo como testigo/registro de la vida que la atraviesa, del contexto al cual pertenece. Por tal motivo es que la obra que propongo desarrollar se enmarca dentro de la categoría instalación de sitio específico, considerando a la arquitectura del lugar en el que se desarrolle mi proyecto, el principal “objeto de estudio” para comenzar a conceptualizar y proyectar los detalles técnicos de la misma. \r\nA través del simulacro y una pintura mimética (látex sobre paredes y óleo sobre lienzo) de amplias dimensiones, generar un espacio ilusionista que reflexione sobre las condiciones atmosféricas que invaden el lugar. Cuestionando sus bordes, distorsionando límites, revelando una posible temporalidad y redimensionando las coordenadas que dibujan el habitar de este espacio. \r\nMi intención es involucrar al espectador, inquietando su percepción e interpelándolo desde la inmersión en el espacio modificado, en donde lo real dialoga con lo imaginado, el arriba con el abajo y la presentación y representación generan una nueva realidad. \r\nLos escenarios propicios para desarrollar mi propuesta son espacios reducidos, cargados de contenido histórico vivencial o aquellos lugares en donde la luz del sol genere juegos visuales que me permitan explorar la mímesis de los reflejos en el espacio.', NULL, 15751, 1, '2020-09-02 02:57:31', '2020-09-02 02:57:31'),
(478, 'El colectivo de arte y estudios tradicionales \"Sol de Soles\" en su proyecto titulado \"Pallay / Tejido del Espacio - Tiempo\" presenta el proceso de 4 años de investigación acerca de la iconografía, el tejido, la arquitectura, el simbolismo, las artes y oficios de comunidades originarias del Cusco.\r\nPara este proyecto se congrega a participantes de pueblos originarios, asesores académicos, Maestros tejedores de las comunidades de Q’ero y Chinchero en un  taller-seminario que se realizará en la ciudad de Cusco el año 2021.\r\n\r\nSe proponen 4 obras (instalaciones):\r\n-	3 instalaciones inéditas que mostrarán el resultado de las etapas de investigación y producción conjunta realizadas por los miembros del colectivo.\r\n\r\n-	La cuarta instalación es el material originado en el taller conformado por: tejidos, dibujos y diseño iconográfico, análisis, esquemas, apuntes, entrevistas y video.\r\n\r\nLa propuesta conceptual responde a la lógica del diseño del Pallay y el Tejido. Temas: construcción simbólica espacio-tiempo, tridimensionalidad, maquetas, mapas conceptuales, calendarios, conocimiento estelar, hombre, casa, geografía, naturaleza, centro y origen, dualidad, complementariedad, cuatripartición y otros. \r\n\r\nSe generará  diálogos y visita guiadas.\r\n\r\nSe editarán los procesos y la exposición para su difusión en redes. \r\n\r\nSe generará experiencias en vivo vía internet (comentarios por especialistas).\r\n\r\nIndagar sobre los principios y métodos implícitos en estas prácticas nos permite volver a mirar nuestro mundo desde distintas posibilidades culturales, de ahí la importancia de entender que cada cultura es en sí misma una particular visión del mundo, capaz de aportar sabiduría a las artes y ciencias contemporáneas, al mismo tiempo, responde eficazmente a la urgente problemática de vivir ordenada y sanamente en la naturaleza.', '\"Pallay / Tejido del Espacio - Tiempo\"', 30289, 1, '2020-09-02 03:00:40', '2020-09-02 03:00:40');
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(480, 'La idea que atraviesa todo el proyecto es la de un espacio conocido que se transforma y se vuelve extraño a través de la invasión de jirones de textos superpuestos que colonizan todo el hábitat. Retomando el horror vacui, pero desde el signo, la casa se presenta barroquizada con palabras, de modo que en cada detalle podamos encontrar significaciones posibles a través de la lectura de las páginas. Se busca que la experiencia de lxs espectadores tenga un viraje hacia la variable lingüística que opera en la percepción: el modo en que interpretamos a través del lenguaje aquello que vemos y cómo eso tiene efectos en la construcción de lo sentido y lo percibido. Al transitar las habitaciones, las personas se encontrarán rodeadas de una repetición de elementos (páginas, colores) pero también de una cantidad inabordable de información, desplegada por cientos de páginas.\r\nPor otro lado, la casa no es un lugar que apuesta por jerarquías: se mezclan entre las páginas la buena y la mala literatura, los ensayos malogrados, los clásicos, y todo tipo de textos que, al modo de “La Biblioteca de Babel” simplemente estén impresos.\r\nLa casa del escriba intenta pensar un lugar en donde lo real, lo visual y lo simbólico se muestren y ejecuten simultáneamente en el mismo plano. El sentido y los nuevos modos de habitar quedará entonces ligado a la narración que lxs propios espectadorxs-lectorxs puedan habilitarse entre el tránsito, la demora y la interpretación de sus superficies.', NULL, 8513, 1, '2020-09-02 03:21:17', '2020-09-02 03:21:17'),
(481, 'The research was started one year after the disaster during the FAAP International Residency Program 2017, with fieldwork at the affected site to collect the spilled material and incorporate it into my work.\r\n\r\nThe research was dedicated to materialize through the collected material, aspects of a possible memory hidden by the disaster. That inspired the concept “invented archeology”, which configures the reverse principle to that of an archaeological excavation, allowing the works to emerge from the experience with the material itself. It alludes to a poetics of the impossible, a contradiction that allows us to think “art as a solution to questions that cannot be clearly formulated before they are resolved”.\r\n\r\nThe disaster compressed in a few hours millions of years of geological forces, crushing usual notions of temporality and beyond any ecological paradigm argued by the Anthropocene, an anthropological perspective of a new human condition appeared: being born in an already contaminated world.\r\n\r\nThe proposed exhibition invites to reflect on what implies being in direct contact with industrial residues and contaminations affecting ecosystems and habitats, responsible for climate change and the main reason for the zoonotic transfer from animals to humans and of pandemics like the one we currently witness. At the same time, it seeks to highlight the urgency of broader perspectives in contemporary articulations between art, science, activism, and dynamic political participation.', NULL, 5784, 1, '2020-09-02 03:21:36', '2020-09-02 03:21:36'),
(482, 'A través de distintas escenas cotidianas, la mirada se detiene en aquello que ha sido invisibilizado y sustraído en el relato de la historia de nuestra nación.\r\nLa idea fundamental es ofrecer a las y los espectadores una oportunidad para revisar la forma en que se ha construido el pasado, se naturaliza la exclusión en el presente e imponen valoraciones y expectativas en base al prejuicio y la desvalorización del otro por su color de piel. \r\nCrear una estética de la hospitalidad para habilitar nuevas formas de visibilidad afro en Argentina, mediante un trabajo audiovisual que recupera las dimensiones mestizas. \r\nLa Argentina blanca y europea, esta ficción de que somos descendientes de españoles e italianos,  hace violencia todos los días contra quienes no encajan en este ideal de blanquitud. Las poblaciones afro y originarias deben luchar cotidianamente para evitar ser “extranjerizadas” y excluidas de la nación. Gracias a su lucha, sin embargo, cada vez es más perceptible esa Argentina “real” compuesta por un sinfín de matices y tonos. \r\nEn esta pieza coinciden la mirada estética de Gaby Messina sobre las singularidades que dan forma a la Argentina como comunidad de diferencias, la música original de Gustavo Santaolalla profundizando el tenor de cada escena a partir de una experiencia sonora in crescendo, y la perspectiva filosófico-política sobre los dilemas de la hospitalidad en la actualidad de Ana Paula Penchaszadeh.', NULL, 4923, 1, '2020-09-02 03:22:40', '2020-09-02 03:22:40'),
(483, 'BONDAD es una propuesta que hace foco en el binomio niños/armas; binomio que contrapone la inocencia y la centralidad del juego en la infancia, a la inseguridad que atraviesan las sociedades del siglo XXI.\r\nLos comportamientos violentos y la circulación de armas de fuego en nuestra vida cotidiana inquietan a la sensibilidad de Pedro Tyler que concibió esta propuesta bajo el título BONDAD, inspirado en la frase “Incluso en aquel momento, existía bondad en el mundo”, escrita por Edith Eger en el libro que relata su adolescencia y la supervivencia en los campos de Auschwitz. \r\nPreocupado por comprometer al espectador en una reflexión sobre esta problemática, adoptó la práctica renacentista de dibujo con puntas de metal. El carácter indeleble de los dibujos realizados con esa técnica despertó la posibilidad de focalizar el impacto de la violencia en el mundo infantil, y encender una alarma sobre las consecuencias que puede acarrear el uso de armas para las futuras generaciones, mediante una invitación poética y efectiva al mismo tiempo: “lo que se escribe con plomo no se borra”.\r\nBajo la curaduría de Cristina Rossi, BONDAD presentará varias piezas de madera dibujadas con el plomo de las balas, un video con los silbidos que surgen de sus casquillos y unas pizarras para que el público experimente dibujando con esa técnica. Pedro Tyler producirá el video en el lugar para incluir signos que identifiquen al espectador y realizará los dibujos in situ sobre restos de muebles o puertas de maderas que se encuentren en las inmediaciones del lugar, para enfatizar la precariedad de esos materiales.', 'BONDAD', 27278, 1, '2020-09-02 03:24:00', '2020-09-02 03:24:00'),
(484, 'Una tarima circular negra invita al espectador/a a subir para observar la obra. Se forma un eje vertical invisible entre imagen proyectada (abajo) sobre el espejo dentro de la pecera con agua y la imagen reflejada (arriba) hacía el panel circular, generando un loop infinito de proyección y reflexión. La imagen proyectada trabaja con fotografías de estromatolitos tomadas por un microscopio que escanea las muestras. En postproducción se trabaja con esas fotografías generando un loop en donde la imagen se compone y descompone; partiendo del punto, pasando por las líneas hasta completar la imagen, emulando así las imágenes captadas por la fotografía astronómica. La obra permite que lxs espectadores la recorran, se agachen para observar, se recuesten en la tarima o simplemente observen parados, generando momentos de contemplación individual. Se aproximan para intentar tocar los haces de luz que se ven en el agua, dándose cuenta de su inmaterialidad al deshacer la imagen con el movimiento del agua y ver los reflejos de las ondas en el panel circular. Se generan, también, momentos donde la experiencia es colectiva, los espectadores se reúnen alrededor de la imagen en una contemplación grupal.\r\nEn 2019 el proyecto obtuvo la residencia sm2 de la USAM y El Cultural San Martín, pudiendo desarrollar la obra y exponerla en Noviembre electrónico. En esa instancia se pudieron hacer observaciones y continuar trabajando sobre la video instalación hasta la versión presentada para BIENALSUR.', NULL, 29546, 1, '2020-09-02 03:36:25', '2020-09-02 03:36:25'),
(485, 'El proyecto tiene su origen en el cuerpo de trabajo que el artista argentino, radicado en México, Enrique Ježik ha venido desarrollando desde hace algunos años, centrado en la utilización de textos políticos construidos tridimensionalmente a gran tamaño, de manera que su significado es enfatizado, actualizado y puesto a discusión, en tanto la materialidad de su construcción permite activar los espacios que las obras ocupan y plantear otras referencias sociales, históricas, políticas. Los textos que ha utilizado hasta ahora son citas o referencias a declaraciones, arengas y discursos de otras épocas y geografías, encontradas como resultado de una investigación rigurosa. Frases que considera relevantes desde la perspectiva de nuestra realidad y que incrementan su sentido al ser presentados y leídos en contextos específicos y al ser construidos escultóricamente con materiales plenos de significado. Hasta ahora esas piezas han sido realizadas manualmente o de manera performática. \r\nPara esta obra titulada Posibilidad del Anarcoartificialismo, Ježik pretende dar un giro a su práctica artística. Anteriormente su trabajo proponía una lectura política de nuestro presente desde el pasado, con una inclinación hacia una cierta manufactura post-povera; ahora, propone una especie de transferencia de la toma de decisión sobre los textos a un dispositivo de inteligencia artificial, el cual usará como base de datos un archivo de textos anarquistas pero generará sus propias consignas. Y por otro lado, el artista pasa del uso de maquinaria de construcción a investigar otras formas de producción con procesos mecánicos automatizados, como las impresoras 3D de gran escala. Este proyecto expositivo consiste en implementar un dispositivo de inteligencia artificial que será entrenado en la lectura de textos políticos de carácter anarquista, hasta que pueda generar consignas políticas propias, de manera autónoma, materializadas mediante impresión 3D en concreto creadas en vivo en el espacio', 'POSIBILIDAD DEL ANARCOARTIFICIALISMO', 33065, 1, '2020-09-02 03:47:36', '2020-09-02 03:47:36'),
(487, 'Notas sobre la obra:\r\nDe un montón de pelos, de un monstruo amorfo, salen piernas de mujer. \r\nNace una giganta que merodea en su encierro.\r\nSe pierde mirando sin ver.\r\nBusca erguirse y cae abrumada por el afuera. \r\nSus tacos marcan contra el piso el pulso de una zamba carpera, la danza que se utilizaba para seducir mestizas.\r\nSuspira en la asfixia. Ensaya escenas folletinescas y se corre contra la pared. \r\nLa monstrua se sabe doméstica y quiere escapar con sus pelos al viento para lamer todo aquello que le erice la piel.\r\n\r\nEsta performance instalación surge de una investigación en la que esbozo tácticas para trabajar con mi cuerpo, entendiéndolo como una materialidad más, no para deshumanizarlo sino para desjerarquizarlo. Mi epidermis es otra textura que se fusiona con la de un cobijo confeccionado, previamente a mano, con tapados de piel sintética. \r\nExperimento un goce estético en esta acción que pretendo contagiar, confundiendo también, a quienes la observan.', NULL, 10642, 1, '2020-09-02 04:00:40', '2020-09-02 04:00:40'),
(488, 'Todo movimiento humano, ya sea regido por un impulso vital, como es la intuición, o por especulación pura, como son los intereses sobre la producción, tendrá un impacto y dejará su huella. \r\n\r\nLa instalación, un pequeño jardín ubicado sobre el acceso a una de las sedes de la bienal, se presentará a los ojos del espectador como un paisaje, pero lo pondrá en la disyuntiva o, mejor dicho, lo hará consciente sobre las consecuencias de sus pasos en la interacción con su entorno.\r\n\r\n“Cuenta ganado” remite al instrumento utilizado por la industria ganadera para contabilizar la hacienda pero que también es usado en los museos para medir la afluencia de público. Cualquier acción dejará sus marcas, pero también la inacción se hará notar. “Los caminos del deseo”, como se conocen a los senderos espontáneos que surgen en los espacios naturales por el uso constante de los individuos, se irán manifestando con el correr de los días, dando forma a una obra en transformación constante.\r\n\r\nEl pastizal, una figura fundante de nuestro imaginario nacional, trae a colación el tema del impacto de la actividad humana en su ambiente, un asunto urgente en estos días; pero la obra lejos de la significación panfletaria, no pretende dar respuestas, en todo caso, plantea preguntas que al igual que el paisaje, estarán activas el tiempo que dure la experiencia.', NULL, 7816, 1, '2020-09-02 04:09:29', '2020-09-02 04:09:29'),
(490, 'El Manifesto Animal es un proyecto de fotoactivismo por los derechos animales que busca hacer conciencia sobre nuestros valores y creencias. Las imágenes construyen retóricas visuales de orden filosófico. ¿Por qué toleramos algo de violencia? ¿Y si fuera un perro? ¿Mataríamos con nuestras propias manos? Ésta y otras cuestiones relacionadas con la explotación animal están representadas en un colorido universo de imágenes, que nos invita a dedicar tiempo en cada fotografía y a sumergirnos en los sentimientos que provocan, sin el disgusto que provoca el registro de violencia.\r\nInspirado en fábulas, que tienen comúnmente animales con características humanas, en este ensayo se representa a los animales como sujetos con intereses y en ocasiones personificados por una figura humana para despertar la empatía. La fotografía de estudio nos aleja de la realidad que vivimos y exige un esfuerzo imaginativo. El uso del estudio también está destinado a burlarse de la publicidad y exponer la hipocresía contenida en los anuncios de productos animales.\r\nEl carácter connotativo de las imágenes, que abre el abanico de interpretaciones, pretende dialogar principalmente con personas que no se identifican con la causa. A partir del ejercicio de desplazar la mirada antropocéntrica, el proyecto fomenta el debate sobre la explotación animal y anima a las personas a reflexionar sobre su forma de vida a medida que experimentan posibilidades de representación simbólica de nuestra relación con los animales.', NULL, 27393, 1, '2020-09-02 04:34:41', '2020-09-02 04:34:41'),
(492, 'La obra completa serían de una a seis columnas de 4-6 metros de alto dispuestas en lugares de tránsito social (plazas cívicas o playas). Cada columna tendrá un diseño diferente y sobre su superficie estarán pegadas aproximadamente 350 pinturas únicas. Las pinturas se abandonaran a juicio del transeúnte mientras la pieza permanezca en el espacio público. \r\n\r\nAbandonar esas pinturas en el ámbito público en un gesto de renuncia, a la imagen y a los prejuicios individuales que trae. Estamos acostumbrados a entender las imágenes públicas como invisibles, no nos importa si se destruyen o desaparecen, no son una propiedad para atesorar. Todas esas pinturas, de alguna manera u otra, pertenecen a un mundo que está muriendo, uno que ponderaba el presente a expensas del futuro, y en donde la misoginia y el racismo se celebran en la calle. Renunciar a ellas, es también una renuncia simbólica a la manera de pensar las imágenes que tenemos los artistas contemporáneos hasta ahora. \r\n\r\nEsta manera de mostrar las pinturas las transforma en un evento, que es una búsqueda más o menos alternativa a los canales del arte en los que venía trabajando, pero al mismo tiempo pareciera que quiero que se incluyan en el mundo del arte. Una pieza de estas características termina siendo funcional a la sociedad por su sola ubicación, es materializada como pieza artística por la palabra de las personas, como si fuera un encantamiento. La magia es la capacidad de actuar sobre la realidad a través de los signos.', NULL, 28707, 1, '2020-09-02 04:47:32', '2020-09-02 04:47:32'),
(493, 'At a time of global rethinking of institutions, including museums and collections, Never Spoken Again (NSA) is an ambitious look into the creation of “Modern knowledge” through scientific and art collections. The exhibition considers histories, scientific gossip and myths of origin, of the gathering of objects and specimens, and traces their political, economic, cultural and ecological trajectories into their present prominence or disappearance.\r\n \r\nThere are many stories told in NSA: narratives that shed light on and question the ideologically-infused origins of collections and disciplines of knowledge.\r\n \r\nNSA demonstrates that collections themselves say more than the objects within them. Collections have influenced the humanities, and disciplines of knowledge that are built around them. The history of how collections came together often reveals more about the social context, significance, and power structures of our past and of our times. For example, collections are often testimonies of a national project, colonial violence, rewritten over time with the addition of new objects, or the hiding of others.\r\n \r\nThis has inspired artists to investigate the history and cultural significance of collections and the act of collecting, and building knowledge structures. The artists in the exhibition tell these stories through installations, performances and audiovisual pieces that rehearse multiple variations of critical museography, heritage and other critical revisions of collection-making and extraction practices. In this way, NSA reveals many of the contingent and violent operations that gave birth to the modern classifications and institutions whose models we still live by. The exhibition aims to change the status of the alternative to being a constituent part of plural artistic, scientific, and exhibition histories.', 'Never Spoken Again: Rogue Stories of Science and Collections', 30060, 1, '2020-09-02 04:51:51', '2020-09-02 04:51:51'),
(496, 'Tomando de partida la pieza descrita en la aplicación. La propuesta contempla una ampliación a otros casos en Latinoamérica. En Argentina, Brasil, Chile, Colombia, México, Perú, Uruguay, Venezuela, etc. existen decenas de casos similares, excavaciones y descubrimientos que en los 70s contradijeron la teoría del Poblamiento Tardío (en este momento es muy cuestionada). Lejos de ser una tesis paleontológica, es un recorrido poético por las zonas que se quedaron enterradas bajo teorías hegemónicas vinculadas a los países dominantes, que su aceptación da un giro a la historia que conocemos. \r\nDecidí tomar solo seis casos que en conjunto crean una suerte de mapa de Latinoamérica: Chiquihuite y Tlapacoya, México, Chiribiquete, Colombia, Pedra Furada, Brasil, Arroyo del Vizcaino, Uruguay y Monte Verde, Chile. El texto hace un recorrido especulativo en torno a los distintos lugares y descubrimientos. Las piezas son esculturas de arena y tierra conglomerada que representan alegóricamente cada espacio, cada una de ellas tiene un elemento específico en relación al hallazgo encontrado, por ejemplo, en Tlapacoya se encontró una navajilla de obsidiana debajo de un tronco de 24000 ap y la pieza contiene un tronco de obsidiana. El texto será con base en artículos científicos arqueológicos, otros referentes a la geomorfología del espacio y mitos geológicos fundacionales para involucrar diferentes capas de interpretación de la realidad, quedará como un audio ambiente en el espacio de las piezas.', NULL, 11889, 1, '2020-09-02 05:22:35', '2020-09-02 05:22:35'),
(498, 'Para coordinar la entrada al barrio se visitará la ciudad un mes antes, acompañado de organizaciones y referentes del territorio, se solicitará el permiso y apoyo de los caciques. 1) Primera semana se invitará a les vecines a sumarse a la propuesta haciendo entrevistas personales y grupales. 2) Segunda semana se recolectarán residuos en el barrio acompañado de les interesades. En un proceso colectivo se decidirán las historias a recrear y se harán los bocetos, en un espacio de taller que puede ser una escuela o comedor dentro del barrio. En las siguientes dos semanas se construirá en equipo la maqueta de 1:20. 3) Intervenciones 30 días. Para ayudar en la logística e instancia de taller se tendrá dos asistentes especializades en arte. El proceso de trabajo, entrevistas, recolección, construcción e intervenciones, serán registrados en audiovisual por les propies vecines desde sus celulares y con esto se editará el cortometraje. La experiencia comunitaria conforma la primer obra marco que dará lugar a las siguientes, la Intervención en el barrio y luego en la plaza, cuyas fotografías no solo registran estas acciones espaciales, sino que serán otra obra en formato de serie fotográfica sonora, acompañadas por un paisaje sonoro que contendrá fragmentos de las entrevistas de les vecines. 4) El audiovisual y las fotografías pueden ser expuesta en el MUBA de Resistencia o en los museos que Bienal Sur disponga. Se propone el segundo semestre de 2021 con protocolo sanitario.', NULL, 13708, 1, '2020-09-02 06:05:43', '2020-09-02 06:05:43'),
(500, 'El proyecto explora la violencia y migración desde la particularidad de las formas musicales del norte de México, teniendo como espacio de trabajo Jerez, Zacatecas, una ciudad de 50 mil habitantes con una rica tradición musical. Será el resultado de un proceso que se extenderá de marzo a noviembre de 2021, y contempla un programa público y de mediación desarrollados a la par de la producción.\r\nLa exposición creará un continuo entre violencia, migración y vida cotidiana. \r\nEn el primer nodo estarán Leo Marz y Adela Goldbard. Marz, músico y artista visual, crea nuevos lenguajes y metarrelatos sobre las condiciones de producción del arte, especialmente procesos incómodos u ocultos– y Goldbard –que vive y trabaja en Chicago, hogar de una gran comunidad mexicana– analiza el imaginario alrededor de las tensiones que surgen entre las narrativas del Estado y la violencia real que sufren diversos grupos sociales, en este caso migrantes.\r\nLos proyectos de Mario García Torres y Diego Martínez también abordarán la migración. El primero con la única obra ya existente que será incluida –una pieza ambiental entrelazada con una canción que cumple las normas del género– y Martínez, productor musical y artista sonoro, que nutre su trabajo con investigación de campo sobre las comunidades migrantes del estado de Jalisco.\r\nLo cotidiano se enfocará en la noción del tiempo suspendido –la espera, el trayecto, la fiesta– con Chantal Peñalosa, quien trabaja con intervenciones y gestos que alteran la vida cotidiana; el Colectivo Ocupa y Fernando Candber aportarán una visión local particularmente interesada en la historia e identidad zacatecana y sus maneras de ocupar el espacio público; e Israel Martínez desde la música callejera y la modalidad particular que toma en las ciudades de México: la del músico en la plaza central disponible para ser contratado, que en Jerez puede significar el comienzo de una fiesta en plena calle a la que cualquiera es bienvenido.', '¡Arriba la Banda!', 29859, 1, '2020-09-02 06:18:10', '2020-09-02 06:18:10'),
(501, '“And the buildings were growing taller and we couldn\'t see what was behind”  is a video installation that derives from recorded dreams of various people during the presidential election of a fascist president in Brazil. The artist placed an open call to visit people and record their dreams – 90% were women. \r\n\r\nA sense of instability, fear and uncertainty was common in most narratives, blending political figures and various private universes. Many dreams referred to an idea of future never yet imagined, a dissolution of human values, and apocalyptic settings - destroyed cities, floods, the Earth being evacuated and a profound sense of disorientation.\r\n\r\nThese narratives are transformed into a fragmented, nonlinear installation consisting of 2 videos, an audio on a bed with headphones and a stuffed rabbit. In the first video, the artist created in 3D the strongest images that appear in the dreams. The camera moves constantly in a travelling, like a walk through a speculation of how this dystopian and uncertain world would materialize. \r\n\r\nThe second video is a narrative written on a black screen, like subtitles of a nonexistent movie, mixing scenes and sensations from various dreams. In front of the videos, there is a bed with headphones, where the visitor can lie down and listen to the dreams in full length, narrated by the dreamers themselves. Mostly female voices speaking in a very quiet tone. Words and images relate without synchronicity, creating other possible narratives.', NULL, 29389, 1, '2020-09-02 06:18:14', '2020-09-02 06:18:14'),
(503, 'Para crear Pangea 2021, el reto más grande e interesante es conseguir personas comprometidas a trazar el contorno del mar, simultáneamente, en  distintas costas del planeta. Considerando los husos horarios, mientras la línea está siendo dibujada al amanecer en Argentina, en Japón el día está terminando. Esto aporta una interesante variedad de tonalidades de cielos, climas y paisajes proyectados en las distintas pantallas de la sala de exposición. Las proyecciones a  escala humana y los sonidos que inundan la sala logran que los transeúntes habiten estos distintos paisajes e incorporen en sí una fusión de todos ellos. En cada participante, Pangea se re-configura.\r\nPara animar a personas del mundo entero a performar, el internet y las redes sociales son un instrumento fundamental para difundir este llamado. El apoyo de BIENALSUR y otros actores será muy valioso para la divulgación del mismo. Previo a performar se socializará con los artistas la importancia de estar en estado presente de cuerpo, concentración y entrega a la experiencia por vivir. \r\nEsta línea efímera, irrepetible y entrecortada se convierte en diagrama y estructura de pensamiento que nos permite incorporar que las fronteras son siempre fluidas e interferentes. Este concepto es fundamental en nuestro cuidado y el de nuestro entorno ya que nos indica que somos parte de un meta-sistema extremadamente complejo y solidario cuya supervivencia depende de la intrínseca relación y respeto entre todos sus sistemas.', NULL, 30164, 1, '2020-09-02 06:20:00', '2020-09-02 06:20:00'),
(504, 'La propuesta que les presento es una instalación de gran formato compuesta por  cerámicas y pinturas. \r\nLas piezas en cerámica son un conjunto  compuesta por 5 torres o totems de mediana altura. Las piezas estarán apiladas una sobre la otra, sostenidas por un dispositivo de hierro. Jarrones, pañuelos, cabezas, floreros, sombreros y distintas series de formas ornamentales   que remiten las artes decorativas clásicas. Las  pinturas al oleo sobre tela estarán dispuestas como fondo, telón o escenario. La pintura representando alfombras similares a las persas o tapices colocados superpuestos en las paredes o pisos.', NULL, 32158, 1, '2020-09-02 06:21:39', '2020-09-02 06:21:39'),
(505, 'The beginning of the Dreevay series coincided with Trinidad and Tobago’s first wave of the Covid-19 pandemic and for the first time we were allowed as a society to slow down and take a few steps back. While for some there was this feeling of trammel, I found myself almost being grateful for this moment of stagnation. \r\nIn examining facets of my life and the relationships I had accumulated, the work in its very nature is an ongoing unpacking and reevaluation of lived experiences. Drawing inspiration from Homer’s The Odyssey and stories of Greek mythology this series aims to speak towards a journey of introspection and by extension becoming. By donning the titles of heroes and gods it allows for translation of language and a means of masquerade. In mounting the strengths and in some cases weaknesses of the characters whom I embody throughout the work, I contemplate the similarities of our circumstances and the results of our actions.\r\nEach piece is an inquiry into the extent of one’s power as the protagonist of their own story and are mediums by which the notions of loneliness and vulnerability that exist in the process of looking can be confronted.', NULL, 21818, 1, '2020-09-02 06:34:49', '2020-09-02 06:34:49'),
(506, '“Let me sea”_ Parte 1. El origen es el destino.\r\nEste trabajo, al igual que otros, empieza cuando me encuentro lejos de mi -supuesto- lugar de origen. Puedo atravesar mares y sentirme cerca. Esa tensión incómoda de proximidad y distancia al mismo tiempo, se disipa cuando recuerdo que tengo conmigo algunos objetos que traslado cada vez que me mudo. Llevo dos limones secos en mi equipaje desde hace veinte años, así como algunas personas llevan fotografías.\r\nDesconozco cuál será el tiempo de permanencia. Sólo sé que dos años son suficientes para percibir un vínculo, semejante al afecto humano, que me conecta con ese nuevo lugar. Durante esos dos años, convivo con nuevas piezas que de a poco forman parte de mi colección, junto con los limones.\r\n \r\n“Let me sea”_Parte 2. Mar de fondo.\r\nFaltaba poco para que el mediterráneo fuera algo lejano otra vez. Cuando tomé consciencia de esto, las paredes de la casa temporaria se convirtieron en un mar enorme. Telas como pieles al sol. Una santa desnuda. Dos limones, dos caracolas, dos piedras. Líquenes errantes en las paredes. Una pieza minúscula decapitada que prefiere la caída y no quiere volver a su lugar. Piedras que insisten en quedarse. \r\nDos años después, caigo en cuenta de que demoro en volver y en irme otra vez. Pienso que somos iguales a las cosas que se mueven.', NULL, 31195, 1, '2020-09-02 06:42:31', '2020-09-02 06:42:31'),
(509, 'Se estructura en cinco estatuas vivas (performers), distribuidas simétricamente en un espacio aproximado de entre 100 y 140 m². Cada performer ejecuta una danza minimalista que está interrelacionada con todas las demás, según esta distribución espacial: 4 estatuas en cada esquina del recinto, y una quinta en el centro (imagen adjunta).\r\nLa estatua central controla con el movimiento corporal la localización espacial de las fuentes sonoras en el campo de 360° en un sistema multicanal (4 a 8 canales). Las otras cuatro están coreografiadas en parejas opuestas con una fuente sonora local, controlada también por el movimiento, a través de dispositivos colocados en sus cuerpos.\r\nLos asistentes ingresan al espacio que se encuentra en penumbras. Cada estatua tiene un sistema de activación, controlado mediante un smartphone, de modo que cuando un asistente activa la performance de una estatua, lo hace tocando el dispositivo (touchscreen). Al trazar esta relación con el asistente, la obra cambia según su intervención: se desarrolla tanto si se interviene una sola estatua, como si se intervienen todas, lo que genera una interacción entre ellas.\r\nLa duración performática es por un tiempo limitado, durante el cual las estatuas interactúan con los procesos de manipulación sonora y visual que incluyen la proyección de un video mapping cenital sobre la estatua central, y luces DMX individuales, también controladas por el movimiento.', NULL, 19179, 1, '2020-09-02 07:15:37', '2020-09-02 07:15:37'),
(511, '“Amateur” es una investigación artística que tiene como ejes centrales, al tiempo, la mujer, la pintura y la imagen en movimiento. La obra se presenta en formato de  video instalación y se nutre de fragmentos de los primeros films eróticos y pornográficos de principios del siglo XX,  como “El Satario”,  “El baño de arena” y “Baño Prohibido”. Mediante procesos ligados al simulacro y la apropiación, el cuerpo principal de la obra adopta el formato de falso documental  y nos introduce en un derrotero existencialista que cuestiona el cuadro, a la pintura en general y al arte mismo.  La obra nos sitúa sobre la superficie del tiempo y nos propone un ejercicio; ser y estar en 1907. El proyecto reedita la historia del arte re-versionando obras emblemáticas de la pintura moderna. La obra intenta esquivar la mirada pictórica para meterse en la historia de las imágenes. La obra juega con el nacimiento del cine porno en la Argentina y en el mundo pero, esencialmente,  tira con munición gruesa hacia la historia de la pintura, acusándola de ser historia arqueológica, e historia de escenas estáticas, imágenes que si contaran una historia, esa historia no podría ser más que repugnante.', NULL, 32075, 1, '2020-09-02 07:59:15', '2020-09-02 07:59:15'),
(512, 'The proposed site-specific installation titled \'The Chaos In Order\' will consist of a large scale wall piece constructed out of 360 works of manually cut papers alongside 360 digital photographs, and 20 cement sculptures. The modular composition of the work allows a wide variety of spatial arrangements. The immersive scene that unfolds throughout the installation encompasses many respective scenes within it, different decentralized points of tension come together onto a single surface like a tapestry that traditionally contains many narratives, but depicts a single historical phenomenon. \r\n	Like many of us, in the past few months, I have been obligated to work from home. While quarantined in Los Angeles, a considerable part of my house began to transform its appearance into this proposed installation. Being present in the meditative process of manual paper-cutting, I am always amazed at how much reduction can reveal, how strong the absence of space really is. In recent months our world has gone through a transformation and a drastic reduction in our everyday life. Every few generations an event occurs that breaks down the current world order. The proposed project will excavate this chaos, a paradoxical moment in our history where forces of destruction and construction rapidly intermix and we are left to bear witness to a new order forming.', NULL, 10767, 1, '2020-09-02 08:10:17', '2020-09-02 08:10:17'),
(513, 'Identity Stories is an exploration of the shifting identities being built everyday in modern India. Rapid economic growth has led people to move out of their existing circumstances into new urban jungles. A once-hyperlocal society has suddenly changed into one in which movement outside core networks is seen as a means of progress. Discrimination in many urban Indian cities has given rise to violence in many cases. This installation questions why we identify someone as the \"other\" when we ourselves are a melange of so many cultures. \r\nThe episodic autobiographical stories of our two narrators take us on a vicarious journey, experiencing their memories with sensorial stimuli of scent. It is an attempt at using local scents, a form of intangible cultural heritage, to build a relevant narrative. In-depth and in-situ interviews of the protagonists were conducted to get a deep understanding of their lives and the associations they have built over time while helping us recreate those atmospheres in the form of audiovisual and smell sensations.\r\n\r\nThe installation uses blinking soft lights to invite users near the installation. As soon as the users are near the Loud-speaker shaped structures, the installation starts producing sound and slowly emanates small quantities of scent along with audio narration describing individual stories in the voice of the protagonist, allowing the audience to create their own perceptions based on the scents being emanated and the voice being heard.', NULL, 18782, 1, '2020-09-02 08:57:34', '2020-09-02 08:57:34'),
(514, 'Mir Abdul Attarwala is an attempt to enable a conversation on the lives of people in a conflict zone. The conflict for Kashmir is one of the longest standing modern conflicts and has led to the deaths of several thousand people and gross human rights abuses and violent repression. Our aim is to give voice to normal people from Kashmir and help viewers truly connect with these stories. \r\nThis is achieved through a multi-sensory installation which engages users viscerally and allows them to experience the horror through the medium of scents, poetry, and video. It consists of a wooden chest handcrafted by Kashmiri Artisans placed in an environment which reminds viewers of the natural beauty of Kashmir, with music playing in the background. The primary artifact, the wooden chest opens up to reveal mysterious vials consisting of scents, which upon further observation, reveal a story of a dichotomy of sweet memories and terrible realities of everyday oppression. This is further enhanced by poetry which follows the story of Mir Abdul Attarawala, a perfumer based in the Kashmir region. The deep connections between poetry and scents in the installation helped the audience emotionally respond to these artifacts and thus, identify with the situation.', NULL, 14376, 1, '2020-09-02 09:10:24', '2020-09-02 09:10:24'),
(515, 'The Fourth Greenhouse deals with the clash between nature and culture. It juxtaposes organic growing with man-made forms and it explores the idea of enclosing nature in glass cases (greenhouses) in order to gain an artificial paradise or exotic, unoriginal environment. The project is based also on storytelling and touches postcolonial topics. All these general problems are explained on the forgotten history of Josef Taaffe, English aristocrat living in the Czech countryside in the 19th century, and his fascination in botany. Taaffe who brought to his botanical garden plenty of exotic plants from across the world bankrupted due to his hobby and was forced to sell his property and botanical garden run wild. For this purpose, historical-theoretical research was carried out, which is summarised in a bilingual booklet (currently Czech/English but Spanish/English version is in preparation) and is a part of the output. Furthermore, the result of the project is a fictional herbarium, which recalls exotic plants grown in Taffee’s greenhouse, six printed textiles with few of the plants, cultivation tables with soil, on which glass sculptures are installed. Glass sculptures refer to the equipment of greenhouses – these are both remakes of decorative and technical objects. Installation would be completed by ready-mades exotically looking objects. The spatial installation could take place in a botanical garden or ideally in some abandoned old metal construction of the greenhouse.', NULL, 20134, 1, '2020-09-02 09:46:11', '2020-09-02 09:46:11'),
(516, 'Este proyecto utiliza algunos valores de herramientas etnográficas tales como el trabajo de campo enfocado en la oralidad, la documentación visual y la construcciones de montajes escenográficos de corte etnográfico. Dichos recursos me ayudan a generar tan sólo una parte de todo un armado de elementos que se apoyan en la Instalación, en la escultura, el texto y el performance para poder definir materiales, formas y recursos plásticos, performáticos y poéticos.\r\n\r\nEl proceso descrito es una guía para intuir el diálogo de disciplinas. Por ejemplo, desde la aparición del monolito con la imagen de la Virgen de Guadalupe, plegarias y rezos se comenzaron a escribir sobre piedras que actualmente se colocan al pie del monolito y ya no al interior de una cueva del cerro, como antes. Así, retomo ese gesto de comunicación espiritual y lo ejecuto en la instalación al escribir en cada piedra una letra para formar la frase: “erguidas esperanzas de mi boca en tu nombre nos festejan”. Frase pensada como un rezo que es un poema que intenta ser un aullido que surge en un momento de mi vida personal en el cual había terminado mi relación con mi pareja de aquel tiempo.\r\n\r\nEsta es una forma de trabajo que ha estado presente en mi obra ya que hay una fijación hacia la tradición oral, el papel del paisaje en las relaciones humano-no humano, la cultura visual producida en México desde la época colonial hasta la actualidad y mi posición como artista y persona atravesada por un mundo personal y social.', NULL, 11230, 1, '2020-09-02 09:58:48', '2020-09-02 09:58:48'),
(517, '[s-a-p-o] is a Beirut-based artist duo that tackles intimacy in bathing rituals. With the rise of Covid-19, we concentrated our studies on material speculations of soap, the material that keeps our society intact. \r\n\r\nOne of these studies, [soap portraits], is a series of soap-bars intimately speculating on this daily and crucial material. By encapsulating bodily residuals of the artists in these bars, the installation aims to underline soap as an intimate repository of organic material. The project is already finished and stored in Beirut. Luckily for us, none of these objects have been damaged by the grim Beirut-blast. Thus, [soap portraits] are safe and intact. \r\n\r\nEach of these bars are planned to be shown on a soap-holder that will be positioned on a white-wall next to one another. The soap-holders, aka pedestals, will be positioned on a height that is generic to bathroom architecture to reference their use purpose. \r\n\r\nIf selected, the soap-bars, as well as the soap-holders will be shipped from Beirut to Buenos Aires. The material is very light in weight.', NULL, 33239, 1, '2020-09-02 10:38:38', '2020-09-02 10:38:38'),
(518, 'Ideas complementarias:\r\nEste proyecto fue concebido como parte de una serie de obras en torno al mismo fenómeno, por lo tanto el díptico propuesto, podría ampliarse potencialmente a un tríptico de las dimensiones ya señaladas ( 150 x 256 cm. c/u) junto a un par de pinturas en pequeño formato, y algunos bocetos del proyecto original. Todo esto sujeto a discusión con la organización.\r\n\r\nLa elección del  pixelado como método constructivo busca reforzar el origen digital de la imagen, asi como exaltar la tensión entre la mecanización del gesto pictórico y la singularidad de la traducción manual como forma de espesor con respecto a la volatilidad de los motivos. \r\n\r\nMe interesa también destacar el rol  de atestiguación histórica de la pintura como dispositivo, ante una estética impuesta por la proliferación de plataformas de videojuego, cuyas exploraciones glorifican la Anomía. Esta cultura ha encontrado expresiones analógicas en el contexto de las protestas y procesos de revuelta social. El Usuario digital, como manifestante, se comporta ya no solo como personaje, si no también como funcionario, planificando y escenificando coreográficamente su propia épica en las escaramuzas con la fuerza pública. Es una performance deliberada para ser registrada, y posteriormente viralizada. El potencial subversivo es subsumido y la acción reincorporada al mercado de las redes sociales, donde los contenidos cohabitan en franca contradicción e indiferencia.', NULL, 33902, 1, '2020-09-02 11:07:38', '2020-09-02 11:07:38'),
(519, 'Regeneration strategies is a collaborative project proposed by Charly Nijensohn who invited a selected group of artists, designers, and scientists in order to plan the construction of a serie of sculptures, utopian projects and biotopes which could provide shelter and protection to different species of migratory birds along their flyways.Once in location, intend the transmission of data and live video of their individuals and communities to a control room that should work like a research center where images and information on the behavior of the bird population, during their migration, will be collected and displayed in multiple monitors. The main idea of this installation is to get closer to their community though different artistic or intelectual approaches, thus creating an identification with our feelings of care an striving for life.\r\n\r\nAs we are now aware, we are facing the progressive disappearance of natural spaces, the forced change of behavior or progressive extermination of different animal and plant species throughout the planet. The rapid and unplanned human expansion and consequent climate change has created a disruption in the planetary ecosystem, this has led to an extreme situation border on an unprecedented catastrophe. Regeneration strategies is another wake-up call on the general situation in the world by means of creating empathy and sense of community with other species.', NULL, 30717, 1, '2020-09-02 11:09:34', '2020-09-02 11:09:34'),
(521, 'En “Sculptural Abstractions” trato de crear preformances que a través de la abstracción del cuerpo profundizan en el concepto de pertenencia. Para crear estas formas abstractas mi físico es llevado a su límite, pero sin que esto sea desagradable para el público. La performance es preparada con precisión y se convierte en una composición absurda y poética que juega con la perspectiva y la percepción visual. El público es transportado a un viaje emocional y estético a través de acciones sutiles e intensas, que sugieren diferentes lecturas y cuestionan una serie de temas relacionadas con diversos pensamientos contemporáneas.\r\n\r\nTodas mis performances son inéditas creadas en y con el espacio dónde se muestran, por eso tiene gran importancia la estrecha colaboración y el dialogo con el jurado y los comisarios para encontrar el espacio adecuado y así llegar a un resultado final interesante. Es el espacio el que determina el resultado final de la performance, su estética, las diferentes acciones que la componen y los materiales utilizados. Habrá que discutir si se trata de una sola performance o de una serie y si éstas serán mostrados en el mismo espacio o en diferentes. \r\n\r\nTal y como se refleja en el presupuesto, mi trabajo es de bajo coste, ya que utilizo materiales de fácil acceso y - o naturales y que no dejan una gran marca medioambiental. \r\n\r\nEn el caso de que en el 2021 sigamos tendiendo limitaciones de viaje, estoy dispuesta a discutir otras posibilidades de mostrar el trabajo.', NULL, 11878, 1, '2020-09-02 12:35:46', '2020-09-02 12:35:46'),
(523, 'The Crown Letter is not as an exhibition, but as a state of mind,  a spirit of things.\r\nFrames for the Crown Letter\r\nFRAME 1 – In reality\r\n1 – A large hall in a significative place with strong associations, for example, the Hotel of Immigration\r\n2 – An installation whith fournitures which refer that conjures to the working place spaces as well as home spaces arranged spatially to the refer to the Crown / Constellation, circle.\r\n3 – Medias, printed matters and texts will be shown  inon screens, as printed postcards, and a newspaper publication. They are spread laid out on tables, in relation according to  to each ones artist’s wish and work.\r\n\r\nFRAME 2 – In virtuality\r\n1 – The Crown Letter is will continue to be still published weekly. Some of us would address question in their work the situation of reality / virtuality, distance/absence, the local/global, intimacy/public\r\n2 – The Crown Salon are will still happening be held weekly. For the first time, They we will be opened the Crown Salon to the public who will join the Salon use using the installation as  a gathering and presentation room \r\n3 – The radio of Bienalsur will transmit the Crown Salonq as well as some lectures performances readings of works from The Crown Letter\r\n\r\nFRAME 3 – History\r\n1 – We will edit a film based on the archives of more than 20 twenty weeks of Crown Salons/Letters. The film will reveal our evolving in the history of the lockdown', NULL, 32440, 1, '2020-09-02 13:08:01', '2020-09-02 13:08:01'),
(524, 'A mixed media installation looking at the field of Technology, New Sublime and the Voices of Non-Human Agents.\r\n\r\nA significant impact on the work was made by a field trip to the human exclusion zone of the Fukushima I Nuclear Power Plant, where a major radiation accident occurred in 2011, and a meeting with scientists from the Tokyo Kobayashi LAB, conducting a monitoring of animals in the zone.\r\n\r\nThe work reflects on the scale of the reorganization of nature by humans and explores the emergence of new ecologies as a result of human activity. Considering the growing in recent years trend of tourism to places of environmental disasters, the work seeks to explore what sensual experiences such trips provide. Do they give a connection to «the sublime», which in concepts of aesthetics, refer to the ideas of great and dangerous beauty? How has the very concept of \"sublime\" changed, which in European intellectual traditions of the 17th-18th centuries was connected with nature, and in the 20th century with technology (\"technological sublime\")?\r\n\r\nPart of the installation is the JBL speaker broadcasting real-time sounds from the radioactive forest of the Fukushima. For broadcasting, a website developed by Kobayashi LAB is used. \r\n\r\nAnother component of the installation is a film-collage made of materials filmed during an excursion to the zone. The video contains fragments of audio recordings of guide comments during a bus tour.', NULL, 13670, 1, '2020-09-02 13:14:50', '2020-09-02 13:14:50');
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(525, 'El título parafrasea a la escritora afroamericana feminista y lesbiana Audre Lorda: ¿nos sirven las herramientas del amo para desmontar sus narrativas y temporalidades? ¿Qué herramientas necesitamos?\r\n\r\nLxs artistas invitadxs trabajan entre la investigación y prácticas colectivas, utilizando el contexto artístico como un campo de experimentación narrativa y de lenguajes performativos, con y desde contextos locales, pero pensándolos desde problemáticas globales. Planteando un proyecto con publicaciones, talleres, performances e intervenciones, Desmontar… crea una experiencia inmersiva en consonancia con debates urgentes que intentan dar respuesta a la emergencia climática y política neofascista global. La mirada desde un sur global, desde cosmovisiones africanas y latinoamericanas es clave para construir una visión contrahegemónica de nuestra relación con la tecnología y la naturaleza. \r\n\r\nLa selección se ha hecho uniendo trayectorias muy asentadas con otras con menor desarrollo y visibilidad internacional, no mirando a sus prácticas individuales, sino a sus posibilidades como conjunto. Desde sus diferentes lenguajes, estxs artistas parten de la imposible separación entre cuerpo y conocimiento, uniendo escritura, performances y relación con la arquitectura.\r\n\r\nAunque la propuesta esté concebida pensando concretamente en el Hotel de Inmigrantes, me parece fundamental realizarla en colaboración con otras instituciones, de este modo -como se puede ver en el presupuesto- estamos conviviendo la propuesta desde distintos lugares, para profundizar en una visión descentralizada de la práctica artística, capaz de crear sus propios tiempos y territorios.', 'Desmontar el reloj del amo', 29608, 1, '2020-09-02 13:23:24', '2020-09-02 13:23:24'),
(526, 'Social theorist Elizabeth Povinelli asks ‘are we extending the qualities and dynamics of one form that we believe existence takes (Life) onto the qualities and dynamics of all forms of existence? When we do this are we denying the ability of other forms (the not-Life not-Nonlife) to undefine, redefine, and define us?’ \r\n\r\nThe Politics of Breath, A Pulse of Constant Becoming is an exhibition to interrogate the axial vector of late liberalism through the lens of the relationship between human, non-human and all-too-human structures to think of the myriad ways in which people are connected to a broader world of life, or how this fundamental connection changes what it might mean to be human. \r\n\r\nThe deeper crises of late liberalism, environmental injustice, and communal tensions have convulsed us into consider enmeshments  in order to destabilise worlds with other worlds of thinking as well as to question which forms we think other forms with. The Politics of Breath, A Pulse of Constant Becoming brings together artistic works and research positions from across the world in an endeavour to blur the lines between natural life and critical life and evoke a phenomenology of the multitude in the hope to produce new territorialisations and broader entanglements.\r\n\r\nDrawing from the continuity between beings and the environment, the works selected in this exhibition calibrate a new thinking around plant consciousness, critical philosophy and cultural theory.  The exhibitions cartography divides into four different modes of thought: \r\n\r\nBeing; Late Liberalism and its reverberations on beyond the human.\r\nClaiming Historiography (Story-telling);  how does one make relevant the collective memories, personal narratives, inner worlds, stories, and protagonists located within the margins of history? \r\nBecoming (Entanglements); the relationship between human and non-human, life and non-life\r\nEnchantment (Healing); the process of undefining, defining and redefining', 'The Politics of Breath, A Pulse of Constant Becoming', 13131, 1, '2020-09-02 13:46:33', '2020-09-02 13:46:33'),
(530, 'The exhibition proposed is titled Break the Trance, will gather an array of visual materials designed by Adbusters. \r\n \r\nThe exhibition will display artworks, posters, spoofs ads and cover magazines that chart climate change, economic and environmental issues, just to name a few topics.  \r\n\r\nRegarding the amount of materials it will be according to the available exhibition space. The display might collect 15 posters (50 cm x 70 cm), 20 magazine’s cover (20 cm x 30 cm), 5 large posters (110 cm x 70 cm), a cloth banner (11300 x 150mm) — with the title of the show — and around 2000 stickers to freely be given away to the visitors.\r\n\r\nAll the Exhibition Materials has to be produced. \r\nThey can be printed in Sao Paulo, as Pedro Inoue, Adbusters creative director’s, is based in Sao Paulo (Brazil), so he can easily follow the production process.  It will be interesting to have an intervention by him in the exhibition space. He could draw with spray-paint on the posters and in the exhibition space.  \r\nhttps://www.youtube.com/watch?v=myrTxGlV6UA\r\n\r\nI’m attaching in the following step a visual display of Adbusters\' previous exhibitions held in Korea, and some posters, so you can have a clearer idea of how it could look like. \r\n\r\nIf you plan to select a Brazilian location for this show, Inoue could help you during the set up of the show. I would love to come over for the setting as well, but as I live in Milan (Italy), I’m not sure if I will be able to come to South America due to the current COVID-19 restrictions.', 'Break the Trance', 9761, 1, '2020-09-02 13:59:49', '2020-09-02 13:59:49'),
(532, 'El proyecto \"Sudameri-Chan: retrato Latino\" consta de tres obras montadas a muro blanco, exhibidas en un mismo espacio. \r\n\r\n1) Instalación de 15 juguetes de la serie Pokemon marca Bandai, de los personajes “Nosepass” y “Probopass” (parodias de los Moais de Rapa Nui. Isla de Pascua, Chile). Las figuras son instaladas sobre una repisa blanca, repitiendo la configuración de Ahu Tongariki, la principal serie de Moais de la isla. \r\nLos juguetes –de edición limitada– repiten la épica de la serie Pokemon al ser conseguidos desde diversos países: Brasil, Argentina, Japón, España y Reino Unido, entre otros. El gesto poético de la recolección multipolar refiere a la utopía de recuperar los Moais saqueados de la isla en épocas imperiales y que hoy en día son exhibidos como objetos de museo alrededor del mundo.\r\n\r\n2) Dos pantallas plasma a muro funcionando en paralelo. La pantalla izquierda reproduce en loop una escena del videojuego “Super Mario Odyssey” (se ve al personaje principal con poncho mexicano interpretando una ranchera). La pantalla derecha muestra comentarios de usuarios de Youtube discutiendo el video de Mario, la apropiación cultural, los estereotipos mexicanos y el racismo. Por cada comentario suena una moneda del videojuego.\r\n\r\n3) 10 retratos al óleo de personajes Animé de ascendencia latinoamericana que representan “lo latino” según Japón. Se develan estereotipos visuales (tez oscura y ropas desgastadas) y prejuicios culturales (afición por las armas o el fútbol).', NULL, 20575, 1, '2020-09-02 14:56:33', '2020-09-02 14:56:33'),
(533, 'Vivo en La Boca de Monje, un paraje de pescadores sobre el Coronda, brazo del Paraná. Hace mil años, acá la aridez dio paso al río. Desde entonces estas islas y costas fueron habitadas por chaná. Donde está el pueblo, la Corona Española fundó una reducción para retenerlos y explotar su trabajo. Con el tiempo, la violencia colonial los hizo desaparecer. Sus historias hoy son poco contadas y es mucha la gente que ni siquiera les escuchó nombrar.  \r\nEn La Boca no hay museo. Hace veinte años, hubo arqueólogas de la universidad haciendo excavaciones acá pero las piezas que hallaron, se las llevaron. Mis vecines encuentran cerámicas en el río y las guardan.\r\nQuiero visitarles en sus casas, entrevistarles y montar una instalación con el registro de los encuentros, recuperar el vínculo de mis vecines con la memoria chaná. En la muestra habrá relatos y material de archivo. Las piezas arqueológicas aparecen en sus palabras, y en las fotos que retratan a cada persona con su colección y a las piezas en sus espacios de guarda. \r\nEn la sala principal hay audios, sillones para sentarse a escuchar, y un texto que cuenta la historia de mi relación familiar y emotiva con en este lugar. La sala pequeña tiene fotos en portarretratos y en un álbum, una mesa con mantel de puntilla y floreros, un escritorio con carpetas para hojear el archivo de las entrevistas, y un texto sobre el resultado de las excavaciones escrito por las arqueólogas. La inauguración es una peña en el patio del centro cultural.', NULL, 1871, 1, '2020-09-02 15:07:50', '2020-09-02 15:07:50'),
(535, 'Según Georges Bataille el crecimiento es “la preocupación del individuo aislado, que no mide los límites, lucha penosamente para asegurarlo y no se ocupa jamás de las consecuencias”. La globalización y el crecimiento acelerado nos han llevado a un colapso anunciado; mientras la automatización tecnológica podría liberarnos de tantas exigencias, el afán productivo ahoga al desarrollo individual. Homesick encara el momento actual, confuso pero lleno de posibilidades, para preguntarnos a qué condición humana aspiramos. Tras la experiencia del Capitaloesceno, el confinamiento y la desaceleración forzosa, debemos trazar nuevos protocolos de vida, promoviendo el apoyo mutuo y la ecología. \r\n\r\nLas esculturas de ‘Juni’ Figueroa y Pando responden a la crisis refugiándose en la domesticidad cómo terreno adecuado para curarse, repensar los objetos y reconocer la vanidad del crecimiento infinito. Salazar, Roberts y de Vries ofrecen miradas críticas a la realidad tecnológica actual, con sus normas presenciales, su anestesia y su permanente exigencia de consumo. Las señales de de Vries muestran la dificultad de guiarse hacia un futuro marcado por la virtualidad y los efectos del antropoceno. Las instalaciones de gran formato de Leonhardt proponen nuevos protocolos que alteren el actual sistema de valores, mientras el vídeo de Pasquet ficcionaliza el fin de la era postindustrial. Las obras textuales de Uribe señalan desde el humor las contradicciones y limitaciones de la cultura y Jiménez-Landa sugiere formas de productividad que radican en lo inútil y el juego. Finalmente, Fernandes nos lleva a la contemplación y al no hacer como resistencia, al sueño de una sociedad más igualitaria, por fin liberada de la obligación de trabajar.\r\n\r\nLa exposición se desplegará en un conjunto de ambientes contiguos, como interiores domésticos, en los que encontrarse con las diferentes propuestas instalativas. Incluiría un espacio para las actividades a cargo del artista y mediador Jordi Ferreiro.', 'HOMESICK. Lost in Tech, Time and Causalities', 9082, 1, '2020-09-02 15:09:49', '2020-09-02 15:09:49'),
(536, 'En este momento tan particular, en medio del aislamiento, cuando nuestras formas de relacionarnos y la movilidad tal y como la conocemos están siendo redefinidas, considero que es el momento adecuado para llevar a cabo este proyecto, \r\nLa intención de este Proyecto es reforzar la necesidad de redefinir los espacios que habitamos y su uso. Proporcionado un entorno flexible donde las relaciones con los demás pueden desarrollarse. \r\nLa construcción, ya sea física o simbólica, actúa aquí como algo que simultáneamente separa y conecta; contiene y restringe; limita y articula a través de su uso. \r\nLa arquitectura es un punto de encuentro, un lugar incompleto y a su vez una zona de negociación. En este caso funciona como un lugar en el que se investiga lo ordinario para comprender su significado y reflexionar sobre su uso. \r\nRituales Cotidianos intenta encontrar el punto justo entre la arquitectura, el diseño, lo netamente utilitario y la frescura de lo improvisado. Donde la escala juega un rol fundamental, por un lado tiene una escala humana ya que puede moverse, usarse, sentarse, etc. y por el otro lado tiene indicios de una arquitectura monumental, clásica. Que está dada por la única referencia que nos ofrece, que es el diseño de la moldura.\r\nLa forma en que habitamos y su reformulación es un aspecto fundamental que debemos tener en cuenta en estos tiempos y sus posibles alternativas.\r\nDar lugar, un gesto mínimo a gran escala.', NULL, 30587, 1, '2020-09-02 15:26:06', '2020-09-02 15:26:06'),
(537, 'Wakabout focuses on walking as it intersects with urbanism and the informal economy in the context of ‘the planned city’. The planned city represents the rote execution of a God’s eye city view that purports to make complex urban realities readable in a plan and in the process, is oblivious to existing realities. \r\nBy considering walking as an elementary way one experiences the city, the project enquires into the feasibility of imported Western planning concepts in a localized context, especially against socio-economic realities in Nigeria. It seeks to probe how conducive urban life is for practitioners of the city who bear the brunt of a difficult socio-economic climate and for whom walking is an economic necessity. How do the specificities of urban Nigerian life fit alongside these plans? \r\n\r\nAbuja is currently the city in focus and the project uses the Abuja master plan document as the primary research source on which the visual identity of the project is built. The subjects of the pictures are located around the city but have been edited to be isolated from the original environment in which they were photographed. This is in reference to these spaces not being accounted for in the master plan. \r\nViewing the work from between the red line and the yellow line is inspired by a policy in Accra, Ghana which confines street vendors to a restricted selling area with the attraction of fine if infringed and serves to reinforce the marginalization orchestrated by these plans.', NULL, 32902, 1, '2020-09-02 15:29:16', '2020-09-02 15:29:16'),
(538, 'As culture lies threatened globally by the rise of right-wing nationalism, The Pleasure of Expense is a timely dissection of culture’s relationship with political power and the strategy of the political gift. As a tactic of soft power, the gifting of artistic and architectural works to ideological structures is essentially a tokenistic act. Entangling governments and citizens in a deliberate instrumentalising of culture for political benefit, the economy of gifting offers an enticing spectacle of benevolent solidarity. \r\nCibic\'s project composes from a gallery-specific film installation and a live performance - the ensemble of which subtlety decodes the apparatus and appearance of the nation state to open alternatives to the existing regime of political and aesthetic possibility.\r\nThe visual touchstone of the exhibition is an immersive mural depicting ex-Yugoslav monuments, gifts of the state and its people to the antifascist struggle. Projected onto this assemblage Cibic’s film conjures the Palace of Nations in Geneva – home to the first attempt at transnationalism in Europe, whose interior was comprised of gifts from member states.\r\nWithin the installation, an all-female operatic ensemble performs excerpts of political speeches made during key moments of socio-political crisis of the 20th century. Sung whilst reclining on hammocks, embroidered with political slogans, the new performance brings state power, modernist architecture and the body into a single spectacle.', NULL, 9939, 1, '2020-09-02 15:31:27', '2020-09-02 15:31:27'),
(540, 'Se divide en 3 actos en los que se describe desde diferentes perspectivas una relación que evoluciona continuamente desde la confrontación a la colaboración. \r\nEs un video coreografiado en colaboración con David Thanatelo April (SA). Se trata de una afrofusión con componentes de danzas tradicionales del sur de África (Indlamu –Zulu- o Setapa –Tswana-), y de España con elementos del flamenco, y del street dance.\r\nPor un lado, Javier aporta una deconstrucción de un repertorio gestual de iconos de la música popular española. Los relaciona con la similitud de estos con una serie de movimientos de manos que observa en archivos de foto y video de su abuelo materno cuando ocupaba el escenario para dirigir eventos sociales.\r\nPor otro lado, relaciona estos gestos con dinámicas corporales utilizadas en el street dance.\r\nDavid, por su parte, se desarrolló como educador, coreógrafo y activista de la danza en el entorno Sudafricano marcado por el Apartheid. Entiende el cuerpo como el último lugar político en el que ejercer la libertad. En la conversación, este aporta una serie de lógicas de movimientos y narrativas corporales que son comunes en diferentes bailes de diversos grupos étnicos de sur del continente, y que tienen en cuenta la historia social de estas.\r\nA partir de estos gestos, se lleva a cabo una conversación corporal por diferentes escenarios. En una construcción continúa de acercamiento/distanciamiento, entre cuerpos y entre las similitudes de la gestualidad de ambas identidades', NULL, 29794, 1, '2020-09-02 15:49:24', '2020-09-02 15:49:24'),
(541, 'Bajo la forma de instalaciones o conjuntos escultóricos, esta propuesta trata de una puesta en escena de estos mismos, intentando con ellos guiar la mirada y pensamiento del espectador, provocando su modo de percibir e interpretar aquellas conocidas y familiares estructuras como por ej. “una mesa”, para que esta se convierta en escultura invadiendo peligrosamente el estado de los objetos que están destinados a servir o presentar, y, viceversa.  Estas escenas generan en estos objetos, aquél “pedestal” ambiental dirigido a transmutar su funcionalidad originaria, para que desde el comportamiento y actitud con su entorno, puedan trascender su status quo. \r\nLos escenarios se constituyen con una serie de piezas a las que denomino “entidades formales”: piezas estructurales modulares y formas geométricas puras, cuerpos rígidos en diálogo con materiales blandos y flexibles, explorando las particularidades y calidades propias de cada material. Vincular la sustancia material de una roca, un árbol, de una masa orgánica amorfa con objetos industrializados como el metal y el vidrio, así como también su transformación acorde a comportamientos y actitudes, desde la presión, tensión/suspensión entre ellos.\r\nEstas entidades formales circundan la ambigüedad, versatilidad y la funcionalidad del objeto. No buscan generar objetos autónomos ajenos a su contexto, sino que encuentran su manera definitiva en la tensión y relación entre ambos', NULL, 26353, 1, '2020-09-02 15:57:39', '2020-09-02 15:57:39'),
(542, 'En la primera parte, traté el cuerpo emigrado con una forma de subjetividad. Ahora me ocuparé del cuerpo en resocialización, un cuerpo que busca nuevos puntos de fijación. Un cuerpo distópico.\r\nUn cuerpo colectivo en una pandemia buscando salidas, otros caminos y lugares.La raíz fue cortada y la cicatriz es pulsante.Nos han quitado el lugar imaginario de dueños de la tierra. Ahora, todos somos inmigrantes de un lugar que no existe. Viajeros desarraigados, mutantes en busca de otra cultura. Eso puede ser más o menos violento. Es necesario inventar un nuevo ser humano para habitar la Tierra.\r\nMe inspiré en la filósofa Denise F. Silva en su artículo Diferencia sin separabilidad, para pensar en los movimientos migratorios como un intento de sobrevivir a las desigualdades sociales, que invariablemente están vinculadas a temas racistas y expulsan a su gente de sus tierras. La propuesta de la autora es desmantelar la máquina separatista e imaginar una configuración del mundo anti-antropoceno, donde humanos y no humanos se vuelven solo existentes, cada uno en el ejercicio de su singularidad en expresión de un todo. Imaginar un enredo, siendo imaginar una ética y el enredo, lo contrario de la experiencia de la separación.\r\nDicho esto, creo que el sueño de John Lenon se hizo realidad, pero en su versión de pesadilla. Para sobrevivir, necesitamos imaginarnos como un solo pueblo en una sola tierra, creando raíces para un cuerpo colectivizado, ejerciendo la coincidencia entre tierra y lugar.', NULL, 20316, 1, '2020-09-02 15:58:11', '2020-09-02 15:58:11'),
(543, 'Monsanto: una investigación fotográfica ideada por Mathieu Asselin caracteriza un cambio en las prácticas fotográficas documentales, se expande más allá de los documentales convencionales de testimonio de testigos oculares y del foto-realismo, entrelazándose mas con un practica conceptual. El enfoque de Asselin es a largo plazo, se basa en la investigación y adopta una serie de estrategias visuales y de comunicación que construyen el proyecto como un archivo de varias capas que puede adaptarse a diversos contextos y lugares de presentación. Su profundidad y la adopción de formatos informativos tiene la capacidad de comunicar a un público amplio, mucho más allá del pequeño mundo del arte. Es una lucha contra un gigante corporativo y multinacional, llamando la atención sobre algunos problemas muy graves en torno a la agricultura, los productos químicos y la producción de alimentos a escala masiva. Lo que expone afecta a millones de personas en todo el mundo, por lo que es muy importante conocer el mundo oculto de Monsanto.', NULL, 22204, 1, '2020-09-02 16:15:16', '2020-09-02 16:15:16'),
(545, 'Para Michel Serres, al desconocer el universo natural como sujeto de derechos, la sociedad evitó la guerra de todos contra todos, pero no evitó la guerra de todos contra todo. La tesis de Serres siempre ha sido un punto de partida para el perspectivismo amerindio, que considera el espacio entre humanos y no humanos como un espacio socializado. En la exposición, mientras Paulo Tavares investiga las múltiples dimensiones del bosque como entidad geofísica y legal, Rember Yahuarcani y Victor Churray presentan la cosmovisión de sus respectivas culturas. Son otros ejes presentes, las plantas alimenticias no convencionales (Renata Peixe-Boi); la arquitectura ribereña e indígena (Modos de Habitar); el comportamiento social emergente de los insectos (Kuai Shen); los geoglifos amazónicos (Ranzi, Barbosa, Schaan); la sofisticación de las líneas y formas de las plantas (Sheroanawe Hakihiiwe, Abel Rodríguez), lo que despierta este lugar vital en el imaginario social (Antonio Wong; Gilda Mantilla, Raimond Chaves; Hélio Melo), y el ​​protagonismo de las comunidades que protegen este rico universo (Bruno Kelly, Gê Viana y Radio Floresta). En un mundo que requiere soluciones innovadoras, el biólogo Stefano Mancuso aún sugiere que el futuro tome por sí la metáfora de las plantas, que puede enseñarnos a actuar de manera cooperativa, descentralizada y no jerárquica. Sobre esta potencia de la sabiduría natural hablan Aileen Gavonel, el grupo Diálogos Materiales, y Aniara Rodado. En un contexto de pandemia y calentamiento global, creemos que es fundamental crear espacios para pensar críticamente sobre la economía antropocéntrica, y sobre la capacidad única de estos momentos conducirnos a nuevos arreglos sociales y culturales. La muestra también se acompaña de una programación que busca ofrecer un lugar de convívio y elaboración colectiva de herramientas para la imaginación social. Si cada hoja tiene un ojo, quizás aquí podamos capturar algo de la fuerza ingobernable de la naturaleza.', 'El ojo de cada hoja (el título ha sido reformulado desde la primera aplicación para reflejar mejor el eje curatorial)', 13176, 1, '2020-09-02 16:48:13', '2020-09-02 16:48:13'),
(546, 'Nos interesa mediante esta selección de obras trazar recorridos que contemplen puntos de encuentro entre el arte contemporáneo y el diseño textil evocados en este hallazgo curioso de nuestro patrimonio. La muestra propone un intercambio de miradas, de puntos de vista; enunciados que se manifiestan de diferentes maneras pero que convergen en este intercambio histórico-cultural entre el arte y el diseño donde el textil es el telón de fondo y protagonista a la vez. \r\nLa relectura de estas piezas textiles del siglo pasado desde el cristal del diseño y del arte contemporáneo nos permite  poner en valor su gesto anticipatorio y provocador, evidente en estas anamofías iconográficas. \r\nLas mantas que de manera inconsciente anticipan gestos y operaciones del arte contemporáneo, rompen con la iconografía establecida por su tradición andina y a su vez con la europea ilustrada en los manuales de patrones de DMC. Herbin, a tono con sus decimonónicos retoma el lenguaje de las Toile de Jouy para sus crónicas discontinuas contemporáneas. \r\nLa obra de González Palma, resume el tono de la muestra; en la metáfora de esta sábana-territorio, que es viaje, intimidad y épica, se vislumbra el poder performático de la tela que se encuentra siempre en acto, en escena. \r\nPastorini, en su instalación, nos advierte de una posible lectura “etimológica” entre tela-obra, ¿la tela es tela por metro antes de ser obra? \r\nChiachio&Giannone se apropian de manera consciente de las estrategias del diseño amplificadas en el arte contemporáneo, el hacerse eco de este rediseño continuo y apropiarse de patrones de Delaunay, Izcue, Albers, artistas-diseñadoras vanguardistas que encuentran en el diseño textil la ansiada unión entre el arte y la vida. \r\nRyan en doble operación traspone flores de artistas contemporáneos a enterramientos que evocan rituales andinos y hallazgos arqueológicos. \r\nYannitto también participa de estas idas y vueltas que nos interesan, donde la tela nos nombra y proyecta como cultura.', '¿Cómo llegan las flores a las telas?', 33457, 1, '2020-09-02 17:00:40', '2020-09-02 17:00:40'),
(547, 'The project “Awrah عورة” started after stumbling upon a found copy of John Berger’s “Ways of Seeing” ; in which the author studies the representation of naked female bodies in oil paintings (Botticelli, Manet...) as well as in advertising images. While exploring this book I discovered that all the paintings and drawings with nude bodies were censored, the sensitive body parts were hidden by white stickers. This happened when the book was checked by the Qatari customs. This discovery brought up several questions related to the way the body is treated in the history of art, and how the act of censorship directed towards a taboo triggers more curiosity to see the unraveling of what’s hidden underneath.\r\n\r\nAlthough the Arab civilization opened up to the human body for scientific research (e.g: Avicenna, Arrazi…), the contemporary Arab society still holds a negative perception of the body. In fact, talking about sex in the gaze that Islam poses on the body is very essential, because around it everything else is created,  according to the exegesis of the VII century Al-Qotbî: \"what God created first in man is his sex\" the sex is a hole in Arabic (farj), a “incision”. We cannot think of the body in Islam other than sexed or Awrah (Nakedness).\r\n\r\nThrough this project, I’m trying to interrogate how naked bodies are represented in contemporary Arab society, how the body is psychically, socially, sexually and representationally produced, and how can we rethink our way of looking at nudity.', NULL, 5342, 1, '2020-09-02 17:10:54', '2020-09-02 17:10:54'),
(548, 'Geometría Popular trata sobre el conflicto humano, reducido al plano de las figuras geométricas, del cuadrado, triángulo y círculo, es una coreografía metafórica centrada en relaciones humanas. \r\nEn la primera fase, la del cuadrado, aparece una masa de personajes que evidencian un enfrentamiento. La masa termina dividida en dos triángulos y dando paso a la siguiente fase. Su estructura cuadriforme obliga a la masa a estar unida en una especie de formación militar donde todos sus lados son iguales. Al igual que su estructura, la situación en su interior es igualitaria. En una segunda fase, esta aglomeración cuadrada se divide en dos formas triangulares. Estas figuras representan la estabilidad. Cuando estos grupos humanos se convierten en triángulos llega un momento de paz. El video pasa de la guerra a la concordia de los dos triángulos, dando a su vez paso a una negociación entre ambos. Paulatinamente confluyen en el círculo que sería la tercera y última fase. El círculo, es la forma más pura, símbolo de la eternidad, plenitud, comunidad y unidad ejemplifica nuestra formación celular y el nivel atómico del que todo está compuesto. \r\nLas vanguardias, especialmente el movimiento supremacista ruso, encontró en estas formas puras un nuevo lenguaje plástico que trataba de reducir la representación de la realidad a estas figuras primarias. La obra trata de hacer lo contrario, sintetizando el conflicto humano a la lucha de estas tres formaciones entre si.', NULL, 26264, 1, '2020-09-02 17:31:11', '2020-09-02 17:31:11'),
(550, 'El Museo tuvo avances gracias a los aportes del Laboratorio de Microbiología del Suelo, FCEN, UBA. A partir de los datos aportados, el plan varió por cuestiones de cronograma y económicos, pero sobre todo para llegar a la Bienal con todas sus aristas representadas.\r\nEn una primera etapa, el Museo ampliará su rango a todas las comunidades de la cuenca baja del río. Se tomarán muestras para analizar qué plantas hiperacumuladoras ya existentes tienen mayor capacidad de acumulación. Una vez elegidas, se hará un rastrillaje por todo el río para recolectarlas; una perfomance social junto a los barrios afectados por la contaminación. Lo cosechado será luego pirolizado, de las cenizas se liberará el metal en forma soluble mediante lixiviación y se solidificarán los metales por electrodeposición. Según el laboratorio podemos extraer cromo, níquel, zinc, plomo y cobre. Con esos metales haremos las primeras microesculturas que inaugurarán el Museo. Cada una será diseñada junto a cada barrio de la cuenca, representando así a su comunidad.\r\nEn paralelo, plantaremos Senecio Bonariensis (la especie de mejor resultado) en la zona del meandro de Brian ya propuesta. El paisaje -su diseño y realización-, se hará junto a la agrupación Mujeres Valientes, militantes ecofeministas de la Villa 21-24. El museo inaugurará al aire libre en medio de esa plantación de flores de 1.50 m., donde no sólo se podrán ver las esculturas y la documentación, sino que la planta hará su proceso invisible en vivo.', NULL, 29827, 1, '2020-09-02 17:32:06', '2020-09-02 17:32:06'),
(552, 'De 2015 a 2019, viajé sola por 7 países con mi cámara, un grabador de audio y 15 rollos de Super 8mm. Esto significa 3 rollos por país, o 9 minutos. La restricción es parte del concepto: no ser una turista registrando exhaustivamente estos países, y decidir exactamente qué filmar en los minutos disponibles, tratando de dejar espacio para el azar necesario.\r\n\r\nUso el Super 8mm en un intento de sortear distancias temporales y construir un archivo alternativo. Así, busqué acceder a un momento histórico separado de mí por el tiempo y geográficamente. Yo era una viajera del espacio-tiempo, cuyo instrumento de viaje era una cámara de los 1970. En lo que parecen archivos, doy pistas sobre su origen temporal, relacionando ese pasado no tan lejano y el ahora.\r\n\r\nEl montaje crea un juego entre texto e imagen. Cuando Rosa cita las tumbas, vemos las de A. Cabral y H.C. Minh; cuando habla de cambio de dirección, los barcos van de la derecha para la izquierda. Imágenes vuelven (ej. Torre de Tatlin), a cada vez en un cuadro o país diferente. No se puede bañar dos veces en el mismo rio, y a cada vuelta la imagen es otra.  El Bolshoi que se rompe hace referencia a D. Vertov, pero también a la fundación de USSR en el teatro en 1922. El foundfootage fue “creado” en USSR con “La caída de la dinastía Romanov”, de E. Schub, quien resignificó la historia de acuerdo con la necesidad del post-Revolución Rusa. Con mi falso foundfootage, creo archivos contra la lógica hegemónica post-caída de la USSR.', NULL, 14997, 1, '2020-09-02 17:40:36', '2020-09-02 17:40:36'),
(553, 'La Capilla del Morumbi (Museo de la Ciudad / SP) es un raro ejemplo de construcción de tierra apisonada que aún se conserva en la ciudad de São Paulo. Parte de una antigua finca de té en esa región, conserva un \"saber hacer\" hoy desaparecido, vestigios de un pasado rural y tradiciones que subyacen a nuestra cultura.\r\nAsí, el material que forma este espacio se convierte en el principio de la instalación \"Pó da terra\" (\"Polvo de la tierra\"). Como una gran alfombra ceremonial de Corpus Christi en proporción al área central de la capilla, esta obra \"site specific\" cubrirá el piso hasta el altar y se construirá con los materiales más significativos de la arquitectura, en polvo y organizados en bandas concéntricas. Su diseño geométrico se refiere a un estudio cromático del espacio y puede verse en la sala desde la entrada principal o a través del altar, por el acceso lateral.\r\nLa referencia a la edificación a través de sus materiales pulverizados y reordenados, hace que la obra se refiera al carácter impalpable de la memoria, ya que la propia capilla es una reinterpretación histórica de estas ruinas, cuyo real origen se desconoce: una pequeña iglesia en la hacienda, un depósito o la sepultura de los antiguos propietarios. \"Pó da terra\", por tanto, pretende captar los elementos y transformaciones que se han producido en la región a lo largo de los siglos, construyendo a partir de estas ruinas una percepción del tiempo compuesta por temporalidades múltiples y disonantes.', NULL, 10333, 1, '2020-09-02 17:46:45', '2020-09-02 17:46:45'),
(554, 'La propuesta presentada y preseleccionada se configura como una curadoria educativa, en sus múltiplas linguajes, y con nuestros “Pretoguês” como dice nuestra intelectual brasileña Lélia González, nos proponemos reflejar el poscolonialismo, desencadenando una relectura del proceso de colonización en Brasil y Argentina con base en las disposiciones legales implementadas por las comunidades afro-indígenas.\r\nA partir de intervenciones, instalaciones artísticas, performances y fotoperformance, señalaremos estas leyes 11.645 / 08 (Brasil, RJ) y 26.852 / 13 (Argentina, BA) como dispositivos de promoción legal para las comunidades afrodescendientes e indígenas en el contexto latinoamericano. \r\nEste proyecto propuesto es un despliegue de diálogos, encuentros e intervenciones que se están llevando a cabo a lo largo de un proceso de vivencias personales e interpersonales. Se relaciona con el conocimiento marginalizado que todos las artistas tienen sobre cuestiones raciales, étnicas, de periferia y de descolonialidad.\r\nPioneros en albergar una exposición BIEALNALSUR en Brasil, especialmente en la ciudad de Río de Janeiro, que sigue siendo una ciudad hermosa y opresiva. Unimos fuerzas con organizaciones, grupos e instituciones que nos darán la base para pensar y ejecutar el proyecto propuesto.\r\nDestacamos que la razón de nuestro interés por respirar, reflexionar y construir este proyecto en las premisas de un espacio que lleva historias y recuerdos de un pasado reciente, impregna nuestros “registros” como lo proponen Conceição Evaristo y, condiciones Afrobrasileiras, jóvenes investigadores. -artístico, lgbttq +. Son preguntas que despiertan indagaciones e inexactitudes sobre nuestras trayectorias de vida.En este camino, lo que nos proponemos es subvertir la lógica y alternar los significados que siempre se han establecido, determinando quién dicta el arte. Cada propuesta artística presentada tiene su particularidad y potencialidad, en diferentes lenguajes, conceptos y técnicas.\r\n', 'DESCOLONIZAÇÃO E AFROPERSPECTIVAS: ACIONANDO DISPOSITIVOS LEGAIS', 32960, 1, '2020-09-02 17:49:18', '2020-09-02 17:49:18'),
(556, 'As well as creating installations and performances where I or others may feature within the estate – like ‘Social Distancing’ (attached), I want to capture incidental moments where the building ‘performs’.  For example, filming the instance a faulty street light turns on at dusk and flickers briefly into action before going out.  I aim for a more nuanced understanding of the environment to emerge from these reflective moments, through observing and discovering aspects of the estate that would otherwise go unnoticed. In particular when viewed as part of a larger body of work.\r\n\r\nThe element of encounter and spontaneity of the everyday lies at the heart of this process. The work will be created as a response to stimulus from the architectural environment and the community.  For example, currently the local children are on holiday and filling the courtyards with playful noise – this inspired the work ‘Swing’. (attached).  Therefore, ideas I have submitted will develop and new ones emerge over time through these daily experiences of my locality. \r\n\r\nWorks will be created over a series of months, some of which will be uploaded onto the website for the launch.  Other projects will be cumulative and documentation will be added over the duration of the exhibition period – e.g. ‘Cracks’ (attached).  I plan to live-screen at least three performances during the exhibition, which will last a month. After this time the website will be complete and available year-round.', NULL, 31327, 1, '2020-09-02 17:57:53', '2020-09-02 17:57:53'),
(559, 'The project focuses on the conceptualization of gender performativity in the Arab world context, and I am often triggered to address topics that go beyond the socio-political norms, opening unconventional possibilities, and narratives to existing molds from a queer point of view. \r\n\r\nI have been particularly drawn to the physical gestures and politics that exist between males in traditional cafes called “Qahwas” in my region and especially Egypt, which are predominantly and regularly occupied by men. the way in which the chairs at traditional cafes are laid out is very distinctive, with a very close proximity between people, which sets a subtle feeling of intimacy. In addition to the extraction of some of the most common gestures communicated between men in public and private spaces.\r\n\r\nBetween men is a study of those gestures with exploration of the elements that intervenes in whether the gestures are suggestive of a sexually intimate expression, or just another common gestures used to communicate with one another. Such element includes the duration of performing the gesture, the weight of how it’s performed and the repition of the gesture itself, which was also used to open a window for the viewer to think beyond the choreography of the gesture and observe it from different possibilities and meanings; Some of those gestures are used to get the attention of the person, greet one another, or a dialogue filler. \r\n\r\nMy initial research process starts with mere observations which then', NULL, 18142, 1, '2020-09-02 18:00:25', '2020-09-02 18:00:25'),
(560, 'There are forests all over the world. There are forests in Japan, such as Tokyo and Karuizawa. \r\nThe forest looks like a homogeneous distribution of trees, never so. If you look closely, the trees are sparse. For this project, we will be interested in the gaps in the forest. \r\nIn the woods, there are some open holes here and there. That is, for example, an old tree falls down and you can see the sky as much.\r\nA device is installed in such a large area as a room in the forest. For example, a place where you can relax. A relaxing bench. A roof that can be seen from a distance.\r\nThe above is already explained. I think there are two ways to participate. First, I consider using a specific site in Karuizawa, Japan. In this case, it\'s my new collection and my previous collection, scattered across the forest. Another way is to install my new work in some forest in the world. Both are possible. In each case, the work will be exhibited in an unexpected place on the promenade in the deep forest.\r\nWhether it is the former or the latter, what I have to do is not much different. I will make works in advance as much as possible. On site, I will bring in the parts for assembly and installation.\r\nIn the former case, the candidate site is the forest in Karuizawa, Japan\'s famous resort area. This forest is privately owned, but half open to the public. Other museums scattered in the woods are nearby. I have designed this forest for about 10 years with the same concept.', NULL, 11475, 1, '2020-09-02 18:07:04', '2020-09-02 18:07:04'),
(563, '“Pixel Works” @ BIENALSUR is the evolutionary project of “Pixel Works” in Europe and Asia, which materializes texture mapping of 3D computer graphics into the actual space by human labor as described in my first proposal.\r\nAt this time, virtual reality―a huge digital platform increasing the width, depth, and density rapidly―has been infiltrated into our reality. Computers often make us reconfirm replicability/un-replicability, traceability/un-traceability, and momentariness/permanence of various technology, and our reality is made from crossings between them and material actuality. “Pixel Works” plainly gives shape to the force and functionality of the image under the current “Reality” situation. \r\n“Pixel Works” is also an attempt to face up to our mediatized world―where everything is recorded, and strip the world back to find the essential triggers of our memories and imaginations. Architecture historian Beatriz Colomina pointed out that architecture and media have been encroaching mutually to the extent we can say that modern architecture is one of the media forms. The same can be said of contemporary art. Art and computer technology are encroaching mutually as well. What is “Image”―that is generated in the environment everything is mediatized? The true nature of it is represented by the “Pixel Works” project. This project will have more significance in the post-corona world, for critical and fundamental thinking about our “Reality” and “Image”.', NULL, 31338, 1, '2020-09-02 18:16:28', '2020-09-02 18:16:28'),
(564, 'La Sociedad de amigos de las artes de Cañada Rosquín planea recuperar las obras y los proyectos inconclusos de C. Brambilla, artista, figura polifacética que experimentó en los vínculos interespecies, trascendiendo los límites de las artes, la ciencia y la naturaleza, y quien dedicó su vida a la comunicación con animales no-humanos y formas de vida interplanetarias. En el marco de Bienal Sur, la pieza se llevará a cabo en dos locaciones. En la primera, se retomarán los proyectos de Brambilla, que serán realizados por los integrantes de la Sociedad en la reserva natural Fundación Federico Wildermuth en la Provincia de Santa Fe. Entre estos proyectos se encuentran Concierto para peces de Río, Diálogo con pumas y aguará guazú, Implementación del paisaje lunar y la perfomance Pasaje animal, para cuya realización los integrantes de la Sociedad recurrirán a la documentación existente elaborada por Brambilla.  La segunda instancia tendrá lugar en el espacio de Fundación Cazadores (que avaló la posible colaboración con Bienal Sur), donde se mostrarán algunas de las obras de Brambilla, especialmente sus obras pictóricas, sus videos, archivos y documentos, así como el documental que se está realizado sobre su obra y vida, además de las piezas realizadas por los integrantes de la Sociedad en la reserva natural Fundación Federico Wildermuth. Además, está prevista la realización de encuentros de discusión sobre la obra y vida de Brambilla así como de diversos ensayos de interpretación.', NULL, 2235, 1, '2020-09-02 18:43:48', '2020-09-02 18:43:48'),
(566, 'Una vía distintiva en la obra de Alejandro Leonhardt ha sido investigar cómo los cuerpos, o la vida es controlada por elementos que diagraman el flujo, o tránsito de un lugar. En el caso de “Flotación y destrucción” tal asunto es abordado desde la instalación, utilizando boyas provenientes de la industria acuícola en Chiloé. Señaléticas cuya función es delimitar áreas para la crianza de especies acuáticas, pero que debido al desgaste y quebraduras han quedado fuera de uso. Destrucción que en su proceso implica el desprendimiento de residuos como polietileno y poliestireno expandido, en consecuencia, contaminando el entorno.\r\n\r\nUna vez inutilizadas, las boyas son retiradas del mar acarreando diversos elementos que se han impregnado en la superficie. Transformaciones físicas que lentamente se extienden fuera del agua debido a las condiciones climáticas, o la acción de seres vivos que modifican la condición seriada de las boyas.\r\n\r\nComo es usual, al observar las boyas flotando en el mar solo podemos distinguir una parte de ellas, la superficie que emerge. No obstante, uno de los objetivos de la instalación es subvertir tal condición, induciendo al espectador a observar desde abajo hacia arriba, el revés de la boya: situándonos en el opuesto en cuanto a perspectiva y función. Suspendiendo su rol delimitador y abandonando -al ser instalado bajo un nuevo orden-  toda referencia ortogonal de su uso en el agua.\r\n\r\nEn “Flotación y destrucción” asistimos a una colección de destrucción tanto física como biológica de boyas que suspenden desde el techo de su espacio de instalación. Elementos que durante más de treinta años han sido normalizados visualmente y que evidencian una forma de contaminación física en mar y playas, denominada como “macroplásticos”. Si bien la instalación tiene como objetivo visibilizar esta situación medioambiental, a la vez busca cuestionar la forma en que al desnaturalizar la función de un objeto, nuestra percepción es dislocada y llevada hacia otro plano.', 'Flotación y destrucción', 13396, 1, '2020-09-02 18:45:24', '2020-09-02 18:45:24'),
(567, 'Este presente de crisis económica y ambiental nos obliga a repensar nuestras prácticas como sujetos sociales y ciudadanos comunitarios, la obra de del artista conceptual argentino Víctor Grippo nos propone una serie de lecturas sobre nuestra relación con la naturaleza y nuestras formas de alimentarnos a través de la obra de 1977 “Naturalizar al hombre, humanizar la naturaleza o Energía vegetal”. Esta instalación que consta de papas y diferente instrumental de trabajo químico desplegado en una mesa de grandes proporciones también hace referencia al rol de la ciencia como mediador de prácticas nocivas para el ambiente y refiere al alimento como materia en transformación y al trabajo como mecánica de esa transformación. \r\n\r\nLa obra “La comida del artista (puerta amplia, mesa estrecha)” de 1991, nos vuelve a llevar a la eterna relación existente entre arte y dinero, arte y productividad, arte y energía, arte y tiempo. ¿Qué es lo que puede aportar el arte en este contexto de deterioro civilizatorio? ¿El arte puede producir alimento? \r\n \r\nFinalmente la reproducción a modo de homenaje de la performance que Grippo realizó en 1972, llamada “Construcción de un horno popular para hacer pan” es la obra matriz y englobadora de la muestra, en la que se evoca al ritual comunitario de la alimentación. Tanto como en el 2001, en este presente de crisis, los gestos comunitarios son los que permiten compartir y adquirir alimentos en las ollas populares de los barrios periféricos, tal como propone “Construcción de un horno popular para hacer pan”, que indaga sobre la naturaleza comunitaria de la alimentación.\r\n   \r\n“Un horno para dos mesas” intenta reflexionar sobre la alimentación en épocas de crisis en zonas tercermundistas y las múltiples aristas que desprenden de esta reflexión en torno a nuestro rol como humanos frente a la naturaleza, como ciudadanos frente a la comunidad o como productores de sentido frente a un público perdido en la urgencia.', 'Un horno para dos mesas', 30294, 1, '2020-09-02 18:46:48', '2020-09-02 18:46:48'),
(568, 'A finales de los 90 Ghada Amer comienza a intervenir en la via pública, una vía dominada por los hombres, para llegar al espectador que probablemente no pisaría una sala de exposiciones.\r\n\r\nCreó su primer jardín “Cactus Painting” en 1998 por invitación de Rosa Martinez en España. Desde entonces ha intervenido numerosos espacios públicos adaptando su propuesta al lugar y situación política de éste –defendiendo desde su posición feminista los derechos humanos.\r\n\r\nHOY EL 70% DE LOS POBRES EN EL MUNDO SON MUJERES. Salarios bajos, trabajo no remunerado y contribución desvalorada son el porqué hay más mujeres pobres que hombres en el mundo. HOY debido a la pandemia, el rol tradicional de cuidadora asignado a la mujer agravará las desigualdades económicas y sociales.\r\n\r\n“I think I always try to connect both ideology and aesthetics in my works even as a painter or a sculptor, in one way or another. I am very much interested in this specific relation. Aesthetic alone is not enough for me and a message alone is just propaganda. This garden has a clear political message and it is transformed into a sand garden where children can play under their mother’s eyes on such a disturbing quote”. Amer al introducir su obra en el contexto urbano –de manera literal y simbólica– reclama el derecho de la mujer de ocupar el espacio público en toda su dimensión política.\r\n\r\nTras el impacto de la pieza, la reacción del público y la poca visibilidad, debido a la crisis mundial en la que nos encontramos, se propone su itinerancia en Latinoamérica y prolongar el diálogo y difusión del mensaje.\r\n\r\nLa obra se transportaría en camión desde Mexico a Buenos Aires y se presentaría en distintos países de habla hispana acordados previamente con el comité de BIENALSUR –el recorrido planteado: Nicaragua, Colombia, Perú y finalmente Argentina, Km 0 de la Bienal.', 'HOY EL 70% DE LOS POBRES EN EL MUNDO SON MUJERES. GHADA AMER.', 21848, 1, '2020-09-02 18:50:05', '2020-09-02 18:50:05');
INSERT INTO `proposals` (`id`, `content`, `title_exhibition`, `project_id`, `initialized`, `created_at`, `updated_at`) VALUES
(569, 'La obra Sexto Continente se nutrió de archivos vinculados a la espeleología, ciencia que estudia origen y vida en las cavernas. Por eso, paralelamente a la elaboración de las fotos, se entrevistaron científicos que practican descensos (biólogo, geóloga y antropólogo). A partir de estos diálogos conformé un texto poético como una reflexión coral de tono filosófico que genera sensaciones en el encuentro de las palabras con las fotos.\r\nEn el proceso se hizo evidente la conexión entre el espacio de la cueva y del laboratorio fotográfico. A partir de elementos en común como la oscuridad, una vivencia particular del tiempo, el agua y la sensorialidad expandida realicé una performance de fotografía expandida.En ella, Sexto Continente se convierte en una experiencia espacial sensorial. En un lugar ambientado como cuarto oscuro, 3 performers se realizan tareas de copiado mientras pronuncian los textos derivados de las entrevistas. El espectador convive con la proyección de imágenes de luz y sombras a las paredes.  Rayogramas y copias son realizadas en vivo, integrando el proceso a la obra misma. \r\nLa intención es acercar prácticas distantes pero emparentadas poniendo en diálogo dos mundos de producción de conocimiento como son el arte y la ciencia.\r\nAsí, de la 1º obra (preseleccionada) surge una 2º que la complementa.\r\nAprovecho este espacio para proponer sumar a la obra visual la obra performática. \r\nEsta posibilidad no excluye la alternativa de mostrar solamente las fotografías a pared.', NULL, 23478, 1, '2020-09-02 18:58:38', '2020-09-02 18:58:38'),
(570, 'Cada esfera de la vida social genera sus propias formas léxicas, su propio repertorio de palabras. Un oficio aparece siempre ligado con esos léxicos, que se transmiten también a través de las generaciones. A menudo esas palabras dan forma a una especie de saber secreto que ellas transmiten pero al mismo tiempo ocultan, que ponen en movimiento de generación en generación y al mismo tiempo preservan. \r\nPartimos de la idea de que el lexicógrafo no termina de convertirse del todo en escritor. Más que construir un relato, lo que hace es disponer, reproducir y mostrar esos materiales en un estado de procesamiento anterior a su plasmación en un estilo.\r\nDe alguna manera un diccionario, más que un libro escrito es un libro hecho. Nuestro aporte no será imponer a los materiales textuales que recogeremos un orden determinado, sino que privilegiaremos el propio proceso de búsqueda casi arqueológica, de escucha y de elaboración de esos materiales, como en un trabajo de tamizado del que resultan objetos-textos. También, como un aspecto que permite pensar analogías con un museo, como espacio relativamente clausurado, en la medida en que se trata de un componente que organiza recorridos posibles y demarca espacios. \r\nLa situación actual ha acelerado los procesos que relegan algunas práctica y oficios a un lugar inhóspito y los colocan en una situación aún más precaria. El diccionario que proponemos es una forma de explorar esos pequeños mundos en peligro y de escuchar el trabajo con palabras.', NULL, 32747, 1, '2020-09-02 19:09:05', '2020-09-02 19:09:05'),
(571, 'Histórico territorio de puja entre quemas e inundaciones, las islas del Río Paraná, base territorial de nuestro proyecto, son un escenario crucial para el desarrollo de las actividades políticas y económicas que definieron el carácter agroexportador del modelo productivo de nuestro país. Nuestra propuesta se centra en darle entidad a los distintos tipos de violencia, en tensión desde finales del siglo XIX, puestos en juego en ese territorio. \r\nEl proyecto se divide en dos partes. Por un lado, las obras objetuales, que serán expuestas durante un mes en el Museo Histórico de Santa Fe, dan cuenta de las posibilidades materiales y tangibles de los mitos e historias que marcaron la demografía de esa región.\r\nPor otro lado, una pieza performática complementaria a la exposición, especialmente desarrollada para Bienal Sur en colaboración con los habitantes de las islas y la Cámara de Turismo de Santa Fe. \r\nConsta de un recorrido en barco desde el puerto de Santa Fe hacia las islas. Todos los sábados durante la duración de la exposición, recorrerá durante 1 hora la costa de la isla Josefa Díaz y Clusellas. El guión-audio es un relato de Gabriela Cabezón Cámara que narra una historia de cooperación y sometimiento. Se oye mientras se observan, dispersos en la geografía de las orillas, un grupo de habitantes-performers con trajes y prótesis de pájaros y plantas en sutiles movimientos coreografiados en relación al entorno y coordinados con el sentido de la narración del audio.', NULL, 25188, 1, '2020-09-02 19:19:48', '2020-09-02 19:19:48'),
(572, 'El Manifesto Animal es un proyecto de fotoactivismo por los derechos animales que busca hacer conciencia sobre nuestros valores y creencias. Las imágenes construyen retóricas visuales de orden filosófico. ¿Por qué toleramos algo de violencia? ¿Y si fuera un perro? ¿Mataríamos con nuestras propias manos? Ésta y otras cuestiones relacionadas con la explotación animal están representadas en un colorido universo de imágenes, que nos invita a dedicar tiempo en cada fotografía y a sumergirnos en los sentimientos que provocan, sin el disgusto que provoca el registro de violencia.\r\nInspirado en fábulas, que tienen comúnmente animales con características humanas, en este ensayo se representa a los animales como sujetos con intereses y en ocasiones personificados por una figura humana para despertar la empatía. La fotografía de estudio nos aleja de la realidad que vivimos y exige un esfuerzo imaginativo. El uso del estudio también está destinado a burlarse de la publicidad y exponer la hipocresía contenida en los anuncios de productos animales.\r\nEl carácter connotativo de las imágenes, que abre el abanico de interpretaciones, pretende dialogar principalmente con personas que no se identifican con la causa. A partir del ejercicio de desplazar la mirada antropocéntrica, el proyecto fomenta el debate sobre la explotación animal y anima a las personas a reflexionar sobre su forma de vida a medida que experimentan posibilidades de representación simbólica de nuestra relación con los animales.', NULL, 27393, 1, '2020-09-02 19:20:16', '2020-09-02 19:20:16'),
(574, 'La instalación propone un espacio híbrido donde, por un lado, se desarrolla una situación expositiva en la que se exhiben los diferentes dispositivos gastronómicos multisensoriales así como videos e imágenes de pertenencia ambigua entre el campo del arte y el de la investigación científica, y por otro lado y en ciertos momentos, una situación de laboratorio de investigación en el campo del análisis sensorial y la percepción multisensorial.\r\n\r\nEl uso ocasional del espacio como laboratorio se destinará a experimentar comida en la vajilla aumentada o en la silla vibrotáctil, o bien bebidas en las copas, etc. Esto se hará de a una persona por vez, posiblemente con un esquema de reserva de turnos, y se pedirá responder un cuestionario sobre la percepción de la comida o bebida mediada por estos dispositivos. Para esta situación habrá un becario de investigación que guiará la realización del experimento/activación de la obra.\r\n\r\nSegún las características de la sala se dispondrán en las paredes pantallas con videos olfativizados, imágenes de tests, y objetos gastronómicos. En el centro de la sala se dispondrá de una o más mesas en donde se presentan los dispositivos y se realizan los tests.\r\n\r\nEn un formato alternativo en el que no se pudieran realizar activaciones, la dimensión olfativa estará dada por recipientes de aromas manipulados por los espectadores o bien por dispositivos faciales portátiles.', NULL, 28732, 1, '2020-09-02 19:33:40', '2020-09-02 19:33:40'),
(577, 'El día que nos hicimos bidimensionales aborda las nuevas formas de habitabilidad de un presente compartido a la distancia, y proyecta escenarios futuros donde las distopías y utopías parecen haber colapsado el presente. Las obras ensayan poética y tecnológicamente la virtualización de los afectos, la activación de la memoria, la comunicación entre agentes, y las posibilidades creativas del trabajo colaborativo en línea. Quintero transforma a partir de un gesto la pared de la celda de una cárcel en un compañero bidimensional de juego. Este trabajo contrasta con Memoria colectiva, de Motta y Lima, en la cual el espectador solitario, inmerso en un entorno virtual, se ve asediado por miradas ajenas. En la misma línea, Hersan y Ajna establecen una crítica a la virtualización de los espacios públicos y estrategias de control, a través de un sistema que recontextualiza mensajes enviados por usuarios. Por otro lado, ponderando la comunicación entre entidades, en las instalaciones de Bustos cobran vida aparatos y objetos que dialogan cristalizando experiencias e historias de vida. Asimismo, Cea idea una máquina que permite transmitir experiencias físicas entre personas conectadas a distancia, sustituyendo los datos por una  una experiencia táctil. Por su parte, con una obra pionera de 1998, Kac adelantaba la comunicación telemática e interespecies. De igual manera, desde una perspectiva histórica, Mackern nos permite acceder a un remix de piezas sonoro-visuales recuperadas del soporte ya obsoleto del CD-ROM.  El trabajo en red reaparece en el manifiesto de invocación a lxs artistas utópicxs, de Gallegos y Lombard, a la vez que artistas como González y el colectivo Posternura impulsan experiencias artísticas desde espacios distantes. Todas estas acciones buscan crear ámbitos para intercambiar experiencias, afectos e ideas, a través de un relato curatorial concebido como una fábula escrita desde un futuro imaginario.', 'El día que nos hicimos bidimensionales', 7394, 1, '2020-09-02 19:44:14', '2020-09-02 19:44:14'),
(578, '“A New Wave” is an exhibition that collects artworks from three artists from the Kingdom of Bahrain that push boundaries and incite dialogue. Bahrain is one of seven countries from the GCC region and has always acted as a pioneer in the arts and for outspoken voices. Salman Al Najem, Mashael Al Saie and Aysha Al Moayyed have made it a point in their practice to put the Middle East, specifically Gulf Countries, under a microscope in an effort to uncover the layers of nuances and contexts hiding beneath the surface. To explore one’s identity and to bravely and unapologetically approach controversial topics is a new paradigm shift which is evidence that our region is ready to partake in Post-contemporary ethos. \r\n\r\nWith Salman Al Najem’s work he blankets his canvas with the “Qitra” (Male headscarf) and paints scenes satirising the Gulf’s materialistic culture, its toxic masculinity and hypocrisies that are neatly hidden behind religion and conservatism. Mashael Al Saie creates short films that dissect the male gaze and traditional norms to try and find a reflection of herself. Through her work Bahraini audiences can hear their dialect coming from her protagonists mouths, a rarity in the world of arts and film. Her work not creates platform for the underrepresented but showcases gender spatial politics and imprints of collective memory. Aysha Al Moayyed work is not confined to a particular medium or style, however, her therianthropic figures in her paintings act as representatives', NULL, 31283, 1, '2020-09-02 19:52:58', '2020-09-02 19:52:58'),
(579, 'A obra, a ser desenvolvida pela própria BAEC, refletirá a estrutura de funcionamento da brigada e conduzirá os públicos (da Bienal, do local da obra - Armazém do Campo e da sede do MST) a um diálogo imersivo com essa metodologia onde confluem militância, curadoria, prática audiovisual e acervo. Os vídeos não possuem limite de tempo e serão escolhidos a partir das decisões coletivas da brigada. Serão 64 vídeos que podem ser acionados pelos botões do interfone, levando ao monitor principal (maior) a imagem escolhida acompanhada do som que sai do fone do aparelho. A medida que um novo botão é acionado, surge um novo vídeo no monitor principal e o anterior passa a integrar um dos monitores menores (não existe áudio nesses monitores). Gerando assim um novo mosaico de imagens da história do MST a cada experiência. Quando a obra não estiver em uso, vídeos aleatórios serão escolhidos por um algoritmo para exibição nos monitores, em uma espécie de modo demo. Será fabricada uma estrutura de madeira única (semelhante ao desenho já enviado) para acoplar monitores e ocultar fios e placas na mesa. Além disso, duas câmeras no ambiente transmitirão imagens em tempo real. Uma embutida na estrutura de madeira captando quem ‘utiliza’ a obra (e se verá nela) e outra, mais distante, captando o movimento do Armazém. Serão 2 botões “surpresa” entre os 66 do aparelho. Na lateral do interfone existem outros botões com comandos como play, pausa, adiantar ou retroceder e estarão devidamente indicados.', NULL, 32781, 1, '2020-09-02 20:16:06', '2020-09-02 20:16:06'),
(580, 'La (meta)acción gráfica tiene lugar en el espacio físico de la Bienal y en el espacio online, simultáneamente, y tiene una duración de 24 horas.\r\nLa acción está abierta a todos los \"paseantes\" y \"nautas\" por las \"tierras\" y las \"nubes\" de la Bienal\r\nEl espacio de la Bienal, sirve como un alfiler en el mapa. Es el punto del encuentro, el lugar donde se acoge lo virtual y lo individual de las casas y de las “ventanas” que buscan su materialización y su relación con el mundo.\r\nAquí y allí, en el suelo y a la vez en las pantallas, el cuerpo solo y a la vez acompañado siente, interactúa y se manifiesta.\r\nEl dibujar lenguaje y escritura común e internacional invita a intercambiar, conectar y experimentar los límites de la experiencia del dibujar en nuestros tiempos.\r\nTiempos globales, locales, de las masas, injustos, racistas pero también, de identidad, diferencia y pluralidad.\r\nLlamamos la acción que investiga estos límites transdibujación. Durante la transdibujación manos, píxeles y almas se unen haciendo, dibujando en una atmósfera desvaneciente y emocionante.  \r\nLos agitadores (todos nosotrxs) improvisando dibujaremos junto con el “no-público” presente. La herramienta de dibujo será de entrada la pintura, pero incorporaremos música, danza y poesía.\r\nLa acción es grabada y retransmitida en vivo, a través de la plataforma zoom, participantes de todo el mundo dibujan simultáneamente.\r\nEn respuesta, los dibujantes nos enviaran sus dibujos, que serán proyectados en el espacio físico, generan', NULL, 14280, 1, '2020-09-02 20:25:39', '2020-09-02 20:25:39'),
(581, 'Video-instalación:\r\nSHINKANSEN de Gianfranco Foschino\r\n\r\nJapón desde el punto de vista del tren de alta velocidad. La  imagen que se repite para prolongarse en 8 monitores en loop. La video-instalación hyper-horizontal de Foschino observa la arquitectura, el paisaje y gente esperando en estaciones de invierno en un acto de retención de imágenes fugases desde, y en la tecnología. El paisaje representado desde el tren pone en evidencia la arquitectura y la intervención del paisaje,  tramas de ciudades contemporáneas en el tiempo del recorrido. Todo es cambio y es ventana. \r\n\r\nSHINKANSEN (2019)  cuenta con el apoyo de Galeria Isabel Aninat (Santiago, Chile) para su producción durante BIENAL SUR 2021.', NULL, 19940, 1, '2020-09-02 20:32:44', '2020-09-02 20:32:44'),
(582, 'La obra es extremadamente explícita para desarrollar una conciencia ambientalista en respuesta a la situación actual de los  bosques y humedales latinoamericanos.\r\nGenerar un cambio de roles con el espectador, donde el humano ya no es el condenado sino el verdugo. Al mismo tiempo confrontarlo con las dimensiones de las obras.\r\nColaboración con diversas instituciones y ONGs relacionadas al clima y el medioambiente.', NULL, 27210, 1, '2020-09-02 21:08:39', '2020-09-02 21:08:39'),
(583, 'Hacer(nos)fuego es una propuesta que plantea la curaduría como un modo de conectar experiencias, producidas por acontecimientos efímeros que puedan potenciar el encuentro transfronterizo.\r\n Convocamos artistas, activistas y comunidades a realizar intervenciones en diferentes localidades a partir del “fuego”, atravesades por los contextos y urgencias políticas de sus territorios. Se realizarán 15 acciones de 21 artistas* que ocurrirán de manera concatenada a lo largo de una sola noche expandida.\r\n El 25 de septiembre de 2021 prolongaremos la noche siguiendo los husos horarios de cada ubicación. La primera acción se iniciará en Upsala propagándose hacia Barcelona, Chile Chico, Temuco, Valle Central, Santiago, Iquique, Montevideo, La Plata, CABA, Córdoba y Bogotá, generando una cartografía de fuegos desde nuestro “sur simbólico”. \r\n Las acciones reunirán múltiples agentes en espacios culturales, artísticos, paisajes y centros urbanos. Como señales de humo, los fuegos se irán conectando y transmitiendo a través distintos mecanismos de acceso público, que permitirán visualizar los contenidos en línea, donde las distintas acciones se irán interpelando entre ellas.\r\n Proponemos, también, como espacio para las intervenciones una plataforma digital diseñada específicamente para el proyecto. Esta responde, tanto a la urgencia de mantener el fuego colectivo en tiempos de aislamiento, como a los retos que plantea el acceso a la amplitud de territorios que abarca la propuesta, buscando la confluencia en un solo espacio de los contenidos registrados. Esta plataforma está pensada como articulador de los ejes conceptuales: Tierra Quemada, Sostener el Calor Colectivo, Incendio del Bosque y Alumbrar Otros Relatos. Se estructura como un archivo abierto, recogiendo futuras intervenciones y contenidos. El Frente Sudaka, trabajará en su difusión para generar nuevas conexiones y encuentros.\r\n*En el item “imagen de obra” se verán  referencias de cada artista, ya que los trabajos serán encargos.', 'Hacer(nos) fuego', 19294, 1, '2020-09-02 21:10:50', '2020-09-02 21:10:50'),
(584, 'La proposición curatorial se pone como relato de investigaciones socioculturales y artísticas de las herencias africanas, en Brasil, con sus posibles resuenos a lo largo de Latinoamérica. Los trabajos elegidos, de las artistas Adriano Machado (Feira de Santana-Bahia/BRA, 1986) y Rebeca Carapiá (Salvador-Bahia/BRA, 1988) se materializan en fotografía e esculturas, entre la figuración y abstracción, para argumentar cuestiones contemporáneas, aunque históricas, costosas a poblaciones negras especialmente desde el estado brasileño de Bahía: por ejemplo, la necesidad de (re)invención del cotidiano, bien como de (re)formulación de las condiciones ofrecidas para la manutención de la vida urbana. \r\nConsidero, esencialmente, para montar este cuadro reflexivo, dos nociones ubicadas por personas maestras de la antropología: el argentino Néstor Canclini y la brasileña Lélia Gonzalez. La primera, respectivamente, presentada en la obra \"Sociedade sem relato: Antropologia e Estética da imanência\" (EDUSP, 2016), es la comprehensión del condicionamiento nacional, ejercido por el gobierno de Brasil, que corrobora el racismo, la fobía género-sexual, y acirra desigualdades entre grupos sociales. La segunda, introducida en el texto \"A categoría político-cultural da amefricanidade\" (Revista Tempo Brasileiro, 1988), resalta un entrelace entre las poblaciones inferiorizadas de lo que fue nombrado por Europa como América y África. \r\nAsí, por medio de las obras de arte contemporáneo, se busca arquitectar un espacio de fruición y compartimiento de ideas sobre la urgencia de soñar, imaginar, crear, modelar las realidades de personas racializadas, disidentes, obreras, de ojos abiertos y con coraje para cambiar las corrupciones establecidas por el proyecto colonial en las dos continentes, desde Brasil.', 'Tem que ser valente, sonhar com os olhos abertos', 26976, 1, '2020-09-02 21:12:47', '2020-09-02 21:12:47'),
(585, 'Si bien el proyecto se crea a partir de la contingencia social vivida en chile a fines del año 2019. En su posterior desarrollo durante comienzos del año 2020, la obra construida se ha entendido como una pieza arquitectónica en proceso, en constante desarrollo, promoviendo una mayor interacción con el público, y los mensajes que estos puedan complementar a la obra.\r\n\r\nPor tanto la obra se asume como una pieza generadora de instancias, lo cual contextualizado con las nuevas maneras de vivir el espacio público a raíz del covid, se hace necesario para revitalizar la experiencia de lo público. Por ello es que la obra se basa en un sistema modular de construcción, en donde se pueda asumir la itinerancia, y abordar los múltiples emplazamientos que puedan surgir. Promoviendo al mismo tiempo que las instancias en el ámbito de lo público, la descentralización de la acción arquitectónica en las zonas periféricas de las ciudades.\r\n\r\n\r\nEn esta itinerancia, es en donde los escombros, valorados comúnmente como objetos de deshecho o desuso, se resignifican como aquellos temas o conflictos de índole territorial, que si bien son colectivos, frente a un sistema mayor son percibidos como escombros no valorados. Por tanto aquellos escombros dentro del imaginario local, son ensalzados como un actor protagonista e importante dentro de la construcción tanto física, como de contenidos, pudiendo visibilizar aquellos conflictos a distintas escalas.', NULL, 31007, 1, '2020-09-02 21:17:28', '2020-09-02 21:17:28'),
(586, 'Descripción Técnica\r\nEl Laboratorio Anfibio del Plata es una estructura de andamios y bambú, junto con un circuito de visibilización y fitorremediación de agua contaminada de la cuenca del Plata. Está constituido por una serie de sistemas agregativos de medidas variables que permiten distintas configuraciones y tamaños. El sistema hídrico, compuesto por tanques y tubos con agua contaminada, expone la problemática hídrica-anfibia y, el sistema estructural, forma una grada pública para habilitar la conversación entre la ciudadanía. \r\nLAP se traslada como la carroza de una comparsa, exhibiendo por la ciudad a su protagonista principal: el agua. \r\n\r\nContenido\r\nEn el marco de la alarmante necesidad de una Ley de Humedales, LAP construye un pensamiento anfibio colectivo y pone en crisis el modelo hídrico actual. \r\nLAP hará encuentros y performances con una programación específica a cada sitio:\r\n\r\n1. Entubamiento e inundación\r\nLAP se ubicará sobre el cauce del Arroyo Maldonado para preguntar: ¿Por qué invisibilizamos el agua en nuestra ciudad?\r\n\r\n2. Contaminación \r\nContinuará su recorrido sobre el Riachuelo: ¿Cómo podemos revertir la antropización?\r\n\r\n3. Costa\r\nFinalizará su recorrido en el MUNTREF, sobre la costa del Río de la Plata, para cuestionar:¿Cómo sería nuestra ciudad si aceptamos nuestra condición ribereña? \r\n\r\nLas actividades serán públicas, se convocarán diferentes colectivxs para formar parte. Se hará un registro documental audiovisual y escrito de lo realizado.', NULL, 29285, 1, '2020-09-02 21:23:08', '2020-09-02 21:23:08'),
(587, 'Tupi Valongo - Cementerio de los Nuevos Negros y Viejos Indios.\r\n\r\nDebido al escenario de incertidumbre de la pandemia, pensamos que la performance que se realizaría con Hugo Germano y la artista Anita Ekman sería algo complicado pues no sabemos cuándo podremos volver a actuar en espacios con multitud de personas, por esta razón, la obra se puede mostrar solo como video instalación y o en un canal digital en Internet, lo que sea mejor para los curadores de esta muestra.', NULL, 31620, 1, '2020-09-02 21:26:45', '2020-09-02 21:26:45'),
(589, 'Baile Circular construye un espacio de celebración, colaboración y resistencia, en el cual el  femenino surge como un tejido social de unión comunitaria, de imaginación estética y política. Las obras, históricas y contemporáneas, producidas desde Latinoamérica y África, ensayan poéticamente temas como la recuperación de memorias a través de la culinaria (Huis Kombuis Food and Memory), el protagonismo femenino frente a la lucha por la moradia (Medeiros), el ancestro femenino de la cosmología de los pueblos originários (Emiliano, Guaraní, Vivanco), la potencia del útero (Rezaire, Rocher), afectos y tensiones en las prácticas comunitarias (Kyambi), la resignificación de técnicas tradicionales (Arpilleras, Ndiritu). Divisor, de Pape, es tomada como punto de partida de la muestra por su reivindicación del aspecto colaborativo y político del cuerpo social. Baba Antropofágica, de Clark, es también fundamental por aludir a la importancia del cuidado y del afecto en las complejas relaciones entre el cuerpo colectivo y la psicología íntima de los individuos. \r\nEl tiempo en Baile Circular no es lineal, pero circular: el futuro no está delante de un pasado ya desaparecido, sino que el pasado y lo ancestral es un lugar con el cual se conecta para construir el porvenir. Esta es una concepción muy propia de los pueblos originarios de nuestro continente, como vemos en Tiempo circular, de Guaraní. El futurismo ancestral también está presente en las animaciones de Sunstrum, o en el baile glitch de Transmestizx, de Wray, que celebra la memoria e identidad mestiza y decolonial.\r\nEl baile es también un lugar de construcción de comunidades. Matriz Útera, de Rocher, y Escuela de Envejecer, de Gallardo, promueven encuentros, experimentaciones y troca de saberes, transformando el espacio expositivo en un lugar de convívio e elaboración colectiva de herramientas para actuar en la imaginación, reinvención y transformación de las formas de habitar los espacios políticos y sociales.', 'Baile Circular', 8518, 1, '2020-09-02 21:49:47', '2020-09-02 21:49:47'),
(590, 'Nuestra propuesta parte de la tesis de que el cuerpo humano  postula una nueva era en la que se superaran nuestras limitaciones tanto intelectuales como físicas, mediante la aplicación de las nuevas tecnologías a la biología humana, a sus condicionantes genéticos y los que derivan del deterioro del contexto y del hábitat.   Una nueva época de conocimiento, difundido por las redes y la virtualidad donde la fisicidad se aleja, o no es necesaria, y lo virtual y on line se impone.  En dicho escenario, la pandemia sanitaria súbitamente sobrevenida y extendida por todo el mundo vuelve nuestros cuerpos vulnerables, frágiles, de modo masivo. Al igual que lo es nuestro propio planeta y la naturaleza, contagiada, destruida por nosotros mismos. \r\nConfinamiento, resguardo, alteración de nuestra forma de relacionarnos, \r\nincertezas en nuestro futuro inmediato.  Cuerpos enfermos y cuerpos \r\nrecuperados, rituales íntimos y procesos sociales. Cuerpos territorios en\r\nlos que están cartografiadas las conductas. \r\n Así, también el cuerpo sufre la violencia social, el racismo, la discriminación, \r\nel rechazo a las migraciones, en América, en Europa, en África, en Asia. \r\nEl cuerpo físico, individual, transformado en cuerpo social lastimado, se levanta, \r\nresiste y grita, como en Chile en pasado octubre, con revueltas civiles por \r\nnumerosos descontentos: el salario, la sanidad y la educación públicas, la \r\ninaccesibilidad de la cultura; la brecha de género, la violencia contra la \r\nmujer, la discriminación. Movimientos sociales, conectados a través de las redes, \r\ncontra el dominio e influencia de las corporaciones de fondos previsionales, \r\nempresas y bancos en la vida política, y a favor de una mayor transparencia \r\nde la democracia. Resistencia y activismo para época de crisis del sistema.  \r\nLa curatoría reflexiona en la idea de crisis del cuerpo físico  y el social, de lo local a lo general, del límite al centro. A través de 6 jóvenes artistas que cruzan sus miradas en un diálogo desde las dos o', 'CRISIS. CUERPO INTIMO Y CUERPO SOCIAL EN RESISTENCIA.', 33193, 1, '2020-09-02 21:54:13', '2020-09-02 21:54:13'),
(591, 'This project is motivated by creating a collective artistic queer archive of Turkey’s three decades within the frame of the works of a fictional artist. Considering the lack of historical research on queer experience in Turkey and the archival materials related to queer local culture, fiction is the only tool to fill the gap opened by ongoing state oppression against the LGBTI community. Fictionalizing the point of view while collaboratively disclosing the queer corners of the Turkish past will likely diminish the tension of political commentary, possible  (self-)censorship. Challenging the artists to produce in the name of someone else, to step out of their own skins, CVs, professionalisms while discovering the past in a parafictional way will lay a fertile ground for the productions. To complete the jigsaw puzzle collectively, artists have to organically engage with each other’s work, and this opens up the possibility of another kind of solidarity in the pursuit of working collectively to build up one individual body of works.  This formulation will also experiment on self-erasure/ self-decreation, ethical care of others, and responsibility towards historicity, auto-fiction, and anonymity. This project inherently requires the new commissions conceived after a series of workshops where artists and invited queer study/history scholars will mark out this fictional artist together. In each session, besides the presentations and discussions on the recent past of Turkey from queer perspectives, the theoretical sub-concepts of the project such as appropriation (appropriating someone else’s work even though they are not existing), anonymity (denaming individual artists to generate a collective entity), collective speculative fiction as a form will be discussed at length. After the workshopping for 3-4 months, each artist will take a time slot from this fictional artist’s lifetime, and produce their projects accordingly, in communication with others’ works.', 'Working Title: There is Q in Turkish', 31320, 1, '2020-09-02 21:54:16', '2020-09-02 21:54:16'),
(592, 'Dear Bienalsur. \r\n\r\nFirstly I want to thank the committee for inviting me to the second stage.\r\n\r\nI already wrote an elaborate text of the meaning and philosophical background of the project, so if I am going to expand my description I choose to emphasise on two things. One: how the project can be calibrated to potentially suit Bienalsur needs. Two: the reception the project got in Oslo, Norway. \r\n\r\n1: The project as a whole is a comprehensive room installation. It consists of 3 sculptures, a \"pedestal\" in the form of a fireplace frame, 1 ton of gravel, 2 tons of red tennis clay (used at Roland Garros/French Open), tennis court lines in plastic, and blue Plexipave paint for the walls (used indoor at US Open in New York). I suggest that the biennale either go for the \"whole package\" and install the tennis-court in a designated space - or show the 3 sculptures separate from the room installation. \r\n\r\n2: In addition to exclusively positive art reviews in big media and a lot of buzz, the \"Death Drive\" exhibition made an all-time record in term of visitors both online and at the gallery. A larger delegation from the National Museum of Norway showed interest, and works were sold to the prominent European art collector Rolf Hoff (Mr. Hoff have confirmed that he will lend out the works to the biennale). The exhibition was also nominated for Best Art of the Year by the influential Norwegian culture magazine NATT&DAG (approx. 150.000 readers).', NULL, 20422, 1, '2020-09-02 21:54:49', '2020-09-02 21:54:49'),
(593, 'Como ampliación a la descripción de mi proyecto “Europa:Pasajes de invierno” presentado en “Abierto x Obras – Matadero Madrid” en el año 2015, he creído oportuno incluir este texto escrito por el crítico y comisario Luis Francisco Pérez, ya que creo expresa de una manera muy clara lo que yo he querido expresar.\r\n\r\n(Supongo que así debía de ser la dacha abandonada donde los bolcheviques asesinaron al Zar y su familia. Supongo que así debían de ser las terribles checas creadas durante la guerra civil española por el partido comunista. Supongo que así debían de ser las siniestras dependencias de las “direcciones generales de seguridad” durante la larga noche del franquismo…)\r\nEsta muestra de Florentino Díaz (Cáceres, 1954) se inauguró a mediados de junio en Matadero-Madrid, comisariada por Carlota Álvarez Basso, y yo por razones digamos “estivales”, entre otras, no la pude visitar hasta la segunda quincena de agosto, unos días antes de finalizar su exhibición. Los días siguientes a la contemplación, y mientras pensaba o “saboreaba” en lo que el artista me había ofrecido (el mejor arte tiene mucho de ofrenda privada y singularizada entre el emisor y el receptor), me extrañó que la muestra no hubiera recabado una mayor atención crítica o teórica, sin duda muy merecida esa consideración, con la noble excepción de la atenta lectura realizada por Javier González Panizo Blogearte Madrid. Es posible que a mí se me escaparan otras lecturas u análisis, pero sin duda esta instalación (podemo', NULL, 13413, 1, '2020-09-02 21:57:38', '2020-09-02 21:57:38'),
(595, 'An installation conceived on the occasion of the 700th anniversary of the death of Dante Alighieri, represents a necessity for Italian culture and Argentine identity, strongly influenced by Italian immigrants. It will be presented simultaneously in Ravenna - Italy (the city where Dante Alighieri\'s remains rest) and in Buenos Aires - Argentina. A material, oracular work that presents two interpretations. The first, immediate, visual impact, ideally placed in a passing position, is perceived by the visitor as a frame. A second reading, of emotional impact, the work glimpses through an individual path to be lived.\r\n\r\nThe artwork is designed for a widespread audience. Also relevant for a very young target, 15-25 years old, to develop an engagement with youth through art, an educational program in parallel with the educational institutions of the city that will be invited to visit and develop the environmental theme in the didactic field.\r\n\r\nPROJECT OBJECTIVES:\r\nCreation of an environmental awareness\r\n\r\nCULTURAL IMPACT:\r\nThe relationship between man and nature is relevant to the artist. Only through the knowledge of nature can man find a balance, a balance lost over time.\r\nA critique of the consumerist system, the means of production, pollution, and related ecological disasters.\r\nAt a time when we are forced to stop, in social distancing, from one day to the next the world is upside down.\r\nArt is a new \"ritual\" directed at the individual.\r\nThe work has two interpretations, a more direct visual enjoyment, even from a distance.\r\nA second, of emotional impact, provides an individual path.', 'KOUROS', 26445, 1, '2020-09-02 22:05:34', '2020-09-02 22:05:34'),
(596, 'Further to the original concept, the teams will co-refine a citizen’s participatory focus with measurable social impact and existing legalities in biodiversity. The artist requires a month residency per site (India & South Africa confirmed) Teams: South America: Curator, Lorena Guillen Vaschetti; Scientist, Mauricio Bonifacino. India: Curator, Riyas Komu; Scientists, Jayashree Ratnam & Mahesh Sankaran. South Africa: Artist (project lead): Hannelie Coetzee; Scientist, Sally Archibald. Australia/global: Caroline Lehman (Scientist), Lenore Manderson (Medical Anthropologist).\r\nA cluster of trees with 10% cover is supposedly a forest according to the IPF Definition, 1997, whether it be indigenous trees or plantations. Foresters see an assembly of trees as a forest for resource extraction. Conservation orientated productively planted forests are interrogated through this artwork which is set in ancient grasslands. Our soils are depleted. How do we think sustainably about forestry and conservation in the same soil? Why whitewash a forest into one cluster if our futures are so diverse? Grand global plans to save the world by planting trees stems from a temperate ‘northern’ forest knowledge base. Diversification of forests and the relation to grasslands is as necessary as broadening minority voices. The work interrogates a deep ancient ecologic logic from the soil’s vantage point, an immersive artwork as a blatant unifier in the time of pandemics and a warming world.', NULL, 23876, 1, '2020-09-02 22:13:01', '2020-09-02 22:13:01'),
(597, 'This collection wants to represent the synthesis of tradition and modernity by combining the traditional Islamic art style with modern and abstract forms.\r\n\r\nThe hand-forged hammered copper bowls and plates bring the traditional hammering technique utilized by ancient Persian artists while borrowing the abstract shapes of the modern style and combine them with floral decorations that go back to the Qajar period in Persian history.\r\n\r\nThese works are inspired by the shapes and textures of natural forms and landscapes and also the artist\'s intuition to let the hard metal find its way and relate to the subject matter. \r\nThe multi-dimension forms suggest both motion and inertia, both certainty and uncertainty which is drawn from modern man\'s concerns in the postmodern era.\r\nThese collections\' dimensions are about 25*35 centimeters and can be used as decorative objects and practical home goods.', NULL, 30559, 1, '2020-09-02 22:16:32', '2020-09-02 22:16:32'),
(599, 'CABARET NEO BAR OTRA es una performance-instalación que intenta preguntarse acerca de cómo, desde Latinoamérica y puntualmente desde el Río de la Plata, las subjetividades disidentes a la norma sexogenérica construímos nuestros devenires en diálogo de ruptura, continuidad, homenaje, orgullo, nostalgia, contradicción con las “locas” de las últimas décadas del siglo XX. Ensayando la hipótesis de si pueden esas subjetividades locas hallarse como archivos, referentes o ancestras de las experiencias no binarias contemporáneas.\r\nEs una performance en 4 episodios unitarios, pero una performance conjunta. En cada activación hay sólo una performer en escena. Con el suceder de las activaciones, se va conformando un corpus o decir colectivo. Todxs lxs performers son activistas/miembrxs de las comunidades de la disidencia sexogenérica rioplatense.\r\nLa performer entabla un diálogo de ida y vuelta con la máquina de coser, que está intervenida con un microprocesador y un software diseñado para responder automáticamente a un estímulo de voz que sobrepase determinado nivel de decibeles. Este microprocesador da la señal eléctrica para que la máquina cosa o no cosa, según el estímulo que recibe. \r\nEl vestuario de la performer funciona como un carrete, ya que tiene unas ranuras en su superficie que permiten el “des-enhebrado” de la tela en su camino hacia la máquina.\r\nAl final de cada performance se obtiene un lienzo (la tela) que es una escritura difusa pero concreta de esas existencias polifónicas', NULL, 33583, 1, '2020-09-02 22:42:33', '2020-09-02 22:42:33'),
(600, 'El procedimiento de partida, el montaje de paneos, va dando lugar a una pequeña narrativa que funciona por acumulación, repetición y variación. El formato de proyección monocanal propone experimentar la obra en su duración: requiere algo de concentración pero también de entrega a la experiencia sensorial, no siempre cómoda. \r\nAl abarcar una década de vida, se produce una construcción fragmentaria de ciertos personajes y vínculos, en gran parte fuera de campo, y una problemática que los nuclea: la captura y la educación de la mirada a través de la cámara. Por las grietas que abre el tracking se cuelan registros televisivos que dan cuenta de la época, a la vez que la autoconciencia del dispositivo va creciendo. El padre transmite e imprime una forma de mirar y de relatar, que a veces es cuestionada y a veces contradictoriamente reivindicada o reapropiada por lxs demás. En este sentido, se vuelve también una forma de retratar el devenir de un vínculo padre-hija mediado ayer y hoy por el dispositivo. ¿A quién le hablan las personas en estos videos? ¿A quién le habla el padre, tan preocupado por crear el documento de un momento que no deja de ser superficial? ¿Qué pasa cuando la hija se asume hoy como destinataria y montajista de esas palabras y esos recortes? ¿Quién es el dueño de la mirada? ¿Quiénes la disputan?\r\nPienso en una frase de un poema de Erri de Luca que leí hace unos años: \r\n\"Es de mujer la voz que pregunta,\r\nde hombre la que no tiene respuesta.\"', NULL, 32325, 1, '2020-09-02 22:45:02', '2020-09-02 22:45:02'),
(601, 'Notes IV es un experimento cinematográfico de inmersión en un ritual de sanación Moche. Como consecuencia de una búsqueda personal, en 2009, una curandera peruana que me inició en un periplo de sanación fundado en ritos antiguos de purificación espiritual bajo la guía de Don Manuel, de Trujillo ―provincia por donde atraviesa el río Moche. La influencia que este proceso ha tenido sobre mí me ha llevado a reinterpretar y divulgar las prácticas de esta cultura precolombina que habitó el Perú desde el siglo II del mundo. En consonancia con ello, Notes V es una representación audiovisual de la creencia Chumash ―pueblo amerindio― respecto al purgatorio y el destino de las almas, el Similaqsa, sitio donde ascendían tras un viaje indefinido sobre el océano, en dirección al oeste. \r\nPor un lado, establecer un diálogo entre estas creencias supone revalorizar la conservación de la Tierra en un sentido simbólico, transición que posee la facultad de desplazar en el campo del conocimiento relaciones del tipo hombre/naturaleza. Por el otro, el valor de reconstruirlas desde el dispositivo cinematográfico es una forma de establecer una simbiosis entre pasado y presente.\r\nEn última instancia, recuperar estos entramados simbólicos es una forma de producir conocimiento. Y es en su carácter dialógico que lo hace: proyectados en simultáneo, las películas devienen en movimiento del espectador, que se transforma en una metáfora que alude a la danza entre el camino de la muerte y el de la sanación', NULL, 5120, 1, '2020-09-02 22:48:18', '2020-09-02 22:48:18'),
(603, 'Distintas culturas a lo largo de la historia se han relacionado simbólicamente al árbol. Muchos pueblos originarios de América han ligado un significado mágico-simbólico de su cosmovisión a distintos tipos de árboles nativos del territorio que habitan. El árbol ha simbolizado la relación del ser humano con poderes superiores y también, como sucede en las sociedades modernas de América, ha simbolizado un status social y político. \r\n\r\n¿Cuán importantes son los símbolos de poder para recuperar la naturaleza de nuestro territorio?\r\n\r\nEl proyecto imagina un espacio símbolo de poder transportado a un entorno natural nativo para dar cuenta del olvido cultural de las tradiciones ancestrales, de nuestra herencia y origen. Replantea la tradición de estos espacios de poder inserta en un bosque imaginario de àrboles y plantas autóctonas  que invitan a los visitantes a aprender del origen milenario de estos seres como también de explicar la asombrosa red de conexiones subterraneas en los  bosques llamada por los cientificos “The Wood Wide Web”.\r\n\r\nEntrar en este escenario natural, de carácter publico e inclusivo, es una continua exploración de aromas y sensaciones que dan pie a una reflexión sobre el porqué los árboles importan al equilibrio de nuestro planeta y son pulmones de la tierra.\r\n\r\nEste proyecto está pensado como una exposición itinerante, iniciando en el “Patio de las Palmeras” y adaptable con los otros países de Latinoamérica y los patios de los palacios gubernamentales.', NULL, 26247, 1, '2020-09-02 22:54:22', '2020-09-02 22:54:22'),
(604, 'Para Bienalsur proponemos realizar la nueva versión de la pieza de una duración de 45\'. La obra fue pensada originalmente como obra site specific y luego, adaptada a diferentes salas. También contamos con una versión de concierto. En cualquier caso es posible realizar varias funciones durante uno o más días.\r\n\r\nEn caso de optar por la instalación, entonces la adaptaríamos a la sala asiganada. Para ello necesitaríamos trabajar en el espacio al menos por dos días antes de la presentación. \r\nEs una obra para que el público pueda habitar el espacio, que pueda moverse dentro de la sala y así poder elegir diferentes lugares y momentos en los que los performers estarán operando los instrumentos audiovisuales con los que se ejecuta la pieza. Una condición es que sea una sala oscura ya que toda la obra lleva videos y los objetos que manipulan los instrumentistas están iluminados sutilmente, invitando a los espectadores a acercarse a las estaciones en las que están dispuestos. \r\n\r\nEn caso de que se decida hacer la versión de concierto, entonces se necesitan menos recursos y tiempo de montaje ya que los performers están en una gran mesa -similar a la que utilizan djs- con algunos objetos lumínicos instalados alrededor, y las proyecciones en las paredes y techo de la sala, dependiendo de las características del recinto. Una sala ideal es el Planetario de la Ciudad, para realizar una puesta inmersiva y no perder la esencia de la obra, que es que el público pueda estar dentro de ella.', NULL, 22533, 1, '2020-09-02 22:55:58', '2020-09-02 22:55:58'),
(605, 'Desde hace siglos nuestro continente ha sufrido constantes vaciamientos tanto epistémicos como ecosistémicos. El modelo de extracción colonialista se ha ido repitiendo, sea con los desarrollismos populistas fundacionales o, en la etapa actual, con el neoextractivismo de las corporaciones transnacionales. Estos procesos desencadenan la despersonalización de las culturas originarias y el quiebre en el paisaje.\r\n\r\nNo hablamos de fronteras, sino de territorios compartidos donde estas agresiones reverberan en el espacio y el tiempo.  Los artistas de esta muestra han puesto de diferente forma en evidencia estos crímenes ambientales.\r\n \r\nYa sea desde la investigación como en el trabajo de campo de Forensic Architecture en el yacimiento de Vaca Muerta, Neuquén, tanto como en la obra multimedia de Lucas Bambozzi sobre el deslave de Brumadinho en Minas Gerais y en el audiovisual sobre la explotación sojera en Paraguay de Teresa Puppo.\r\n \r\nLas narrativas vivenciales que se dan en el dialogo poético entre Claudia del Rio y Mariangela Juanena que son dos artistas que residen en márgenes opuestas del Rio Uruguay. La experiencia de lo fluvial está presente en la obra de dos uruguayos: Sebastián Saez en la percepción de lo habitado y desde lo biográfico emocional en el trabajo de Juliana Rosales.\r\n \r\nFocos de Acción es un proyecto curatorial de Angela Lopez y Juliana Rosales que refiere a momentos de emergencia sociopolítica y se ha llevado a cabo desde el 2007 en eventos internacionales como el ERA en Montevideo, la Bienal de Salto y la Bienal de San Pablo. La emergencia visible ahora son las consecuencias del abuso del territorio.\r\n \r\n Los ríos son un continuo desde su nacimiento a su desembocadura, los seres vivos que en ellos habitan son imprescindibles para la conservación de los parámetros que hacen a la salud del sistema. ¿Lograremos hacer entender a nuestros políticos que antes que un recurso, el agua es un derecho humano? (D. Panario, O. Gutierrez. , 2019)', 'Disrrupciones territoriales', 30256, 1, '2020-09-02 22:57:05', '2020-09-02 22:57:05'),
(606, 'Gamecocks are bred and modified to play a game that benefits overseeing spectators. This installation is not an exhibition but a means of staging particular space. A way of proclaiming the space and camouflaging the institution. \r\n\r\nThe constellation of three main objects seen here speaks to notions of gameness, excitement, masculinity and control embedded in our contemporary era. The Baskets, Fabric rolls on shelves and Seating Maps drawings conjure a theater-like world which aims to transform our urban environment into the layers beneath of what is happening in today’s world and make the space into an open theater play where perception and values are turned upside down. \r\n\r\nThe installation has some connotations to sceneography, and also refers to literature, spiritualism, and the folklore of popular ceremonies. The installation can be envisioned as a collective ritual, as a way of exploring relationships between the borders and the possibility of creating a commons. Through this immersive experience inspired by theater and it’s convention I am extending an invitation to step into a world that abolishes distinctions between visitors and actors, works of art and accessories, the manipulation and leadership, the beginning and the end.', NULL, 10862, 1, '2020-09-02 23:04:46', '2020-09-02 23:04:46');
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(607, 'Plinio Villagrán es hijo de un médico militar guatemalteco –quien lidió de cerca con el conflicto armado interno y con el genocidio indígena en Guatemala. Villagrán reside en México desde 2009. Su autoexilio marcó la agenda de su trabajo artístico más reciente, el cual se centra en la exploración del cuerpo como archivo: como apilamiento documentos policiales, familiares, médicos, periodísticos, en los que escarba y reconfigura la memoria social de su país. \r\n\r\nA día de hoy, no ha habido ninguna exposición temática que reúna sus trabajos –de corte casi autobiográfico– sobre la guerra y el genocidio en Guatemala. Esta exposición ha sido concebida como la primera mirada a su obra como un repositorio de archivos, espectros y memorias personales olvidadas. Sin ser una exposición retrospectiva, la exposición reunirá cinco instalaciones que permitirán al público realizar una suerte de des-archivación de la memoria viva de la guerra en Guatemala.\r\n\r\nEl título de la exposición, Autopsia, alude al significado etimológico del término: ‘examen visual’, ‘ver por uno mismo’, del cual deriva su uso en la práctica médica. Las piezas que hemos seleccionado son las que con mayor nitidez exponen los procesos visuales y creativos del artista, quien se sumerge en las páginas de los libros de historia del arte, en las imágenes de las culturas prehispánicas, en las narrativas de prensa y en los manuales de medicina forense de su padre para crear con ellos un ensamblaje de fragmentos y conexiones que activan en nosotros la memoria más espectral, recóndita y orgánica.\r\n\r\nA manera de collages, estos fragmentos toman la forma de diagramas en las paredes hechos con dibujos que superponen información, o bien de mesas de disección sobre las que se imprime la memoria del cuerpo social herido por la guerra, o incluso se presentan en bloques grabados de carbón, estableciendo una relación de inscripción y borradura, la cual convierte al dibujo en una forma de huella mineral.', 'Autopsia. Plinio Villagrán', 8684, 1, '2020-09-02 23:08:07', '2020-09-02 23:08:07'),
(608, 'A oficina-instalação de bordados Por Um Fio consiste na produção de um espaço instalativo, performativo e duracional. A obra se dá pelo encontro: uma grande mesa, onde caibam pelo menos 10 pessoas sentadas em volta. Em cima da mesa estão dispostos rolos de linha de bordado, agulhas, adereços, recortes de tecidos e desenhos em papel com inspiração no corpo da mulher. Do teto, pendem fios tingidos de vermelho com poesias impressas em pequenos cartões. Entrelaçando este espaço instalativo, uma grande teia vermelha que também serve para expor os bordados produzidos. Sentadas à mesa estão 5 mulheres que iniciam o encontro, entre elas, duas oficineiras que vão instruir a técnica do bordado para as participantes. As cadeiras vazias convidam à participação do público presente. Também há sobre a mesa 2 microfones abertos, para que qualquer pessoa sinta-se à vontade para iniciar uma fala. Não precisa ser especialista, apenas desejar compartilhar uma ideia. Próximo à mesa há uma projeção de vídeos-performances e registros documentais do Coletivo em Silêncio. Como pano de fundo conceitual da instalação estão as ideias de autorepresentação do corpo feminino, (através do desenho, do bordado e das falas públicas espontâneas); e o manifesto pelo desencarceramento, incluindo dos cárceres corpóreos que se instauram sobre a subjetividade feminina. A instalação é contínua e o encontro se repete a cada dia.', NULL, 31433, 1, '2020-09-02 23:09:13', '2020-09-02 23:09:13'),
(610, 'VINA NOIS, anagrama de INVASIÓN, es un trabajo colectivo, una nueva composición con cita a la película homónima e inspirada en ella. Trata de una narrativa nueva con materialidad propia.  Es una permanente búsqueda de sentido a partir de dos ideas: crecimiento y mutación.  En consecuencia la obra continúa expandiéndose en sus dos formatos y materialidades: los dibujos, incorporando nuevos planos / escenas y la narrativa, trabajando sobre la materialidad nueva que surge de operar con lo producido adaptándose a cada uno de los sitios donde se muestra.\r\nEl tríptico, formato de exhibición propuesto, recorre las tres instancias del proceso: la materia prima (fragmentos del film), el material producido (dibujos) y en el último tercio la  nueva materialidad que surge de la necesidad de ampliar el sentido original del film, en este caso la atmósfera de una “ciudad sitiada”. El conjunto propone al espectador reconstruir un relato propio, conectando sus propios imaginarios a los propuestos por Santiago, Borges y Bioy Casares en  la propuesta original. De esta manera asume su rol de sugerir más que de ordenar. El componente aleatorio de las secuencias de imágenes en movimiento, en cada uno de los tres espacios, será el disparador de la nueva reflexión.\r\nDejamos el último tercio para la experimentación con el material generado: superposición de espacios a partir de perder el encuadre, duplicaciones y otros recursos que a modo de recuerdos o ensoñaciones refuerzan situaciones de la historia', NULL, 32958, 1, '2020-09-02 23:17:26', '2020-09-02 23:17:26'),
(611, 'Entre los siglos XVI y XVII entran por Sevilla alrededor de 90.000 africanos esclavos. Un 10% embarca para América. Pero, ¿y los 80.000 restantes?. Durante esos siglos, tener esclavos se convirtió en algo normal en todas las clases sociales en España. Sin embargo, en España esta parte de la historia, así como esta parte de la población, se ha olvidado. En el imaginario colectivo España no es negra; y si eres negro, es que no eres de aquí.\r\n\r\nLa sociedad se construye desde su identificación con las representaciones culturales que construyen identidad colectiva. Pero no pueden generarse cambios sociales si la producción cultural sigue visibilizando al afrodescendiente como “el otro” o si, simplemente, no existe.\r\n\r\n‘Black is Black’ es un festival que pone en valor la historia, la cultura y la producción afro, con la música contemporánea como eje vertebrador. La música, así como muchas de las artes vivas, es un espacio de socialización y aprendizaje informal en el que la comunidad se mezcla y se acerca al “otro” con una actitud más relajada y abierta. Es en este tipo de encuentros que se producen en el espacio común donde el individuo se construye en su singularidad y en su encuentro con el otro, lo hace como comunidad. \r\n\r\nLa propuesta pone su foco en el público universitario con el objetivo de incidir directamente en los agentes de decisión del mañana. Este proyecto se integra dentro del mes de la interculturalidad, celebrado por la Universidad de Málaga en abril. \r\n 				\r\nPROGRAMA:\r\nAntesala Black is Black:\r\n- Proyección-debate de ‘Gurumbé, canciones de tu memoria negra’, con la presencia de su director y varios de sus participantes\r\n- Charla-concierto ‘Sonidos negros en el flamenco’, por Raúl Rodriguez\r\n\r\nBlack is Black: \r\n- Charla-taller ‘Resistencia estética’, Desirée Bela-Lobedde\r\n- Fanzines afrofeministas, Biznegra\r\n- \"No es país para negras\", pieza teatral + conversatorio, de Silvia Albert Sopale \r\n- Motokiatu Dj set\r\n- Conciertos:\r\n* Erika Dos Santos\r\n* Siwo\r\n* Egosex', 'BLACK IS BLACK', 32497, 1, '2020-09-02 23:18:26', '2020-09-02 23:18:26'),
(612, 'Quando o coreógrafo Vaslav Nijinsky criou o espetáculo de balé L’Après-midi d’un faune, ele queria subverter os corpos do balé clássico. Junto com um estilo ainda único de dança, o espetáculo tinha um contexto extremamente erótico e revelava um desejo sexual latente do personagens. Ao pensarmos nas relações de corpos atuais, em que binômios de heterosexualidade são questionados diariamente, o Fauno se transforma através do artista Davi Benaion. Seu trabalho faz uma releitura do Fauno a partir da estética queer, ao som de divas pops e com sapatos de stiletto. Ressignificar as relações dos corpos e sua leitura através das décadas também é o trabalho de Chantal Feitosa. Em seu vídeo “Machine Learning Bias”, ela retoma um vocabulário comum no Brasil mas que possui forte carga racista para mostrar como corpos racializados femininos e masculinos são delegados a certos espaços e a cumprir determinados papéis nas sociedades. Os trabalhos aqui citados apresentam duas formas de ressignificar o sentido do corpo, de rever valores e estereótipos definidos pela sociedade. Se distanciam da ideia limitadora do “ser”, corpo como unidade inspiradora do individualismo, organismo biológico encerrado em si mesmo, para o constante “vir a ser”, condição humana  que  implicam o corpo como um todo, meio vivo que fabrica, elabora e significa a partilha coletiva. A exposição sugerida busca artistas que questionam o papel impostos aos corpos na sociedade através de representações de corpos e da marca que sua ausência pode deixar. Apesar de ser o grande objeto e matéria de estudo dos artistas ao longo do século, a subversão das potencialidades e capacidades dos corpos só se fez presente com mais intensidade na contemporaneidade. Não apenas por mais artistas mulheres, negros, não-binários e queers estarem inseridos no circuito das artes visuais, mas por que corpos diferentes tem sido mais visibilizados nas mídias em geral. O corpo não é só o centro da obra, mas é  meio ativo para revisão social', 'Tomar corpo, uma revisão da crise', 32706, 1, '2020-09-02 23:19:21', '2020-09-02 23:19:21'),
(613, 'Every year, millions of livestock are killed for Eid al-Adha, a major Islamic holiday commemorating Ibrahim\'s willingness to sacrifice his son to God. The festival is known as Qurban Bayram in Azerbaijan, where the tradition outlived Soviet atheism and was declared a state holiday by the independent republic. \r\nDream of Dreams probes the absurd profligacy of Qurban Bayram, a celebration of altruism that for some turned into a display of wealth. The video which two surgeons wearing ceremonial hats jewelry into a sheep\'s abdomen, and a dream that one doctor shares with his colleague, though he is nor sure if it was a dream or not. The latter, set in a Soviet-era office, is injected with unexpected strangeness: an editor solemnly peruses a stack of watercolors, while his secretary wordlessly takes out a set of knives from her desk drawer. Dressed in a navy blue  suit - \"the color of a millionaire, per a local expression - the man eventually disembowels s sheep carcass, spilling out guts and gold jewelry that the workers greedily dig their hands into. A woman bewilderedly, remarks that she visited a meat market and everything was like in a dream, \"before the video cuts to a scene of a such a place. with sanguine pools that manipulated to appear cobalt blue.', NULL, 30656, 1, '2020-09-02 23:22:54', '2020-09-02 23:22:54'),
(616, 'The project is a portrait of the condition of inadequacy, fragility (but also awareness and irony) that characterizes the ’80s-’90s born, giving shape to the seemingly infinite potential of this generation, which often remains unexpressed. It is precisely this lack of expression that makes the project so urgent. The practices of the invited artists intercept some of the aspects described in the abstract already sent.\r\n\r\nFederico Antonini’s work shows his interests in books and YouTube’s tendencies: the action is pervaded by an estranged eroticism that makes the video exciting and disturbing at the same time.\r\nLucia Bricco’s video questions the relationship both intimate and visceral with the studio, that the artist considers as a house.\r\nFederica Di Pietrantonio’s aesthetics deals with painting tradition and digital culture, investigating a certain idea of the domestic space, which turns into something far from familiar.\r\nRoberto Fassone’s work is a paradoxical oracle, in which the artist questions us, with subtle irony, about our anxiety to predict.\r\nValentina Furian highlights the sublime beauty of a traumatic event, offering many possible interpretations according to the time we are living, without any paternalistic intent.\r\nGuildor makes a seemingly riot action, which turns out to be counterproductive and ridiculous for the artist himself.\r\nPablo Insurralde’s sculpture recreates a tiny domestic context, both reassuring and fragile.\r\nDavide Monaldi, through the transfiguration of his keys into ceramic, makes a precarious monument of the artist’s properties.\r\nChiara Pagano’s installation is a metaphor for the condition of waiting and suspension, arousing a sense of mocking frustration.\r\nMattia Pajè creates a short circuit between the monumentality and fragility of the sculptures, a (bad) copy of two bodies made in a childish style.\r\nUrara Tsuchiya’s figures synthesize our relationship with sexuality and with the intimacy of our houses, adding a touch of provocative irony.', 'We have everything but time (No tenemos más que tiempo)', 32683, 1, '2020-09-02 23:50:56', '2020-09-02 23:50:56'),
(617, 'The concept of transformation as a condition for communal and personal healing is at the heart of contemporary black consciousness. We are particularly interested in how this concept - if not necessity -  is explored by visual artists through visuality and materiality, and through reappropriating narratives and decolonial iterations. In this context, transformation endorses a spiritual, political and aesthetic dimension. The artworks we have selected for this project express these three constitutive aspects in a synergic and coherent way. Addressing the many ruptures, aggressions and erasures in black histories, or encountered by the black body, the selected artists propose visual narratives that display altering or amending processes that allow the information of new imaginaries. Here, we understand healing as restorative visual gestures or experiences that allow new readings of contemporary afro-consciousness formation. Central in this proposition, the installation of the recent photographic series ‘Primordial Earth’ by Léonard Pongo sets the framework of the exhibition in which bold visual performances meet texture and versatility. The spiritual dimension of the selected artworks has also been very crucial for us and our selection. It has been a natural choice to select artworks or projects that employ photography or video as medium. Indeed, in regard to the theme we are exploring, the image becomes a transformation intermediary or agent, especially when presented in thoughtful ways. We also selected artists whose work addresses the concept of transformation as applied to personal and/or collective grievances that are often the catalysts of the visual processes in view. Every artwork invites the viewer to experience beyond mere contemplation, and to get carried by the transformative dynamics that each artist proposes to us or confronts us with.', 'In Transformation We Heal', 30005, 1, '2020-09-02 23:54:10', '2020-09-02 23:54:10'),
(618, 'Designed for exhibitions, “AI Facial Profiling, Levels of Paranoia” is both a profiling machine presented with a performance inspired by security infrastructures.\r\n\r\nTo create a sense of ambiguity between fiction and reality, we will present the machine as a profiling artifact by using a performer, the artist who will take on the role of a security guard. The scenography aims to accentuate security infrastructure surveillance and security protocol to provoke a sense of constraint to the visitor, who is now a passive player in this profiling system. Seeking to put a normative and safety course at the center of this installation, a security gantry could be placed at the entry point of the space granted to the exhibition of the machine, constituting a compulsory passage for the visitors. \r\n\r\nBecause of its interactive dimension, the meaning of the installation can only be understood by visitors if they engage in a one-way trust relationship by letting themselves be photographed. In return, the profiling machine reacts and produces an information sheet with the photograph, which will remain visible for the duration of its classification, but, once stored, will remain inaccessible for the visitor forever.\r\n\r\nThe experience takes the audience as the starting point for a critical reflection and aims to reveal the status of these AI-powered surveillance technologies and their chilling effects, demystifying the “oracle effect” surrounding these AI systems.', NULL, 10560, 1, '2020-09-02 23:54:31', '2020-09-02 23:54:31'),
(619, 'La obra posee dos partes, una llevada a cabo en el desierto a modo de intervención, y otra en la ex estación de ferrocarriles de Iquique, a modo instalación y exhibición. Esta doble instancia refleja un sentido público y metafórico de la obra: representa la dinámica que tiene la riqueza de la región, el mineral siempre se ha ubicado en lugares de condiciones extremas, significando una riesgosa expedición, como lo muestra la historia del salitre. El trabajo y desplazamiento que gobiernan actualmente la región: trabajadores que van diariamente a las distintas minas y faenas, movidos por el sueldo que genera la venta de su fuerza de trabajo, para luego cumplida la jornada laboral, regresar a la ciudad, se asemeja al modo en que  el mineral y la riqueza minera es extraída y producida en el interior de la región para luego ser embarcada hacia los distintos mercados globales. De esta forma, la creación de la obra da cuenta de cómo se mueve el capital en la región, creando una poética de cómo éste es progreso y ruina a la vez. Con este proyecto de una dinámica similar a la de los trabajadores del mineral, damos cuenta de esta realidad al ir al desierto y extraer la obra de las entrañas de la pampa, para exhibirla a los distintos públicos, tanto locales (por ser expuesta en la estación de ferrocarril) como globales (al ser difundida y visualizada a través de internet). Cabe destacar la elección del gran formato, debido a que permite mayor y simultánea observación de espectadores.', NULL, 22634, 1, '2020-09-02 23:56:01', '2020-09-02 23:56:01'),
(620, 'El Sindicato Virtual de Mods (SVM) rastrea los modos de cooperativismo y lucha social en la actual era del capitalismo cognitivo a través de las modificaciones (mods) practicadas en los videojuegos. El SVM es una asociación virtual que busca: recopilar y archivar la producción simbólica y visual del colectivo gamer, en particular la relacionada con políticas de identidad y lucha de clases; y en segundo lugar abordar la crisis del asociacionismo sindical y el cooperativismo desde el lugar del ocio y la virtualidad.\r\n\r\nCabe resaltar que el SVM es un proyecto de larga duración originado en 2019 que propone distintas resoluciones en función de los colaboradores que encuentra y los formatos que va adquiriendo. Es así como el proyecto ha realizado una serie de charlas con invesitgadorxs que abordan cuestiones relacionadas con la propuesta, como Remedios Zafra, Jamie Woodcock o Hito Steyerl. La propuesta ha sido seleccionada y se ha presentado en Artecámara de Artbo (Bogotá, 2019) y en BCN Producció de La Capella (Barcelona, 2019-2020). Para esta nueva entrega el proyecto se centrará en el contacto con gamers locales y en la producción audiovisual de piezas que cobren sentido en dos direcciones: en el contexto específico de Latinoamérica, retratando sus calles, protestas y vehículos de transporte público; y en el contexto universal, puesto que los videojuegos suelen reproducir imaginarios hegemónicos más proclives a plasmar los territorios poderosos como Estados Unidos o Europa.', NULL, 14552, 1, '2020-09-03 00:02:09', '2020-09-03 00:02:09'),
(621, '\'Acto 1 - Luto\' es una etnografía de la violencia en contra la mujer en las zonas rurales de México. Esta video instalación es la evidencia visual de varias fosas comunes localizadas en zonas rurales de México, funcionando no solo como documentación de estos trágicos eventos, sino también como huellas históricas de violencia patrocinada por el estado. Los paisajes de exterminio tienen la capacidad de ocultar realidades de desigualdad y violencia, normalizando una realidad políticamente compleja. Lo que es visible a menudo es solo una pequeña parte de la conformación de estos paisajes. Me interesa representar estos procesos violentos en el paisaje y cómo las atrocidades del pasado continúan atormentando el presente. ¿Cómo se inscribe la memoria en el espacio?\r\n\r\nSiguiendo la tradición pictórica del paisajismo romántico Europeo con su representación del poder incontrolable de la naturaleza y los extremos cataclísmicos, esta video instalación apropia imágenes y motivos de la estética del paisaje romántico Europeo del siglo XVIII, representando la ocupación violenta de las zonas rurales de México por grupos criminales, carteles y guerrillas locales. Las imágenes poeticas y aterradoras de la naturaleza en \'Acto 1 - Luto\', influenciadas por el paisajismo romántico Europeo del siglo XVIII, establecen un paralelo y al mismo tiempo amplifican las huellas del terror de la desaparición forzada de mujeres en las zonas rurales de México.', NULL, 25016, 1, '2020-09-03 00:11:11', '2020-09-03 00:11:11'),
(622, 'Papel, química, radiación y un cuerpo que soporta el tiempo. Un tiempo largo bajo el sol que ciega a los trópicos. Media hora de sol por dia es una recomendación médica conocida para la depresión. Decidí comenzar este proyecto en posición fetal y asumir la potencia inerte desta postura. La aparente pasividad esconde la lucha de un cuerpo que, inmovilizado, resiste. Las imágenes guardan la duración concreta de cada embate, 30 minutos el sol abrasador del verano de Río de Janeiro. Una batalla silenciosa, solitaria, pero colectiva. En los últimos años, el desánimo se ha apoderado de gran parte de la sociedad brasileña, que ha visto desmoronarse su breve democracia. Religión y poder se mezclan de nuevo. Una mentalidad perversa retoma el poder, reflejando una sociedad retrógrada. Muchos abandonan el país en busca de refugio, libertad o alienación. La gran mayoría no puede escapar. O, quizás sólo para dentro de ellos mismos. Incubación. Deseo en espera. Frente a la aniquilación total en momentos de sombra, permanecer vivo es lo único posible. \r\nMedia Horita de Sol consiste en una serie de cianotipos a escala humana, todos en posición fetal, parte del proyecto \"Estrategias para Tiempos Sombríos\", iniciado en 2019. Hoy, seis meses después, el proyecto obtiene una actualización tan gigantesca como impensable. \r\nMe pregunto cómo saldremos de este trance colectivo. Si, como un feto, al final de su período de gestación, seremos expulsados abruptamente y vivos, ¿qué acto nos dará a luz?', NULL, 5960, 1, '2020-09-03 00:18:49', '2020-09-03 00:18:49'),
(623, 'Esta propuesta surge como una extensión del ciclo de exposiciones \"Environment\" de ifa-Galerie de Berlín, en el que nos encontramos dos curadoras investigando la relación entre seres humanos y naturaleza, con las problemáticas de la apropiación del universo ecológico por parte de proyectos productivos extractivistas, el cambio climático y también la resistencia de los pueblos originarios, mestizos y sus cosmovisiones en el presente. Proponemos a Bienalsur exponer un conjunto de trabajos de cooperación entre artistas, activistas e investigadoras que explora lo que manifiestan textiles contemporáneos del Gran Chaco Americano y discursos en torno a ellos. Consideramos al arte como un territorio fértil para la construcción de otras prácticas de la memoria y la reflexión sobre nuevas posibilidades de convivencia.\r\n“El andar de la memoria” reúne piezas textiles realizadas en colaboración entre tejedoras indígenas y artistas de diferentes orígenes que trabajan visibilizando técnicas ancestrales y creando nuevas imágenes donde conviven tensiones de la vida contemporánea y la interculturalidad. Al ingresar al campo del arte las tejedoras indígenas se fortalecen como trabajadoras y como guardianas de una memoria ancestral. Sumamos al colectivo de la radio comunitaria La Voz Indígena de Tartagal (norte de Argentina) que hace públicas voces de resistencia en la defensa de la memoria étnica ante el avasallamiento de la colonización sobre la naturaleza de la que se consideran parte. También convocamos a artistas e investigadoras de Alemania, México y Argentina para propiciar diálogos con personas de pueblos originarios y ciudades o espacios fronterizos, para crear a partir de ellos diferentes registros desde la escucha y enlazado de testimonios y sentires.', 'El andar de la memoria', 14503, 1, '2020-09-03 00:19:06', '2020-09-03 00:19:06'),
(624, 'Dentro de una cultura basada en la singularidad, el proyecto original de los pabellones 2 y 3 de la Ciudad Universitaria planteaba otra premisa, radical, opuesta: la repetición estricta, monumental y monótona de una misma pieza mil ochocientas cuarenta y cinco veces. \r\nSin embargo, hoy, es parte de una historia olvidada, desconocida para la ciudad, desmembrada entre cajones de despachos, como fondo de fotografías de egresados, entre recuerdos, anécdotas y escombros, trozos rotos, quebrados, que yacen como tierra de relleno sobre Río de la Plata, luego de ser removidos en los meses de verano de 1990.\r\nA partir de la reconstrucción y montaje de una única pieza a partir de material de archivo, la obra busca recuperar la memoria de este elemento arquitectónico y su devenir fatídico para volverla parte de la historia de la Universidad Pública y la ciudad. Su presencia solitaria en la fachada sur del edificio evoca la performance hipnótica original e indaga en el valor de la repetición en la cultura contemporánea.\r\nLa investigación se estructura en dos canales - archivo y acción - que se cruzan y se afectan. Un dispositivo de exhibición situado en el patio central del pabellón 3 despliega los documentos gráficos y restos hallados - que a su vez - serán utilizados para reconstruir y montar una nueva pieza escala 1:1 en la cara sur del pabellón 3. \r\nTodo el material recopilado y producido será embalado y entregado a la Secretaría de Hábitat de la FADU para formar parte de su archivo.', NULL, 21264, 1, '2020-09-03 00:27:01', '2020-09-03 00:27:01'),
(626, 'La exposición busca pensar el maíz como un ente que forma parte de un sistema de relaciones con la tierra y no como un producto agrícola alejado de su contexto. Para ello, se enfoca en mirar desde una perspectiva crítica de qué manera actúa la agencia extractivista del Norte sobre el territorio latinoamericano y cómo esto ha influido en la construcción de un discurso histórico. Así, se pregunta sobre estrategias de resistencia mirando el maíz como un símbolo de una identidad construida desde lo heterogéneo, a partir de los siguientes ejes:\r\nIdentidad del Maíz y su importancia fundacional\r\nCarlos Uribe compara el maíz con el oro como recurso de explotación. Los murales de Guache plantean una relación entre la identidad y el maíz. Juan David Henao rescata las costumbres campesinas de trabajo y acción desde la cerámica y la siembra.\r\nResistencia cultural desde la identidad histórica\r\nClaudia Martínez Garay parte de vestigios del pasado que sobreviven en el presente para plantear un diálogo entre maíz y cerámica. Rosa Tisoy-Tandioy vincula la cosmovisión indígena, el cuerpo y el  territorio, resistiendo así desde la ancestralidad. Juan Camilo Mutis articula la simbología del maíz para acceder a la memoria biológica de estas semillas y Jose Luis Cote hace una reflexión sobre los ecos de la colonia que persisten en el presente.\r\nResistencia desde el territorio subvertido\r\nLéster Rodríguez señala la violencia que está detrás de la producción agroindustrial. Lucía Madriz utiliza granos para hablar de la intervención estadounidense en la extracción de petróleo. Ivan Hurtado reinterpreta la geografía para hablar de las tendencias extractivistas y Carlos Castro cuestiona desde lo simbólico los monumentos y la configuración de la sociedad latinoamericana.\r\nEl maíz: Símbolo heterogéneo de resistencia\r\nMaría Buenaventura y Edith Morales buscan pensar en el maíz nativo como un recurso para la construcción de un paisaje cultural heterogéneo que salvaguarda la soberanía alimentaria.', 'Gentes del maíz', 15002, 1, '2020-09-03 00:39:32', '2020-09-03 00:39:32'),
(627, 'The main idea of the exhibition project is to contribute to develop an alternative cartography, revoking the hierarchic relation of the dominant art history. As the initiative of free circulation the NET meant total de-hierarchisation. From today\'s perspective it seems to be one of the first projects that redrew the cultural map, replacing the binary order of the Cold War with a topography of connectedness proposed from below, running counter to dominant narratives issued from above. \r\n\r\nLooking back to the 1970s we can also find it as a new way of communication forecasting mediatised society and spreading communication space of today\'s users of net. The project of free exchange, formulated almost 50 years ago, can still serve as a benchmark for today\'s subversive practice against the mainstream. A network of contacts developed between artists, independent of institutional structures and above political barriers as well as beyond the centre-peripheries dichotomy undoubtedly can be a significant backdrop to the current discussions about the alternative character of the Internet-based social networks and  activism mobilised for various social and political causes.\r\n\r\nThe exhibition offering an insight into the archive of the NET project will show the art of dialogue and dissent. The art developed in dialogue between the artists and the art evolved in disagreement with ideological and political barriers. It provides remarkable examples of artistic exchange between the artists from Latin America and Eastern Europe, between left-leaning artists living under military dictatorships on the one hand and the anti-communist artists living in ideological confinement on the other. \r\n\r\nThe archive of NET constitute an unique document of its time and changes that occurred on the cultural and political map. These testimonies of artistic activities can offer an insight into the global art world perceived in its diversity, the various developments and experiences in different countries.', 'NET - Art of Dialogue and Dissent', 29213, 1, '2020-09-03 00:52:58', '2020-09-03 00:52:58'),
(629, 'O projeto Verdades do rio (rumo ao interior) prevê a realização de uma exposição coletiva, formada por obras site-specific de 10 artistas, sendo que 5 destes são artistas convidados e 5 são artistas selecionados via edital. A exposição acontecerá na Fábrica de Arte Marcos Amaro – FAMA, localizada em Itu, que está na rota do Médio Tietê, tema central proposto para a investigação artística. Além da exposição está previsto também um ciclo de palestras e a produção de um catálogo. \r\n\r\nNesta proposta, apresentamos à BIENALSUR as necessidades correspondentes aos artistas convidados: Ivana Vollaro (Argentina), Katia Maciel (Brasil), Ivan Grilo (Brasil), Julia Isídres (Paraguai) e um artista uruguaio a definir. As obras dos cinco artistas-investigadores convidados serão produzidas especialmente para o projeto durante ou a partir de residências artísticas na FAMA. Durante o período de residência, os artistas terão a oportunidade de realizar um estudo de campo da região da bacia hidrográfica do médio Tietê paulista, a fim de articular ao trabalho sua experiência, descobertas e achados sobre o local.\r\n\r\nO projeto \"Verdades do rio - Rumo ao interior” tem um caráter processual, imersivo e experimental, sendo receptivo a qualquer mídia ou linguagem artística desenvolvida pelos artistas a partir de sua vivência no contexto do médio Tietê.', 'Verdades do rio (rumo ao interior)', 33915, 1, '2020-09-03 01:01:47', '2020-09-03 01:01:47'),
(630, 'En el ejemplo del tanque secuestrado, la historia invade lo hipercontemporáneo. No se trata de un recuento de eventos post Facttum. La historia actúa, simula y continúa modificándose. En un jugador que cambia de forma que continua bloqueando todo futuro atacando por detrás.\r\nLa producción capitalista ha unificado el espacio, que ya no esta limitado por sociedades exteriores. Esta unificación es, al mismo tiempo, un proceso extensivo e intensivo de la trivialización. La acumulación de mercancías producidas en serie para el espacio abstracto del mercado (el estacionamiento de un shopping –no lugar-) así como debía romper todas las barreras regionales y legales y todas las restricciones corporativas que mantenían la cualidad de producción artesanal, debían también disolver la autonomía y la cualidad de los lugares. Este poder de homogeneización es la artillería pesada que ha derribado todas las murallas chinas. \r\nEn adelante, el espacio libre de mercancía es modificado y reconstruido a cada momento para volverse cada vez mas idéntico a si mismo. Para acercarse mejor a la monotonía inmóvil. Y es aquí donde queremos incidir. \r\nEn esta contrariedad y en lo irreconciliable, está lo especial y atractivo del trabajo. La obra nunca será perfectamente terminada, si no que se irán añadiendo intervenciones y modificaciones, con las cuales, se rompa su estado hermético, y haga que el espectador se coloque fuera de la seguridad de una pasividad no-crítica.', NULL, 28014, 1, '2020-09-03 01:08:38', '2020-09-03 01:08:38'),
(631, 'The omni-presence of the traditional, originally Western model directed towards success and profit is undeniable, even unescapable, in different domains and on many levels in our current global society. At the same time, however, it becomes clear that this model has reached its limits. In her essay Drunk on Fuck (2019), artist Lydia Lunch poignantly articulates reaching a point where her libido and the need “…to possess, to consume…” has reached danger point, prompting a long bout of celibacy. The year 2020 is one of one global pandemic, the BLM and various protests alike, Donald Trump, the rat-race of building a quantum internet that spans the globe, the tense US president elections, a critical UN Climate Summit. A clear view of the political spectrum disappeared, both left-and right-wing parties are using similar populistic strategies, glorifying more obscured and dubious ideologies than ever.\r\n\r\nAt this very moment, one could see a raise of artistic approaches which are in sharp contrast with the global flow of exchange of information projected by the government and/or media. The artists in this exhibition urgently create meaning by overly giving – or rather, a radical refusal to take – which is what securing them their freedom as an artist. A group of about 10 videos and performances all compellingly address the present political moment. By peeling of layers of censorship and all sorts of interest (political, economic, social and personal), they unravel the odious smell of truth. In all its complexity, harshness, beauty or fragility. Artist On Kawara described this attitude as give and give, a state of mind that is based on the trust that, if everyone is giving instead of taking, we all would be provided for.', 'Give and Give: The Odious Smell of Truth', 30014, 1, '2020-09-03 01:09:43', '2020-09-03 01:09:43'),
(632, 'I hope this proposal opens a conversation about showing my recent production, some of which was part of my first solo exhibition “Canseira”, at Centro Helio Oiticica, Rio de Janeiro, 2019, in other locations in South America. For this, one or more works proposed here can be selected and combined to be exhibited in a solo presentation in a location to be defined, or incorporated into another curatorial context. If prompted to help in the definition of the venue, I can activate partners, as the collections and institutions that host some of the works proposed such as Frac Pays de La Loire, Kunsthal Gent, Mac Niterói, Luca School of Arts, and others. \r\n\r\nIn the first phase I proposed five works that start from my own position to address the feeling of being tired, stuck, and immobile. With installations, videos, and sculptures, I use gravity, movement, and dance, to create other bodies and ways of moving and resting. In addition to these five works, I’ve added a last work here that can give name to the proposal. In “Baile das Obsoletas” (The dance of the obsoletes) the parts of a smartphone dance in a fragile structure that activates the space. In the bottom, hangs an iron ore stone taken from the ground where my family lives in Minas Gerais. Putting in motion something that seems immobile and impenetrable, like the smartphone, is a motive repeated in the other works in this proposal: \"WORKATION\", \"Ribanceira\", \"Móbiles Cansados\", \"Aproximações\", and \"Trabalho Involuntário\".', NULL, 26897, 1, '2020-09-03 01:09:53', '2020-09-03 01:09:53'),
(633, 'El proyecto “Desgaste” fue gestado durante el confinamiento decretado en marzo debido al coronavirus.\r\nParte de una acción, lavarse las manos con jabón, y de la documentación del desgaste de la pastilla con una foto diaria. El jabón tiene un perfil de mujer en bajorrelieve que va suavizándose hasta desaparecer.\r\nEl conjunto de fotografías se montarán en un vídeo de manera que las semanas necesarias para desgastar un jabón se reduzcan a minutos. \r\nSe exhibirán las fotografías y el vídeo realizado a partir de las mismas. Debido a que es un proyecto en curso, el vídeo aún no está editado. \r\nLas fotografías se imprimirán sobre papel con un formato apaisado de 10 x 15 cm. \r\nSe colocarán formando un mosaico en la pared con una separación de 1,5 cm. entre ellas. El tamaño del conjunto se ajustaría al tamaño de la pared adaptando el número de filas. \r\nEl vídeo se exhibiría mediante proyección en un espacio oscurecido o en el mismo espacio donde se muestran las fotos usando una pantalla plana (Plasma, LED, LCD…)', NULL, 28556, 1, '2020-09-03 01:15:31', '2020-09-03 01:15:31'),
(635, 'En la instalación “Tejido continuo”  el espectador recorre un puente que une dos ecosistemas: la amazonía y el desierto de la costa peruana conectándonos con la dinámica que existe entre ellos. El agua como elemento articulador, recorre debajo del puente como los flujos hídricos en el territorio. Como parte de este flujo, los seres no humanos y humanos transitan desde las zonas áridas de la costa a las tropicales de la amazonía, adaptándose a variadas condiciones climáticas y ciclos naturales. La idea del viaje o tránsito entre ecosistemas invita al visitante a experimentar sensorialmente la adaptación a su entorno y la fusión de uno con la naturaleza.\r\n\r\nEl ecosistema del desierto húmedo se presenta en “ecosistema del agua”, que integra elementos naturales con tecnologías ancestrales y contemporáneas del manejo del agua en el desierto peruano, dónde aparecen los humedales y huachaques*, pequeños oasis. La instalación reproduce el ciclo del agua que se da de forma natural y que actúa como un complejo filtro purificando el agua. \r\n\r\nLa experiencia de la amazonía se presenta en “exhalare”, un espacio vertical que nos remite al interior de un árbol. Es un viaje de introspección, una transición donde el cuerpo humano se funde con lo vegetal, desprendiéndose de su materialidad. En este ritual se reintegran lo humano y lo vegetal como una unidad, una cosmovisión que se mantiene en las comunidades amazónicas.\r\n\r\n*Tecnología precolombina de la captación de aguas subterráneas en el desierto', NULL, 32770, 1, '2020-09-03 01:19:57', '2020-09-03 01:19:57'),
(636, 'Casa Comunal es la obra descripta en la primera fase de esta convocatoria (Una instalación participativa, de cientos de calcos en yeso, de fragmentos de arquitectura en escala reducida, desparramados sobre un espacio verde público o semi público, para que les visitantes manipulen), aquí en una versión más adaptada a la situación de pandemia y los cuidados que demanda: El espacio quedará precintado, con red naranja y cinta amarilla, como una zona en construcción, una obra en proceso, o un sitio arqueológico de reciente descubrimiento. La instalación será visible en forma permanente mientras dure la exhibición desde fuera de su perímetro, y cambiará por la acción del público. Pero el acceso a participar se obtendrá en turnos de cupo reducido. Los días en que haya participación, en la entrada habrá un dispenser de alcohol en gel, y una persona encargada de recibir a los grupos, tomar la temperatura, verificar uso de barbijo e higiene de manos, señalar un área para que interactúen con las piezas de yeso, e invitarlas a retirarse cumplido un lapso máximo de 45 minutos. De acuerdo a la superficie del espacio de exhibición asignado, se puede calcular la cantidad de horarios disponibles para turnos, de modo que las mismas piezas no sean tocadas hasta antes de ser sanitizadas o haber perdido posible carga viral (cosa que no se sabe exactamente cuánto tiempo lleva, por lo que la higiene de las personas participantes es fundamental).', NULL, 28669, 1, '2020-09-03 01:26:12', '2020-09-03 01:26:12'),
(637, 'CONSTRUCCIÓN DE UN OBSTÁCULO\r\nEste proyecto consiste en una acción con un resultante escultórico, que recurre a maquinaria vial y vehículos como metáfora de conflictos violentos entre distintos componentes de la sociedad.\r\nEn resumen: dos autobuses son colocados bloqueando los extremos de un espacio determinado, cada uno es empujado por una topadora hasta chocar, formando por así mismos un obstáculo.\r\nLa propuesta forma parte de la serie de trabajos que incluyen maquinaria pesada de construcción que he ido desarrollando durante varios años. \r\nFormalmente, el proyecto se basa en el uso recurrente de vehículos para formar barricadas durante protestas y conflictos  sociales en diversas latitudes. En este caso se presentan la colocación del vehículo como bloqueo y el desplazamiento de ese bloqueo mediante una máquina vial, como acciones simétricas y opuestas que confluyen en una colisión inevitable.\r\nLa locación pensada para esta acción es un espacio más o menos acotado, idealmente una calle pero también puede ser, por ejemplo, un patio industrial extenso, un estacionamiento vacío o una explanada.\r\nLa duración de la acción en sí misma es relativamente breve, sin embargo la llegada y emplazamiento de vehículos y máquinas, que requieren una logística compleja, tomará más tiempo y ese tiempo puede ser considerado también como parte de la propuesta.\r\nLa escultura resultante queda emplazada temporalmente como antimonumento.', NULL, 32723, 1, '2020-09-03 01:27:24', '2020-09-03 01:27:24'),
(638, 'Portable Cholets - La mesa is a short film constructed over three years of investigation in El Alto, La Paz. \r\nPortable Cholets is a stage set crafted by the Architectural Association’s participants. Portable Cholets is a performance recorded in collaboration with the film director Marcos Loayza. \r\nPortable Cholet is an artistic attempt to question\r\nnotions of identity, folklore and contemporary rituals translated into architecture.\r\nWe would like to show this performance not only presented through a screen but as a spatial action, where viewers could go inside a prescribed space, entering a high plinth which allows you to be surrounded by the 360 video. \r\n\r\nFrom the outside, this inhabitable telescope is constructed by a wooden frame and a colored embroidery coating, like Bolivian fabrics and carpets. The threads come together and move as if they were alive. Once inside, its muffled shell lets you see the performance in a loop.\r\n\r\nThe Bienal du Sur will become a dynamic testing ground for these qualities:\r\nHow can folkloric masks and costumes trigger an effective architectural cycle?\r\nHow can we define a proper physically and symbolically site-specific intervention?\r\nThis inhabitable telescope will have to envision a composite spatial performance with their\r\nprop, involving the sensible and behavioural parameters of a public stage-set. Viewers and guests will explore the context of El Alto enabling the mutual immanence between bodies and spaces,objects and ceremonies.', NULL, 25027, 1, '2020-09-03 01:27:32', '2020-09-03 01:27:32'),
(640, 'El pago de la Magdalena, donde se ubicaría la Fábrica de la Magdalena, conecta directamente la cultura Tubichaminí, antiguos pobladores, con una fábrica de producción cerámica. Se unen transversalmente diferentes estratos a través de un paisaje. \r\n“¿Qué Historia lo suficientemente grande importa hoy en día? ¿De quién son las historias (y ontologías) que demandan consideración y tienen futuro?”*.  \r\n     El proyecto se formaliza en una instalación que se activa con 3 piezas que derivan de 3 estratos diferentes: \r\n1. “Intentar vivir lo que ya han vivido otros”.  Vídeo en formato Súper 8 que registrará la localización concreta de la Fábrica y donde habitaban los Tubichaminí.  5/8 min aprox. \r\n2. ¿Quién o dónde?  3 elementos de cerámica a partir de fragmentos de cerámica ungicular y corrugada argentina. Serán planas, dispuestas sobre listones de madera. Se realizarán in situ y se mostrarán sin cocer, potenciando el paso del tiempo.\r\n3. “Y esperábamos no sé qué”. Piezas originales producidas en la Fábrica de la Magdalena acompañadas de sus moldes que reflejan su forma en negativo.     \r\nMe interesa partir de un relato convencional, la ingeniería y mecánica de un pensamiento industrial,  para desgranar y releer sus aristas que, de soslayo, completan una Historia de márgenes, de relatos no convencionales y no contados. Repensar vínculos y relaciones de esa narrativa histórica con los públicos.  \r\n\r\n* Jamen Clifford, antropólogo.', NULL, 9885, 1, '2020-09-03 01:42:32', '2020-09-03 01:42:32'),
(641, 'El proyecto de Barroco Furioso involucra cinco equipos de trabajo conformados por un artista visual, un artista drag y un artista sonoro. El objetivo final de este proyecto es el de generar cinco performances que dialoguen activamente con un archivo musical conformado por piezas barrocas. El archivo se activa a partir de la ejecución en vivo de las piezas musicales interpretadas por cantantes líricos e instrumentistas, así como también a partir de la manipulación (visual, sonora, táctil, etcétera) que realicen los diferentes equipos durante el acto performativo. La intención principal del proyecto es la de resignificar un archivo y realizar múltiples lecturas e interpretaciones a partir de generar cruces con las diferentes prácticas estéticas y artísticas de la contemporaneidad. De este modo, a través del trabajo entre los artistas con el archivo barroco surge una estética de lo ambiguo y de lo transitorio. Estas distintas formas de habitar el cuerpo, el deseo y los géneros, ese ir y venir entre lo barroco y lo contemporáneo; dan como resultado una retórica que arguye la necesidad humana de performance como una manera de potenciar agencias que modifiquen la condición marcadora y castrante de los dispositivos hegemónicos de género. Las distintas prácticas performáticas intentarán problematizar una estética de las identidades estableciendo vínculos con espectadores que se construyen desde distintas disciplinas y áreas del conocimiento.\r\nLas performances serán realizadas por equipos conformados por los siguientes artistas: El.pelele, Matías de la Guerra, Maruki, Ely_DD y Franco Basualdo (artistas visuales); ORKGOTIK, Nube, Vedette, Claudia Phuego y Mabel (artistas drags); Astrosuka, Mantrixa, Todoyoto, Matt.Montero y Zypce (artistas sonoros)', 'Barroco Furioso', 32822, 1, '2020-09-03 01:49:10', '2020-09-03 01:49:10'),
(642, 'FORGED MULTICULTURALISM encourages critical reflection of the origins of Brazil\'s multicultural society. The project is impelled by the legacy of colonialism, particularly, the policy of \"branqueamento\" (racial whitening) which actively encouraged the immigration of European men to dilute African ancestry through reproduction. The works highlight the complex relationship between nature and culture, encompassing a wide range of contemporary themes such as politics, migration, identity and exclusion.\r\n\r\nA sample of the works, Dos Santos\' offers a counter-thesis to the work \"Redenção de Cam\". An inversion in the figures skins tones points out that the theories of population whitening, projected for 2022, were defeated by the articulation of black social movements throughout the 20th century by affirmative action, resulting in a process of blackening of the Brazilian population. \r\n\r\nPlantation Memories, a compilation of episodes of everyday racism, by Kilomba and a 24hrs live-action by the collective Legitima Defesa with artists around the world, have storytelling as their central element both of which draw on memory, trauma, race, gender, and decolonisation of knowledge. \r\n\r\nThe monumental installations of jute sacks by Mahama, the porcelain objects used by Portuguese slave traders in Kamuanga Ilunga paintings, and the performances with the outputs from enslaved labour by Rezende are visual deconstructions of narratives of colonialism, which pay homage to the victims and highlight current systems of exploitation. Reversely, Turner and Muyanga explore how to subvert the traces of history through their research of traces left on cartographies of the colonization period by creating a palimpsest of possibilities and multiculturalism.\r\n\r\nThe exhibition aims to bring about recognition of inner preconceptions in the hope that individuals will reflect, become aware and carry their expanded awareness back into their daily lives contributing to a  more conscious and egalitarian society.', 'FORGED MULTICULTURALISM', 5429, 1, '2020-09-03 02:03:09', '2020-09-03 02:03:09');
